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MANICARETTI D’AUTORE. SCONFINAMENTI, 

ELUCUBRAZIONI, LIBERE ASSOCIAZIONI TRA CIBO E 

ARTI: SPAGHETTI | DI MANUELA DE LEONARDIS 

2 gennaio, 2009 

di Manuela De Leonardis 

inserito in approfondimenti, arti visive 

465 lettori 

Chi l’avrebbe mai detto che gli 

spaghetti sarebbero finiti su un 

francobollo da € 0,60 – con 

corollario di altri prodotti, 

peperoncino incluso – che la 

Repubblica Italiana ha emesso 

nell’agosto 2008 per celebrare il 

Made in Italy? All’illustratrice Anna 

Maria Maresca l’onore di rappresentare la “Sagra degli Spaghetti 

all’Amatriciana”. 

Ufficializzata, così, l’origine del piatto tradizionale di cui qualcuno mette in 

dubbio la paternità, ascrivendola più che al paese nel Reatino alla stessa 

cucina romana. Il nome della ricetta, infatti, deriverebbe non tanto da 

Amatrice, quanto da matrix – ovvero la pancetta – suo ingrediente 

primario. 

Pignolerie a parte, certo è che gli spaghetti sono simbolo per 

antonomasia della cultura italica, non solo gastronomicamente parlando. 

Spaghetti western è un esempio del filone di film anni ’60 e ’70 di 

produzione italiana. Protagonisti della convincente salsa mista, un pizzico 

di Sergio Leone, una spruzzata di Ennio Morricone, una grattugiata di 

Clint Eastwood… 

Il cinema nostrano, del resto, ha 

fatto degli spaghetti un emblema di 

identità nazionale, con scene come 

quella di Un americano a Roma, in 

cui Albertone intrattiene un duello 

verbale con la pastasciutta, prima 

di affondare la forchetta. Oppure 

Totò in Miseria e nobiltà, quando 

balla sul tavolo riempiendosi le 

tasche di spaghetti. 

Eppure, secondo certe fonti 

storiografiche, questo cibo così 

italiano avrebbe origini lontane. 

Dall’Estremo Oriente – dove gli 

spaghetti si chiamano noodles – 

sarebbe stato il solito veneziano ad 

importarli in Italia. 

A questa storia si ispira la performer anGie seah Yeng Fong (Singapore 

1979) che a Roma, in occasione nella serata “Quattro artisti da 

Singapore. Kai Lam, Jason Lim, anGie seah, Lee Wen” (organizzata nel 

luglio scorso nello spazio 26cc, in collaborazione con i festival 

Performatica e Blow!), ha presentato Marco Polo makes me confused. Il 

cibo che – paradossalmente – ha origine comune diventa punto focale 

delle differenze culturali oriente/occidente. Nell’azione performativa – 

dopo un certo disorientamento iniziale – l’artista finisce con il mangiare un 

piatto di spaghetti in bianco, impugnando la forchetta in una mano e i 

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art a aprt of cult(ure) | www.artapartofculture.net

astoncini nell’altra. 

Ancora più ironica e provocatoria Ju Duoqi (Chongqing 1973, vive a 

Beijing), talento emergente della scena artistica cinese, di cui è in corso 

una personale alla Paris-Beijing Photo Gallery II di Pechino. Non si può 

non parlare di esperienze sensoriali per i suoi lavori “nutrienti”. 

Ju Duoqi interpreta i capolavori della storia 

dell’arte utilizzando patate, carote, tofu, radici di 

lotus, pomodori, zenzero, cavoli… 

(opportunamente cotti al vapore), che poi 

fotografa prima che l’opera stessa perda 

sapore. 

Ecco allora in Mona Tofu – una Gioconda i cui 

lunghi capelli non sono altro che spaghetti 

appena scolati. Di certo l’artista non avrà usato 

uno scolapasta come quello della caustica 

Mona Hatoum (No Way III). La sorpresa 

sarebbe stata a dir poco allarmante! 

La mostra di Ju Duoqi, The Vegetables Museum 

è aperta fino al 24 gennaio 2009 

Paris-Beijing Photo Gallery II, Pechino 

Immagini 

anGie seah, Marco Polo makes me confused (foto MDL) 

Particolare della performance Marco Polo makes me confused di AnGie seah, Spazio 26cc – Roma 

Photo Manuela De Leonardis 

anGie seah durante la performance Marco Polo makes me confused 

AnGie seah durante la performance Marco Polo makes me confused, Spazio 26cc – Roma 


Mona Hatoum, Undercurrents – No Way III e altre opere 

Mona Hatoum, No Way III e altre opere, installazione della mostra Undercurrents – Ferrara 


Mona Tofu 

Ju Duoqi, Mona Tofu, 2008 

Courtesy Paris-Beijing Photo Gallery II 

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INTERNET VINCE SUL CARTACEO IN USA. PER 

COMINCIARE | DI RAFFAELLA LOSAPIO 


di Raffaella Losapio 

inserito in approfondimenti, lifestyle 

464 lettori 

Noi lo avevamo già rilevato e 

scritto, qualche mese fa. Ora la 

notizia è rilanciata e chiude un 

anno con buone nuove nel settore 

online. Ebbene: nei potenti Stati 

Uniti d’America, patria della 

complessità mediale e della 

comunicazione, Internet vince 

sui quotidiani cartacei. 

La Tv resta il media più seguito, ma anche qui la percentuale è in calo, 

specialmente fra i giovani tra i 18 e i 29 anni, ed è quasi alla pari con i 

media online, mentre la Rete è diventata, in generale, la prima fonte 

d’informazione: un sorpasso quasi annunciato, in terra americana 

mentre in Italia ancora c’è chi storce il naso, come al solito miope di 

fronte al cambiamento dei tempi e all’innovazione… Rischiando di restare 

al palo. 

E’ uno studio del Pew Research Center a confermarcelo: lo sviluppo 

dell’attenzione del pubblico peri media via Internet si deve specialmente 

alla crisi economica e alla campagna elettorale per la Casa Bianca che 

Obama, vittorioso nuovo Presidente degli States, non a caso ha 

impostato fortemente su social network e comunicazione online. 

I numeri: “quest’anno il 40 per cento degli americani ha seguito dagli 

schermi dei propri computer l’evolversi delle maggiori vicende nazionali e 

globali, contro il 35 per cento che ha indicato i quotidiani come fonte 

privilegiata; lo scorso anno, invece, i giornali avevano prevalso sul web 

34 a 24 per cento” ma a quanto pare ora la situazione si è decisamente 

invertita. 

“La Tv resta il mezzo che il 70 per cento degli americani indicano ai 

sondaggisti come fonte di informazione, ma la percentuale, che era l’82 

per cento nel 2002, è in discesa libera. C’è la forte concorrenza di 

Internet specialmente trai giovani: nella fascia fra i 18 e i 29 anni, Tv e 

Rete sono praticamente alla pari, mentre poco più di un giovane su 

quattro afferma di leggere i quotidiani cartacei, il 18 per cento dice di 

ascoltare la radio e appena il 4 per cento si dedica a periodici e riviste 

cartacee”. 

La crisi economica ha dato probabilmente un colpo definitivo a questo 

rapporto tra media diversi e va anche considerato il fatto che le risorse 

sono rincarate e non sono illimitate: alberi da tagliare, benzina e 

carburante…Internet costa pochissimo, inquina ancor meno; e dà modo 

di avere informazioni da più fonti, anche da pubblicazioni internazionali e 

in più lingue, con notizie e approfondimenti anche meno ufficiali, quindi 

consente di formarsi opinioni ad ampio raggio, perciò meno condizionate 

e più libere. Ciò rende necessario, specialmente in questa Italia 

cronicamente in ritardo, analizzare in maniera diversa sia l’informazione 

che la sua veicolazione; sia l’intera filiera mediatica che gli orientamenti 

del Mercato pubblicitario; si evince, inoltre, l’urgenza che la politica e 

l’imprenditoria avrebbero di riconsiderare la propria attenzione verso il 

mondo dei web-magazine o dei quotidiani online oltre che dei blog anche 

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considerando, come già scrivemmo, “la questione spinosa della libertà 

d’informazione, della verifica certa delle fonti, della qualità 

dell’approfondimento, del diritto alla privacy, del copyright, dell’attitudine 

al pirataggio e spesso all’uso scorretto del lavoro altrui” 

E’ ormai certo, pertanto, che è davvero fondamentale rispondere 

adeguatamente ad un sistema che è già cambiato da tanto, che ha 

bisogno di altre regole (e autoregolamentazione) e di una nuova e 

alternativa attenzione imprenditoriale. Per poter intervenire in tempo reale 

la partita si giocherà sul Web, il pubblico, un certo pubblico di lettori e 

fruitori, che è in crescita esponenziale, all’estero ma anche in Italia, lo ha 

capito prima, e cresce, cresce … 

1. Paolo scrive: 

27 dicembre 2008 alle 21:11 

BRAVA, BRAVE! Avete reso un interessante e condivisibile analisi della questione, una tirata 

d’orecchie ai tanti retrogradi che in questo Paese restano indietro, che non sanno capire gli eventi, non 

sanno leggere gli accadimenti, non stanno nel mondo che cambia e cresce 

Un esempio che serve a comprendere come istituzioni e chi dovrebbe non sa e non vuole, non seppe e 

non volle? Lo sapete cosa successe quando giunse finalmente la Tv a colori, in Italia? Il settore industriale 

di questo elettrodomestico che era sino ad allora all’avanguardia, nel nostro Paese fu paralizzato da 

continui, insensati rinvii dell’introduzione al colore che in altre nazioni era già un pezzo avanti (la RCA 

fabbricò le prime Tv a colori già nel 1954). Nel 1967 costano molto meno e arrivano ache in Europa. Non in 

Italia: quando finalmente la Rai inizia le trasmissioni (febbraio 1977) moltissime di quelle aziende italiane 

avevano già chiuso perché avevano investito enormemente su innovazione e ricerca per qualcosa che 

tardò troppo ad essere attivata. Eravamo in ritardo di anni e anni su altre realtà internazionali per volere di 

una politica e di interessi economici retrivi. Fu la mecca delle aziende straniere, che invasero anche il 

nostro mercato 

Paolo Di Pasquale 

2. Annina scrive: 

28 dicembre 2008 alle 18:42 

Non c’ storia se la storia non evolve. Nessuna eliminazione di Tv, giornali o libri ma inserimento di 

nuova informazione e cultura attraverso differenti media: nuovi ieri, oggi già “presente”, domani forse 

obsoleti. Ma si deve essere pronti a cogliere il progresso perché é vero quel che scrivete ed é ancor più 

tristemente reale quel che commenta il vostro redattore, oltretutto in modo eccellente, con un esempio 

illuminante e calzante, purtroppo…. 

Che la collettività se ne faccia una ragione, superi la pigrizia (anche mentale) e studi: la formazione 

permanente passa anche da qui…. all’estero ci insegnano, ci superano, ci seppelliscono e la colpa é anche 

-forse solo- nostra: del popolo, in parte, ma soprattutto di chi lo rappresenta e lo governa, di chiunque si 

tratti, per certi versi…. 

Grazie degli articoli sempre così interessanti, motivo di riflessione mai scontata…. 

Annina 

3. Adriana scrive: 

5 gennaio 2009 alle 18:20 

vero verissimo! Peccato che qui siamo in Italia e che sia lenta e lontana questa realtà. Troppo 

dovremo e dovrete lavorare perché si aprano questi spiragli… Ciòdetto siamo avanti ai tanti giurassici che 

negano o non sanno stare con il proprio tempo, quindi arriveremo prima e non invecchieremo mentre chi 

non sta al passo sarà sepolto dalla polvere, che piaccia o non piaccia. 

Grazie della vostra contemporanea verve e del lavoro in to the groove! 

Adriana 

4. Fernanda Moneta scrive: 


Da quest’anno il prestigioso Premio Pulitzer accetterà partecipanti che pubblicano in rete. Perché, 

é verità autoevidente, la messa in forma delle idee in chiave letteraria non ha nulla a che fare col supporto 

utilizzato. In Italia invece c’é chi gerarchizza: come se una cretinata, però stampata su cartaceo, valese di 

più di un grande pezzo giornalistico pubblicato su un blog. Ma stiamo scherzando?! Idem per quello che 

riguarda il cinema. Signori, vi svelo un segreto: i film in Usa e da un po’ che si fanno in digitale. O credevate 

che i mostriciattoli di Henry Potter fossero disegnati a mano sulla pellicola? Digitale: e allora?! Il supporto é 

solo un supporto: la fetta biscottata senza nutella. Non é logico usare il suporto aprioristicamente per 

gerarchizzare la cultura che porta. Le stronzate sono stronzate: anche se scritte da amanuensi su carta 

pergamena medioevale. Chi ancora sta a badare alla carta, alla pellicola o al vinile contro il digitale, sta 

solo cercando di preservare certi suoi privilegi di casta, castuccia, castà. Personalmente non capisco che 

ha di così buono un oggetto (un giornale) che per essere letto necesita di tanto sforzo: uscire da casa 

vestiti e truccati, trovare parcheggio, cercare il numero (e se é già esaurito son fatti tuoi), prenotarlo, avere 

a che fare con molti tra gli edicolanti che vivono vendendo gratta e vinci e figurine, altro che riviste, e che ti 

guardano come un demente se gli chiedi una testata che non conoscono. Da casa, col mio caffé caldo, in 

pigiamino, mi leggo quello che voglio, quando mi va. 

5. g.marongiu scrive: 


.. e inoltre (grazie Fernanda – talvolta bisogna proprio dire le cose come stanno perché il senso 

dell’udito si risvegli dal brusio indistinto) e qui stà il sottile e perverso imbuto…la stampa costa: in termini di 

risorse umane economiche e ambientali soprattutto ( il che fà drizzare i capelli). In altri termini se hai un 

capitale sostanzioso per promuovere e veicolare i tuoi …pensieri parole opere opinioni… anche se 

discutibili, idioti, insensati lo puoi fare! in rete vige altro tipo di democrazia….per fortuna. non credo quindi 

che la resistenza alla rete come veicolo informativo sia dovuto alla pigrizia o alla miopia…forse (a me 

sembra) molto più alla vera e sana paura! le menti che animano i dibattitti e il controllo delle stupidate che 

si dicono, in rete sono molto lucide, presenti, e attente e noi di art a part of cult(ure) ne abbiamo la riprova 

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costantemente. Grazie Raffaella per questa nuova puntualizzazione e grazie a tutti per il confronto che ci 

aiutate ad alimentare. 

6. Terry scrive: 


vero come é vero che l’Italia é un paese indietro su tutto e che si fa superare da realtà 

internazionali senza storia e con poco passato… Chi ha la memoria corta, debole o intontita, e non investe 

nel futuro, non prevede, non pratica le tecnologie, non innova, resta al palo inesorabilmente e la strada 

persa non si può più recuperare: la crisi (economica, politica, morale, culturale) ci mangerà vivi! 



ps: bravi voi di art a part of culture che ogni tanto, tra arte e teatro, beni culturali e architettura, 

inchieste e comunicati stampa, piazzate questi articoli di gran lucidità e lungimiranza! Sarete mica bionici? 

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BIENNALE DI VENEZIA | PADIGLIONE ITALIA: 

INDISCREZIONI, DUBBI E QUALCHE POLEMICA | DI 

BARBARA MARTUSCIELLO 


di Barbara Martusciello 

inserito in approfondimenti, art fair biennali e festival, beni culturali 

13.549 lettori 

Prime indiscrezioni sul Padiglione 

Italia della Biennale di Venezia 

che, com’è noto, è stato affidato dal 

Ministro per i Beni e le Attività 

Culturali Sandro Bondi in persona 

a due Beatrice: Luca Beatrice e 

Beatrice Buscaroli, appunto. 

Come abbiamo a suo tempo 

ricordato in questo webmagazine, la Buscaroli faceva capo al Sistema 

museale dei Musei e Attività Espositive del Comune di Bologna; Luca 

Beatrice è critico e docente di Nuove tendenze dell’arte all’Accademia di 

Brera, nonchè, dal 2005, collaboratore del Comune di Perugia per le 

attività espositive e in generale per la progettazione di manifestazioni 

connesse alla cultura e all’arte contemporanea. 

Certamente, le scelte dei due paladini dell’arte italica, se apriranno quella 

visione chiusa su una selezione e decisioni (di potere) legate alla 

compatta e inquadrata rete fatta di solite gallerie soliti artisti, critici etc., 

sandrettorebaudenghiane, anglosassonicentriche, speriamo non portino 

l’Italia troppo lontana da una prospettiva innovativa, intensa, di ricerca: 

insomma, realmente contemporanea. Va anche detto che è inevitabile 

non piacere e far contenti tutti, scontentare una parte se l’altra è 

soddisfatta, cosa che puntualmente avviene quando si fanno selezioni e 

scelte di campo; ognuno se ne assume, evidentemente, oneri e onori… 

Comunque, era piuttosto prevedibile che i due curatori avrebbero 

individuato nella figurazione -ma una particolare figurazione- la bandiera 

con la quale rappresentare l’arte italiana: era da sempre nelle loro corde, 

in quelle di Luca Beatrice, soprattutto; così, i primi nomi degli artisti 

papabili per questa nuova edizione veneziana, se portano avanti 

linguaggi eterogenei, in massima parte, appunto, si palesano attraverso 

una certa figurazione per quanto differente per ognuno. Speriamo 

davvero in una scelta definita e lontana da (altre) seppur nuove strategie 

che sostituiscano quelle tanto odiate e criticate; e confidiamo, non troppo 

ottimisti, in una panoramica non passatista ma all’avanguardia o, 

quantomeno, coraggiosa e di qualità. Lontano da sospetti mercantili, di 

quelli spudorati e biechi da italietta cialtrona. Va ricordato che la Biennale 

non accoglie una mostra -questa- per la quale il curatore, alla fine, e tutto 

sommato, paga con la sua faccia: no. Si tratta, invece, di palesare l’arte 

italiana e di presentarla al resto del mondo: se permettete, qui non entra 

in gioco la credibilità di una categoria enorme di professionisti, la cultura 

di un Paese, l’eccellenza di un Made-in-Italy appannato che rischia di 

collassare, definitivamente… 

Chissà se i probabili nomi degli invitati sentono tale responsabilità… 

Vedremo se saranno tutti confermati o no. Qui indichiamo come molto 

probabili Chia, Daniele Galliano, Pignatelli, Demetz, Basilè, Manfredi 

Beninati, Lodola, Bertozzi e Casoni, Berruti, Bolla, Montesano, 

Verlato, Velasco, non certi Tirelli, Savini, Petrus, Bazan e Marco 

Cingolani… O quest’ultimo, invece, sì… 

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Ipotizziamo anche un nome più volte preannunciato, quello di Pietro 

Cascella, come protagonista di un Omaggio. Lo scultore, scomparso nel 

maggio 2008, appartenente alla grande famiglia d’arte, omonima e non 

(vi fa parte lo stesso Matteo Basilè probabilmente invitato, come 

premesso, alla stessa kermesse), è un veterano, comunque la si pensi. E’ 

anche stato un caro amico del Ministro Bondi che fu presentato proprio 

dall’artista a Silvio Berlusconi con gli sviluppi che conosciamo. Cascella 

era di casa nell’area PdL o meglio, da Berlusconi dato che, tra l’altro, 

lavorò anche ad Arcore realizzando una Volta Celeste e il Mausoleo di 

Villa San Martino,ebbene sì: quello… Forse non sarebbe così equo e 

trasparente un invito per Cascella proprio ora, legando definitivamente il 

suo nome a decisioni che si rivelerebbero molto politica e troppo poco 

culturali e libere, di fatto appannando una personalità grande come quella 

dello scultore. Imbarazzante, poi, affiancare tutto ciò ad un altro Cascella, 

il citato Basilè, che si ritroverebbe in una Biennale in odor di nepotismo e 

giochetti di potere oltre misura. 

Mentre qui scriviamo, indiscrezioni indicano che un cambio di registro si 

sta aprendo verso una qualche forma di omaggio futurista, anche per 

affiancarsi a colossali e sacrosante celebrazioni per il Centenario. 

Vedremo… 

In attesa di integrazioni e smentite, abbiamo detto la nostra, ora dite la 

vostra. 

« Commenti precedenti 

1. 

rosa scrive: 

3 marzo 2009 alle 01:49 

AMEN! 

2. Francesca Sassu scrive: 

9 marzo 2009 alle 16:57 

Trovo assurdo che i curatori della Biennale di Venezia siano decisi da un ministro. Fuori la politica 

dall’arte. 

3. rosa scrive: 

9 marzo 2009 alle 23:24 

fuori la politica, certo!, ma fuori anche i mercanti (dal tempio)..e poi chi ci rimane?Gli artisti? ma 

dove sono? ah ah ah..erano momentaneamente assenti: stavano facendo P.R… 

4. Francesca Sassu scrive: 

11 marzo 2009 alle 15:53 

commento assolutamente appropriato e intrigante…. 

continuo comunque a preferire un mercante ad un politico…attenzione: se di mercante preparato si tratta… 

le istituzioni sono troppo lente, arrivano sempre dopo….cercano la conservazione, lo storico, il certo…non 

saranno mai precursori del nuovo…almeno non in Italia.. 

tra i mercanti invece,c’é chi ne é capace.. 

però rifletto sulla tua annotazione, cara rosa! 

5. 

luigi scrive: 

12 marzo 2009 alle 17:13 

“Trovo assurdo che i curatori della Biennale di Venezia siano decisi da un ministro” 

Ma questo é il regolamento della Biennale! Quando erano i direttori dei musei a decidere i curatori, allora 

non si rispettava il regolamento! C’é gente che fa finta di non capire… 

6. francesca scrive: 

16 marzo 2009 alle 11:31 

ma infatti é il regolamento che trovo assurdo. non il fatto che lo si rispetti. 

Cosa intendi, luigi, quando dici che “c’é gente che fa finta di non capire?” 

7. Igor Waiss scrive: 

16 marzo 2009 alle 15:55 

Versetto 42,INCAZZATA. 

Possibile che: 

Luigi, Daw, Rosa,Lari,Francesca……………..Tutti o QUASI molto polemici, 

il venditore di biciclette,Colombo,finanzia……. 

Beatrice,collabora. 

Perché tanta acredine,tutti contro tutti. 

Ho visto Due artisti italiani,-Siviglia, BIACS3-ottobre/novembre 2008 

il primo alla collateral de Arte-”FANTASTICO”,mi sfugge però il nome, 

ricordo la POTENZA del Colore,la FORZA della composizione, 

VOI,visitate l’estero,o basta polemizzare solo e sempre: BIENNALE SI’ BIENNALE NO. 

8. 

Francesca Sassu scrive: 

17 marzo 2009 alle 16:55 

ciao igor, mi ritrovo all’interno di un dibattito che non credo mi appartenga visto che lavoro da 4 

7 


anni in questo settore ma sono arrivata solo ora ad una conoscenza minima da poter avere una visione 

critica…dunqueforse non ho così tanti elementi, ma devo dire che non mi ritrovo nella tua frase “visitate 

l’estero basta polemizzare solo e sempre….”. L’estero l’ho visitato e lo visito (per quanto posso)….e penso 

che lo facciano anche tutti coloro che hanno scritto su questo forum…non credo abbiano bisogno di un 

consiglio del genere… 

ho studiato a madrid e al mart di rovereto, ora vivo in Sardegna, ho deciso di tornare a casa mia. 

vedo però che i nostri spazi culturali sono sempre più gestiti dalla politica e ti assicuro che questo sta 

creando grossi danni alla città. tanto con la sinistra di soru, apparentemente molto favorevole alla cultura 

nella sostanza favorevole al suo controllo…..ma anche con la destra del comunedi cagliari, che non 

favorisce minimamente la produzione contemporanea… 

gran parte dei centri culturali cittadini non hanno una figura didirettore. le attività culturali vengono 

pianificate dall’assessorato stesso, con poca autonomia del centro e poca indipendenza dalla politica. 

sono contenta cmq di essere messa in discussione in questo forum si trovano diversi stimoli! giuro che non 

ho la minima acredine nei confronti di nessuno! 

io cmq non son artista, ho studiato art and culture management e mi occupo di consulenze in questo 

settore… 

9. Raffela Neri scrive: 

20 marzo 2009 alle 23:56 

Quali sono i REALI canali da percorrere per essere invitati alla Biennale? Quale il curriculum? 

Come mai ci sono artisti che si fanno più presenze celebrate ed altri, bravi allo stesso modo, non ci sono 

mai? Quali sono le VERE regole? Quali i meccanismi? 

10. Ciro scrive: 

20 marzo 2009 alle 23:58 

Le decisioni sugli inviti alle Biennali sono prese già quando é eletto il direttore della Biennale o no? 

Allora inutile fare previsioni, già é chiaro come andrà, giusto? 

11. edurado scrive: 

24 marzo 2009 alle 13:09 

La biennale 2009? Lasciamo perdere!andrò direttamente a vedere la mostra a “Punta della 

Dogna”,si preannuncia interessante. 

12. 

Anonimo gaio scrive: 

24 marzo 2009 alle 23:50 

e che ne pensate di ITALICIS a due passi, (ri)inaugurata da hoc a poca distanza lì?!!! 

13. makidaki scrive: 

10 aprile 2009 alle 00:14 

Cari B&B, la Vostra selezione rispecchia in tutto e per tutto la linearità e la coerenza del Vostro 

lavoro…insomma artisti che comunicano attraverso una ricerca pressoché nulla e sterile, una serie di 

epigoni maldestri o se vogliamo ladruncoli da strapazzo, in taluni casi, delle esperienze di Artisti 

giustamente consacrati. Se per questa edizione della Biennale di Venezia non avevate nulla da aggiungere 

al panorama artistico italiano potevate declinare l’offerta, ma si sa i treni passano una sola volta e quindi 

che fare? Si sale, il biglietto é pagato e si ha il tempo di rispolverare vecchi libri come “Nuova scena”, ma 

sono passati troppi anni e la scena é…inutile dirlo. 

Arte comprensibile, la tristezza che non c’é nulla da capire, nessuno dice niente! 

Peccato, al vernissage gli artisti Vi sorrideranno insieme ai loro galleristi, qualche collezionista graziato 

dalle Vostre scelte Vi stringerà cordialmente la mano sollevato dal potersi liberare delle croste a un prezzo 

rilanciato…tutti gli altri tratterranno le risa. 

complimenti e congratulazioni, ci vedremo all’inaugurazione. 

che ridere 

14. luigi scrive: 

14 aprile 2009 alle 22:43 

magari qualcuno preferiva i soliti noti del salotto sandrettiano. Basta, non se ne può più, 

smettiamola con quella cricca raccomandata senza capo ne coda. Lo stato non ha più soldi da sprecare in 

simili nefandezze! 

A lavorare! 

15. luigi scrive: 

16 aprile 2009 alle 16:37 

L’arte sandrettorebaudenghiane, anglosassonicentriche é per me un truffa, una burla dello stesso 

tenore dei subprime americani. Adesso vedremo cosa faranno a Faenza. Quando penso al codazzo di tutti 

quelli idioti che ci credono e che ci sperano mi viene in mente i risparmiatori truffati dalla finanza mondiale. 

16. 

17. 

Igor Waiss scrive: 

27 aprile 2009 alle 14:09 

makidaki,condivido! 

EPIGONACCI. 

luigi, 

Hai ragione! 

A lavorare! 

Troppi raccomandati, 

troppa gente INCAPACE DI PRODURRE UN’OPERA. 

Raffela Neri: REALI CANALI. 

Mi meraviglio, 

mai sentito parlare di politica,conoscenze,famiglie,intrallazzi…… 

poi magari sé Sei carina,CONTA. 

FRANCESCA SASSU, 

Hai ragione, mi sono lasciato prendere, 

inoltre, la Sardegna (per taluni) vive una cultura più vicina ai locali alla moda sulla costa. 

Fare cultura é FATICOSO,DISPENDIOSO e RISCHIOSO,quando ci metti del Tuo. 

AUGURI. 

A proposito, l’Artista italiano alla collateral de la BIACS3 de SIVILLA si chiama PLICATO, 

CRISTIANO PLICATO. Non é presente alla Biennale! 

Glauco scrive: 

8 


18. 

27 maggio 2009 alle 12:35 

“QUALCHE” polemica???? E’ un eufemismo! 

Luana scrive: 

9 giugno 2009 alle 00:50 

Che mostruosità, questo Padiglione! 

19. Clio Venin scrive: 


Mischiare il grande Futurismo con questo passatismo, Marinetti e tale imbarazzante proposta sta 

facendo rivoltar nella tomba, e in fila, tutti i nostri cari ragazzacci, compreso D’Annunzio, il che é tutto dire! 

20. Claudio scrive: 


Brava Martusciello, l’abbiamo vista girare come una trottola compresa nel suo meritato ruolo, tra 

Padiglioni e calli veneziane, sentendola esclamare di confermare ed anzi rilanciare, se possibile, questo 

suo bel pezzo, di molto precedente… Come darle torto?! 

21. Angelo C scrive: 


Questi NON SONO curatori di destra e per questo motivo criticati (presumendo un potere in mano 

alle sinistre snob); questi sono professionisti che hanno trascinato la destra e l’arte italiana nel ridicolo. 

Nulla di personale con i sig.ri B&B ma davvero é quello che penso e che TUTTI al padiglione 

bofinchiavano, e vi assicuro che NON ERANO tutti di sinistra! 

22. daw scrive: 

10 giugno 2009 alle 23:02 

aspettiamo al varco il sig. luigi, che magari ha capito la differenza fra pinault e bondi… 

ma sissi ha mai sentito parlare della abramovic? e nido quando smetterà di scimmiottare? e lodola 

comincerà a piazzare lampade all’ikea? e costa tappezzerà le hall di alberghi e navi da crociera? e verlato, 

no dico, verlato! 

23. Sandro Sas‚àö‚Ä† Mardox scrive: 

11 giugno 2009 alle 00:43 

Ma che superblog!!!! E leggo con piacere che, anche qui, avete la palla di vetro!!! 

Comunque, la Biennale é interessante, criticabile ma di qualità; non altrettanto si può dire del Padiglione 

incriminato… IO AMO LA FIGURAZIONE, ma quando é robetta é robetta! 

24. 

Alex scrive: 

11 giugno 2009 alle 00:44 

‘a Luca…!!!! 

25. C&C scrive: 

11 giugno 2009 alle 00:47 

Mancava la Piadina romagnola e ci sarebbero stati tutti gli ingredienti per la festa o la sagra 

dell’italietta. Ci spiace per qualche amico invischiato in un giochetto che stritola tutti: curatori, professionisti 

di settore, artisti, italiani. 

26. Luigi scrive: 

16 giugno 2009 alle 22:02 

Il padiglione Italia? l’unica cosa guardabile in tutta la biennale. Il resto é un mucchio d’immondizia 

stravisto, le stesse stupidate di 50 anni fa! Sembrava la famosa scena del film:”Le vacanze intelligenti” con 

Sordi… 

27. 

cosmos scrive: 

18 giugno 2009 alle 21:28 

Padiglione ITALIA o ITALIANO? C’é confusione, ragazzi… 

28. daw scrive: 

18 giugno 2009 alle 22:41 

“Le vacanze intelligenti”? ma infatti noi italiani ci meritiamo quel tipo di qualunquismo, quella 

becera esaltazione dell’ignoranza e della volgarità (‘annamo a magnà, va) . Proprio il 1978 poi, chissà 

come mai? Forse che il disimpegno e l’alleggerimento facevano parte dei piani reazionari di qualcuno? 

Pochi anni dopo arrivò finalmente la svolta: come dice Beatrice l’Italia vinse i campionati di calcio a 

dimostrazione del ruolo culturalmente egemone nel mondo… 

29. museoarte.desio@hotmail.com scrive: 

30 giugno 2009 alle 15:14 

Per cortesia chiedo a Francesca Sassu di contattarmi 

museoarte.desio@hotmail.com 

magari collaboriamo 

c 

30. beba scrive: 

2 luglio 2009 alle 10:35 

Al di là del salvataggio di singoli artisti -e ognuno avrà i suoi preferiti- il padiglione è -condivido con 

la Martusciello, brava davvero- una visione collettiva e come tale non funziona. E’ sciatta, confusa, 

business e intrallazzi evidenti sotto la crosta… Non prendiamoci in giro negando l’evidenza e quanto 

ovunque si diceva in Biennale! 

I motivi si sanno, e stanno nell’impreparazione dei curatori o nella loro incapacità a sganciarsi dal dio 

denaro e dalle amicizie galleristiche, facendo interessi propri e non certo collettivi. Il padiglione nazionale è 

tale perchè ha l’obbligo di dare dell’Italia una panoramica credibile che tutti gli altri Paesi non solo non ci 

hanno riconosciuto ma che hanno registrato per quel che è: politica e potere allo stato brado, ma piccino 

piccino, da Repubblica delle Banane, che l’Italia di fatto è diventata da parecchio tempo… 

31. 

32. 

crash jr scrive: 

15 agosto 2009 alle 02:54 

Uno dei pezzi migliori leti sull’argomento anche grazie a un blog vivace e intelligente!!! 

Sandro Sas Mardox scrive: 

15 agosto 2009 alle 02:57 

Bendetto, DAW! 

9 


33. wow scrive: 

6 settembre 2009 alle 10:08 

Siete stati prevedibili e stufosi, nei vostri commenti negativi al padiglione Italia. 

Sono convinta che i curatori li conoscessero già prima di prendere l’incarico. 

Credo che abbiano fatto un buon lavoro. 

Scegliere non è facile, il gusto personale e gli interessi, incidono sempre (ed è sempre stato così anche 

nelle scorse edizioni) non vedo perchè stupirsene o gridare all’italietta, quando le cose portate dagli altri 

paesi erano di una sconvolgente banalità e scarsa qualità artistica, infatti, non ho sentito nessun esempio 

di padiglione migliore ma solo critiche incondizionate al nostro. 

Almeno aveva un identità Italiana e non era lo scimiottamento dell’arte d’oltre oceano. 

34. Joseph Conti scrive: 

5 novembre 2009 alle 10:14 

Vorrei sapere se dell’edizione 2009 è stata realizzata una visita virtuale come per l’edizione 2007 

(http://www.treccanilab.com/biennale_di_venezia/) e se sì, dove si trova. 

Grazie 

35. 

Francesco Bonazzi scrive: 


Salve Barbara, 

Dopo i “Collaudi” di B&B Beatrice-Buscaroli, Sandro Bondi si inchina all’orgoglio curatoriale di Vittorio 

Sgarbi. Ovvero: come cadere dalla padella nella brace… Ti segnalo questo articolo che ho pubblicato su: 

Manifesta 7 Days: 

“BBBiennale di Venezia 2011 e Maxxi a Sgarbi: l’arte ab Bondi” 

BBBiennale delle Meraviglie – Padiglione Italia. … La 54. Esposizione Internazionale d’Arte aprirà il 7 

giugno 2011. ….MAXXI in ballo. Maxi lievitazione: da 57 a 150milioni di euro… La lista ufficiosa degli artisti 

invitati è la simile a quella delle opere che il curatore Vittorio Sgarbi sta selezionando per il Maxxi. Piero 

Guccione, Michele Cascella, Roberto Coda Zabetta, Alberto Sughi, Vittorio Tavernari, Piero Slongo, 

Gustavo Mancinelli, Mimmo Centonze, Fausto Pirandello, Aligi Sassu, Gustavo Mancinelli, Aroldo 

Bonzagni… SEGUE… 

http://manifesta7.blogspot.com/2010/01/bbbiennale-di-venezia-2011-e-maxxi.html 

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10 


ROMA E I MUSEI COMUNALI NELLE FESTE NATALIZIE: 

AFFLUSSI GENEROSI | DI PAOLO DI PASQUALE 


di Paolo Di Pasquale 

inserito in approfondimenti, beni culturali 

506 lettori 

MUSEI IN FESTA: i dati di 

afflusso del pubblico nel periodo 

delle festività natalizie premiano 

l’impegno; i Musei civici aperti 

dal 26 dicembre 2008 al 6 

gennaio 2009 hanno, infatti, 

registrato un incremento di 

visitatori rispetto allo scorso 

anno. 

In generale, va sottolineato, la stessa Capitale non ha perso troppi turisti 

e visitatori nonostante quanto si supponeva a causa della crisi 

economica; Roma, infatti, ha tenuto rispetto alle “perdite” di altre realtà 

italiane e città d’arte. 

Bene. Ora ovviamente si sovrappongono le voci di chi si prende i meriti o 

ne dà ai diversi responsabili istituzionali e politici di turno… Ah, partiti e 

potere, questi strani (s)conosciuti! 

Sia come sia, la vittoria è di Roma e speriamo che qualcosa vada, in 

cambio, ai suoi cittadini… 

Veniamo ai dati, introdotti dal comunicato piuttosto vivace 

nell’entusiasmo: “la manifestazione MUSEI IN FESTA, promossa 

dall’Assessorato alle Politiche Culturali e realizzata da Zetema, che nel 

periodo natalizio ha proposto eccezionalmente attività di animazione ed 

eventi di spettacolo dal vivo nei Musei Civici della capitale, si è conclusa 

in maniera estremamente positiva, con un forte incremento della 

presenza di pubblico nelle strutture museali coinvolte: MUSEI 

CAPITOLINI, CENTRALE MONTEMARTINI, MERCATI DI TRAIANO, 

MUSEO DELL’ARA PACIS, MUSEO DELLE MURA, MUSEO DI ROMA 

PALAZZO BRASCHI, MUSEO NAPOLEONICO, MUSEO CARLO 

BILOTTI, MUSEO PIETRO CANONICA, MUSEO DI ROMA IN 

TRASTEVERE, MUSEI DI VILLA TORLONIA, PLANETARIO E MUSEO 

ASTRONOMICO, MACRO, MACRO FUTURE, MUSEO CIVICO DI 

ZOOLOGIA, VILLA DI MASSENZIO“. 

Dunque, dal 26 dicembre 2008 al 6 gennaio 2009 i Musei Civici hanno 

registrato una presenza complessiva di oltre 60.000 persone contro le 

48.000 dello stesso periodo dello scorso anno. Un incremento di 

oltre il 20% dovuto anche ad un ampliamento dell’attività ordinaria -come 

le aperture straordinarie di lunedì 29 dicembre e lunedì 5 gennaio- ma, 

soprattutto, agli eventi di danza, teatro, musica e arte programmati 

nell’ambito dell’iniziativa Musei in Festa, che ha anche il merito di aver 

portato negli spazi museali della capitale spettacoli di alto livello (per 

esempio:presso i Musei Capitolini, il concerto SACRARMONIA di 

Antonella Ruggiero e la dance opera ODYSSEUS di Renato 

Greco;presso il Macro Future, invece,la rassegna tra musica, arte ed 

enogastronomia GUSTOVAGANDO…). 

Solo i MUSEI CAPITOLINI hanno ospitato oltre 19.000 visitatori nel 

periodo di riferimento, mentre il PLANETARIO E MUSEO 

ASTRONOMICO ha registrato intorno ai 3000 visitatori, con un 

incremento di circa 900 persone rispetto allo stesso periodo dello scorso 

11 


anno. 

Un vero boom di presenze è stato raggiunto dalla mostra dedicata al 

grandissimoBRUNO MUNARI al MUSEO DELL’ARA PACIS, che 

dall’apertura del 9 ottobre 2008 fino allo scorso 6 gennaio ha visto la 

partecipazione di ben 61.700 visitatori, di cui oltre 14.700 solo nel periodo 

dal 26 dicembre al 6 gennaio grazie anche all’evento serale I COLORI 

DELL’ARA PACIS svoltosi nell’ambito di Musei in Festa. 

Umberto Croppi, Assessore alle Politiche Culturali e della 

Comunicazione del Comune di Roma, a tal proposito ci dice che:”Il 

grande successo di pubblico e l’incremento di presenze nei musei civici 

rispetto allo scorso anno attesta l’importanza delle iniziative speciali 

promosse dal Comune di Roma come impulso per cittadini e turisti ad 

avvicinarsi maggiormente agli spazi museali e a viverli pienamente, non 

solo per l’ordinaria attività espositiva ma anche come luoghi di 

intrattenimento culturale e spettacolo, sia durante il giorno che 

straordinariamente in orario serale”. 

E’ soddisfatto anche Francesco Marcolini, Presidente di Zètema 

Progetto Cultura, dichiara: che “in un momento di crisi generale del 

turismo, il successo dell’iniziativa testimonia la validità dell’animazione 

culturale nel sistema mussale romano durante il periodo natalizio. Viene 

anche confermata la validità del reperimento dei progetti tramite bando 

pubblico. Dato l’ampio consenso di spettatori e l’alto livello degli eventi 

realizzati, riteniamo di proporre un apposito bando pubblico anche per la 

selezione delle attività di animazione culturale nei musei civici per il 

periodo estivo” 

Ci preme ricordare che, come ci sottolineano i responsabili, “MUSEI IN 

FESTA, è stata realizzata dal Comune di Roma, Assessorato alle 

Politiche Culturali e della Comunicazione, Sovraintendenza ai Beni 

Culturali, e Dipartimento IV, insieme alla Camera di Commercio di Roma, 

con il contributo delle Banche tesoriere del Comune di Roma (BNL 

Gruppo BNP Paribas, Unicredit Banca di Roma e Monte dei Paschi di 

Siena) e di Acea”. 

Ufficio Stampa Zètema Progetto Cultura: Patrizia Morici +39 

06.82077371, +39 348.5486548 p.morici@zetema.it; Fabiana Magrì +39 

06.82077386, +39 340.4206813 f.magri@zetema.it 

1. 

2. 

Clara scrive: 


apperò, ROMA CAPUT MUNDI! 

studenti IED scrive: 


Ciao prof., sempre fichissimo, e belli i tuoi articoli! 

3. studenti IED2 scrive: 


Professore, che sorpresa! Mica lo sapevamo che scrivevi pure di questo oltre a occuparti di noi e 

di architettura, design e di lightdesign! Ci vediamo allo IED 

4. lory e le studentesse IED scrive: 


Prof., sappi ke x noi 6 perfetto e fantastico oltre che bravissimo e coinvolgente, mannaggia ke 6 + 

+ + serio e okkupato, mannaggia e ancora mannaggia! Ci vediamo allo IED per verifiche: sii buono con noi! 

Belli i tuoi articoli, specie qlli + kattivi… :-) 

Alcune tue allieve. 

12 


GUMDESIGN | INTERVISTA DI SAUL MARCADENT 


di s.marcadent 

inserito in approfondimenti, architettura design grafica 

656 lettori 

Gumdesign è come un puzzle. 

Esperienze, collaborazioni, progetti 

e oggetti sono tasselli che 

s’incastrano fra loro in maniera 

perfetta. Laura Fiaschi e Gabriele 

Pardi, fondatori nel 1999 dello 

studio di architettura, 

comunicazione, grafica e design di 

Viareggio, hanno le idee ben chiare in testa: “Si dice che una goccia 

d’acqua fa l’oceano. Piccoli segni individuali possono, tutti insieme, 

cambiare qualcosa“. I segni lasciati da Laura e Gabriele sono oggetti 

semplici e funzionali, in armonia con l’intorno e la natura: cerotti colorati 

per curare le ferite dei vecchi mobili, poltrone che hanno per seduta il 

prato e lampade contenute in scatole di cartone. Di questi progetti e di 

molto altro ancora mi raccontano nell’intervista che segue. 

A breve il decimo compleanno. Com’è nato e come si è evoluto nel 

tempo gumdesign? 

Gumdesign nasce dal nostro incontro e dalla nostra “fusione”. Passione e 

complicità sono alla base di tutto ciò che facciamo e raccontare 

gumdesign significa raccontare la nostra vita, seguirne i cambiamenti e le 

crescite. Attualmente ci affiancano collaboratori esterni e continuativi per 

alcuni settori del nostro lavoro – architettura, ingegneria e fotografia – 

mentre per tutto ciò che riguarda il mondo del design ospitiamo 

periodicamente giovani laureati o in corso di laurea che possono così 

avvicinarsi a questo mondo in maniera diretta, scontrandosi con le 

problematiche inerenti la produzione e “assorbendo” il nostro modo di 

intendere il design: un sistema che genera energia, che trasmette 

contenuti e concetti, nuove amicizie e pensieri. 

Utopia e funzionalità mi 

sembrano parole chiave per 

comprendere il vostro lavoro. 

Come riuscite a coniugare questi 

due aspetti? 

Il nostro lavoro è una commistione 

di ingredienti alchemici che si 

mescolano spontaneamente e 

generano oggetti spesso ironici e sperimentali, ma che trovano spesso 

applicazione nel mondo dell’industria. Siamo però attratti anche dalle 

tirature limitate, che permettono di affrontare il progetto con maggior 

libertà creativa e meno vincoli produttivi. 

Queste caratteristiche sono un nostro patrimonio formativo, generato da 

diverse esperienze personali, avvenute ancor prima che ci incontrassimo. 

Dopo l’incontro però, è nato un unico modo di pensare e affrontare il 

design. Una sintonia particolare ha permesso la “fusione” in maniera 

spontanea e naturale. 

C’è un progetto o un oggetto al 

quale siete particolarmente 

13 


legati? 

Crediamo sia importante e 

necessario essere innamorati di 

questa professione, faticosa e ricca 

di imprevisti ma allo stesso tempo 

stimolante e viva. Proprio per 

questo motivo risulta difficile per noi individuare un oggetto particolare. 

Ogni oggetto nasce e cresce in un momento ben definito, richiede uno 

sforzo creativo e “fisico”, occorre che sia ‚Äö”sentito” e che al tempo 

stesso risponda alle esigenze di un brief delineato accuratamente. 

L’attenzione da voi rivolta all’impatto ambientale, al risparmio 

energetico e in generale alla natura e alla terra è forte. Com’è 

maturato questo interesse? In quali vostri progetti quest’attenzione 

ha ricoperto un ruolo peculiare? 

L’attenzione all’ambiente fa parte di una logica, più generale, di rispetto 

verso tutto ciò che ci circonda. “Una goccia d’acqua fa l’oceano ” si dice, 

piccoli segni individuali possono, tutti insieme, cambiare qualcosa. 

Occorre che ognuno di noi s’impegni in questa direzione per poter 

lasciare un mondo migliore. Fra i nostri oggetti, alcuni in particolare 

hanno solcato una strada ecosostenibile nei materiali e nelle tecnologie: 

le lampade Sweet Home, Lucciola, Bubble per la loro “costituzione”. Altri 

oggetti invece contengono in sé un messaggio positivo ed ecologico, 

come il cerotto per mobili Ai:D, il raccogli briciole Briciolì o la ‚Äö”serra per 

interni” Microcosmo. Si tratta spesso di modi diretti o trasversali per 

comunicare la necessità di essere sensibili ai temi ambientali e sociali, 

estesi ad ogni forma di vita. 

Da Kalikid, tunica per bambini 

con sei maniche differenti, fino a 

Corripapà, sella in pelle vegetale 

per i più piccoli, diversi vostri 

progetti si rivolgono all’infanzia. 

Chi sono i bambini per 

gumdesign? 

I bambini sono la proiezione di tutti 

noi, sono allegria, gioia e speranza. Portiamo dentro di noi un po’ di 

fanciullezza, ingenuità e gioco, alla ricerca del nostro miglior progetto. 

Quanto è importante per gumdesign comunicare un messaggio? 

‚àöà importante seguire delle regole semplici e dirette, osare, chiedere e 

comunicare con forza la propria passione. Perchè il design è prima di 

tutto passione, non potrebbe essere altrimenti. Ti impegna a fondo, 

occupa gran parte del tuo tempo, spreme ogni energia ma infine è 

capace di esaudire ogni desiderio, ogni idea. 

1. Cerotti AI:D | design gumdesign | azienda Opos 

2. Sweethome | design gumdesign | azienda Scatolificio RG 

3. Rose | Bracciale dalla forma scatolata per contenere il potpourri | design gumedesign | azienda 

Maurizio Colombo 

1. 

2. 

4. Gumdesign 

M. De C. scrive: 


Bellissimo articolo; grazie davvero per la scelta. 

gumdesign scrive: 


grazie m de c … alla prossima! gabrielaura 

14 


FUOCO CAMMINA CON ME ALL’AUDITORIUM: MADE IN 

ABO | DI BARBARA MARTUSCIELLO 



inserito in approfondimenti, news 

543 lettori 

La mostra in corso all’Auditorium 

Parco della Musica di Roma è 

davvero una strana e bella mostra. 

E’ un progetto che funziona ed è 

visivamente potente, anche grazie 

al tema che la anima e la sostanzia. 

Si tratta, infatti, di un argomento 

accattivante e, direi, decisamente 

originario come quello del “FUOCO”. 

Poiché sarà smontata a breve, ricordiamo che c’è tempo sino all’11 

gennaio 2008 per verificare quanto qui tratteggio. 

Il rapporto dell’Arte con il Fuoco è molto fisico e reale: l’elemento, per 

esempio,è servito e serve, tra l’altro, a chi si avvale di fusioni e simili 

trattamenti della materia per realizzare le sculture e a chi lo adotta per 

modificare e plasmare gli elementi necessari alla creazione. 

Ma è quella ideale, la relazione che 

emergere in questa esposizione sui 

generis, anche se il curatore 

-l’onnipresente Achille Bonito 

Oliva- si riferisce ad un fuoco vero 

e distruttore, quello che nel 1992 si 

sviluppò da una falegnameria nel 

quartiere San Lorenzo a Roma e 

si estese in alcuni studi e 

capannoni vicini (distruggendo, per 

esempio, anche alcuni grandi lavori 

di Gianfranco Notargiacomo) sino 

al deposito della collezione Jacorossi, avvolgendo circa sessanta 

opere di maestri dell’arte italiana contemporanea. 

Una vera tragedia culturale, eppure, quando Mario Schifano andò a 

vedere cosa era rimasto delle sue opere esclamò: “Non le toccate, sono 

più belle di prima!”. 

Da questo input la mostra I fuochi dell’arte e le sue reliquie parte per 

offrire al pubblico le ventiquattro opere più grandi avvolte dalle fiamme, 

quelledi Gino de Dominicis, Enzo Cucchi, Giulio Aristide Sartorio e 

dello stesso Schifano. Il forte calore ha bruciato alcune tele, ne ha 

annerito la superficie, ne ha strappate altre, ha modificato i colori ma ha 

anche donando alle opere qualcosa di imprevisto “rendendole aliene ai 

loro stessi autori, ma, come ha detto Schifano, ancora più belle”. Le 

fiamme vere e il concetto di Fuoco dell’Arte si corteggiano, si 

sovrappongono creando slittamenti semantici interessantissimi e 

inizialmente impensabili che Bonito Oliva ha cercato di addomesticare 

proponendo al pubblico e dando modo di vedere qualcosa di davvero 

curioso e originale, mai mostrato prima. 

Ci dicono gli organizzatori della 

mostra che su quelle opere “il 

restauro è stato minimo:semplice 

pulitura, in alcuni casi foderatura 

15 


della tela portante..”. Si attiva, così, 

una riflessione sul “concetto di 

deteriorabilità dell’arte 

contemporanea, su quello di 

conservazione e sul possibile 

restauro delle opere d’arte 

contemporanee” raccontando, 

anche,una storia che unisce in 

modo autentico l’arte 

contemporanea alla vita, come 

sottolinea Bonito Oliva: “ho, 

infatti,realizzato un percorso espositivo capace di documentare l’irruzione 

del caso nella vita dell’opera. Non appendiamo le tele alle parete, ma le 

appoggiamo proprio per enfatizzare la precarietà dell’arte 

contemporanea”. 

Ciò si connette direttamente alla giornata di studi organizzata per il 10 

gennaio nello stesso luogo e contesto della mostra e che si intitola, 

appunto, L’intento dell’artista di fronte alla conservazione dell’opera 

contemporanea. 

1. 

2. 

ermete zerini scrive: 


bella bella bella. originale. ha ragione la dott.ssa. 

Kap3 scrive: 


originale sì, ma triiiiiiste, triiiiste triiiiiste! Vedremi il convegno. 

ps: Notargiacomo che é anche il prof. dell’Accademia? Le sue opere si sono bruciate?! Non sarà mica stato 

qualche suo studente un pò arrabbiato con lui? Scherzo, eh! :-) 

3. Giovanni scrive: 


Strana questa expo che mostra un pezzo di storia che ha devastato parecchie opere, non solo a 

Jacorossi; purtroppo io NON credo che il fuoco le abbia rese più belle, le ha solo massacrate 

trasformandole in scheletrici simulacri… 

G. G. 

4. Marina C. scrive: 


insomma… Interessante ma tutto sommato una mostra terremotata, seppur meritevole per la storia 

affascinante e terribile e per la simbologia che ne deriva. Convegno efficace, per fortuna 

:-I 

16 


PASSIONALITÀ SBIADITA DI DONNA: THREEALITIES ALLA 

1/9 ARTE CONTEMPORANEA | DI FLAVIA MONTECCHI 


di Flavia Montecchi 

inserito in approfondimenti 

457 lettori 

La femminilità di Paesi Bassi, 

Polonia e Regno Unito si suddivide 

lungo le due stanze espositive 

dell’internazionale 1/9 arte 

contemporanea che fino al 30 

gennaio esporrà 14 opere tra 

istallazioni e fotografie di tre giovani 

donne, accomunate da un vicino 

anno di nascita settantottino ma del tutto differenti tra loro: Amie Dicke, 

Alicja Kwade e Charlotte Moth raccontano l’individuale percorso artistico 

in una collettiva che le scopre tra un anno finito e uno appena iniziato. 

Lo spazio, la forma e il suono investono i sensi del fruitore che al suo 

primo ingresso viene bloccato dal taglio netto della diagonale speculare 

della Kwade e dagli steli macchiati della Dicke: Parallel World I e Absorb, 

rispettivamente del 2008, colpiscono lo sguardo ponendosi frontalmente 

una volta varcato l’ingresso. Cinque esili specchi partono da terra e, privi 

di qualsiasi fondamento solido, vengono sorretti dall’impossibile contatto 

tra due lampade nere, dietro cui serpeggiano cavi elettrici raddoppiati 

dalla specularità che sorreggono. 

E’ poi la volta dell’artista olandese che, dietro il lavoro della polacca 

Kwade, sistema quattro lenzuola verticali appese alle due estremità 

superiori, lasciandole ondulare in rilievi leggeri, ebbre d’una tinta rossa 

che rivela l’essenza del vino. L’alcool dal colore passionale sbiadisce per 

la Dicke in molti suoi lavori esposti, nell’ultima sala ad esempio, reinventa 

la geografia del mondo tagliuzzando una mappa che gocciola brandelli di 

terra. Nella stessa sala poi Charlotte Moth immobilizza un non ben 

inquadrato ingresso domiciliare, con scalette, recinzione e foglie d’albero. 

L’immagine è proiettata sulla parete 

bianca e alterna se stessa con altre 

81 diapositive che si differenziano 

dal colore; rosa, blu e verdi chiari 

non alternano tuttavia il soggetto, 

che di base è sviluppato su di un 

bianco e nero cinematografico 

anni’50, ma la luce tutta intorno 

regola la freddezza o la dolcezza di come si vuole percepire la fotografia. 

Abduct invece appare nella sala di mezzo forte e inquieta; musa di pietra 

bianca rinvanga un neoclassicismo canoviano di uomini in sviluppo. 

Attorcigliate da zip di plastica di una lunghezza pungente, la scultura di 

tre figure perde i suoi connotati davanti lo sguardo del fruitore, rivelando 

quella sofferenza stilistica propria dei disegni dell’artista, non presenti in 

mostra: corpi di donne bianchi solcati da nere linee di pianto marcio 

spalancano occhi vuoti dietro un urlo soffocato. 

La discussione di una femminilità sofferente, inquieta, macchiata, 

indagatrice, percorre ogni opera esposta dando vita al senso di ricerca e 

sfruttamento dei mezzi più disparati dell’industria, o più semplicemente 

della vita, che ognuna delle artista ha voluto indagare. Non è un caso che 

la copertina di ‚Äö”Numéro” venga esposta dalla Dicke in una teca su 

17 


misura, strappata e bagnata di vino; Effacement diviene un ‚Äö”quadro”, e 

il volto senza occhi di una donna scava la sua mancanza dietro un altro 

volto; il magazine di moda internazionale francese invecchia e si 

rattrappisce dietro l’ebbrezza dell’alcool. Una messa in scena del 

percorso fascinosamente decadente della donna o più semplicemente 

un’ulteriore messa in gioco di materiali semplici ed inevitabili, adoperati 

per corroderne e stravolgerne l’uso quotidiano? Per la risposta avete 

tempo fino al 30 Gennaio. 

Immagini: 

1. 

Alicja Kwade, Parallel World 1 (lampade e specchio, 2008) 

Amie Dicke, Absorb (cotone e vino, 2008) 

hombre scrive: 


Una sale grande, fili, luce giusta, trendy frequentazioni, per una mostra che non si capisce. niente 

bello, niente passione, niente… :-( 

Viva Luca Beatrice :-) e leggi articolo de la Martusciello qui su art a part… :-) almeno si parla, si dice, si 

ammette e ci scambiamo pareri visto che sembrava -prima- che nessuno avesse dubbi! 

Ciao da Hombre Q. 



Stavolta concordo con i dubbi sul filosofeggiare che Luigi ha espresso nei Commenti dell’articolo 

sulle Anticipazioni Biennale Venezia…Cercatelo, leggete e ditemi se qualche dubbio non viene, di fronte a 

certe mostre-pacco-pacchetto… O sono io a non capire? 

18 


DI CHE COSA HA BISOGNO L’ARTE CONTEMPORANEA? | 

DI FRANCESCO CORREGGIA 


di Francesco Correggia 


700 lettori 

Se guardiamo più in profondità ciò che accade nel mondo dell’arte, 

scopriamo quanto la sua dimensione espressiva, interpretativa e quella 

più palesemente mediale e comunicativa stiano per transitare verso 

un’altra dimensione: quella più tematica. 

La tematizzazione è uno dei temi caldi della discussione intorno allo 

spazio dell’evento e della sua significazione. E’ il significato che si 

tematizza nella domanda che manifesta Altri. Il farsi tema del Soggetto 

che va verso Altri sembra uno scivolare dentro la vecchia palude del 

significato; il vecchio e prosperoso significato da cui tanto, negli anni 

settanta, si voleva prendere la distanza. Il ritorno al significato non è la 

perdita del grande significante che lo sovrasta, semmai è il suo giusto 

ritorno alla gloria dell’evento. Qui si deve intendere che il significato non è 

più ciò che detta la forma al contenuto, ma è il contenuto stesso, in 

quanto espressione di una volontà che si fa tema tematizzando il mondo, 

più che il suo farsi forma. Non più la monade di Leibniz come unità di 

coscienza o singolarità spirituale che nella modernità incarnava la realtà 

ultima dell’universo gravitazionale, ma, al suo posto, da una parte la 

storia come soggetto emblematico e dall’altra il pianeta stesso che 

viaggia insieme ad altri pianeti in uno spazio intergalattico. Sono loro i 

temi e i nuovi soggetti di una trama intensa, molteplice, fitta di significati. 

Il significante cioè non è più la sostanza materiale o il medium che 

sempre detta il tema, che da sempre impone la forma, ma è l’essere per 

Altri che mi obbliga; ovvero è l’entità stessa della natura dell’universo 

come “res”, cioè il suo stesso contenuto a tematizzarsi e a porsi come 

soggetto. Non è la forma del contenuto che viene dal significante ma è la 

significazione stessa a farsi tema come relazione con Altri o forse, come 

direbbe Paul Ricoeur, è la metafora stessa a diventare non più il segno 

ma l’oggetto, il vivente organico della rappresentazione. 

Per l’arte attuale, i temi caldi non sono solo il significante e l’intreccio fra 

arte e vita che attraverso l’opera si mostrano, ma sono le stesse cose 

della realtà vivente. Cose ed oggetti non appartengono più allo stesso 

universo della rappresentazione simbolica. Essi, in quanto categorie 

concettuali che, semmai, hanno a che fare con un’ontologia e non più 

solo con le questioni dell’interpretazione, non coincidono più. Possiamo 

affermare, con un qualche smarrimento, che ciò che si espone nell’opera 

sono le cose. Non le materie, i materiali, i significanti, gli oggetti, non le 

tracce delle cose, i segni o i simboli ormai scaduti a simulacri, ma le cose 

stesse in quanto contenuti che, come carne e pelle del mondo, si 

espongono. Le cose si manifestano nella risposta ad una domanda 

rispetto alla quale hanno senso. La domanda cerca un sostantivo ed un 

aggettivo inseparabili ma ciò non implica l’assoluta adesione della cosa 

con l’oggetto, se non nei termini di un’analogia secondo fini in generale. 

A questo punto bisognerebbe ripartire dalla famosa questione che solleva 

Arthur C. Danto. Quale è, quindi, la differenza di censo fra le mere cose, 

qualsiasi cose, i meri oggetti e le opere d’arte? Dobbiamo forse dire che 

dopo la Pop Art ed i Brillo Box si è consumato un delitto come sembra 

19 


dire Baudrillard? O ancora, parafrasando Jean Clair; il nuovo non esiste 

poiché esso è soltanto un riconoscere ciò che è stato, una questione di 

memoria e la vera modernità non è quella proclamata dalle avanguardie e 

dalla corsa all’innovazione ma quella che, appunto, ricorda, rifà la storia, 

riprende la pittura, ne ricostruisce il corpo e i suoi aspetti figurali? 

Domande forse sospette e che non possono essere lasciate così, senza 

che non ci s’interroghi ulteriormente sulle questioni poste. Le cose non 

stanno proprio così come i nostri due moralizzatori dell’arte, Arthur Danto 

e Jean Clair, in maniera del tutto differente e da punti di vista, almeno in 

maniera apparente, diametralmente opposti, ci vogliono sapientemente 

dire. Senza qui richiamarci ad Heidegger, il quale aveva già affrontato la 

questione nel suo saggio ormai noto -e, direi incautamente, piuttosto 

spesso citato da tutti quelli che sentono l’inderogabile bisogno di 

affrontare la relazione fra arte e Filosofia- “L’origine dell’opera d’arte”, 

tentiamo di comprendere se possiamo intenderci quando parliamo di 

cose e di che propriamente si tratta. Intanto, già riferirsi alle cose sarebbe 

come nominarle. Le cose non sono semplici oggetti o un qualunque 

oggetto, oggetti-cose che già presupporrebbero una visibilità, un toccare, 

un vedere, insomma una tangenza con il corpo. Gli oggetti esigono di 

essere visti, le cose, invece, no. La cosa deve essere colta, compresa, 

presa, afferrata, prima che essere vista. 

Si ha una qualche ragione nel sostenere che le cose ci appaiono 

indefinite in quanto non si mostrano direttamente ma pretendono uno 

sforzo della ragione, un passaggio, una mediazione fra il limite della 

ragione e lo sconfinamento dell’immaginazione. Già quando guardiamo 

una montagna, un bosco, un oceano, un deserto, se ancora esiste questa 

romantica possibilità, non è proprio la montagna, il bosco, l’oceano, il 

deserto che vediamo ma i loro significati, i loro nomi, la cultura che ce li 

ha fatti conoscere, osservare, guardare, come giustamente ricorda Remo 

Bodei nel suo recente pamphlet “Paesaggi del sublime”. Cosa ne 

sappiamo veramente se non, appunto, che essi continuano ad essere 

parole, discorsi al posto delle cose? Forse bisognerebbe levare le parole 

dalle cose, sospendere il loro intreccio semantico ma avremmo così 

ancora delle cose? 

Cose e oggetti non sono parole interscambiabili fra di loro, che hanno a 

che fare con una denotazione sicura sia sul piano della referenza che 

della semantica, e non appartengono allo stesso universo concettuale. Le 

cose sono neutre, indefinite, per riconoscerle non basta toccarle, vederle 

odorarle con i sensi ma bisogna sostare in una zona d’ombra dove non 

tutto ciò che appare è; bisogna pensarle, varcare un confine, sentire 

l’origine, ciò che ci accomuna e che fa vibrare le corde di tutti i nostri 

sensi. Non è così per gli oggetti che fanno parte delle nostre dinamiche 

vitali, funzionali, utilitaristiche ed estetiche. Sebbene per Kant il concetto 

d’una cosa come fine della natura in sé non sia proprio un concetto 

costitutivo dell’intelletto o della ragione ma possa essere un concetto 

regolativo per il giudizio riflettente, non di meno è anche vero che non si 

possa escludere che il medesimo concetto permetta una riflessione sugli 

stessi principi per i quali il mondo si manifesta essendo ciò che è. 

Nella raccolta di poesie dal titolo “Antologia di Spoon River”, del poeta 

americano Edgar Lee Masters, nell’edizione tradotta da Cesare Pavese, 

vi è una poesia,”Dippold l’ottico”; dove un uomo con problemi alla vista 

misura una serie di occhiali. Egli vede inizialmente persone, colori ed 

oggetti reali. Dippold propone occhiali sempre più raffinati ed efficaci fino 

20 


a quando il paziente non supera la soglia di ciò che distingue le cose 

dagli oggetti reali, così i suoi occhi riescono a cogliere universi, abissi 

d’aria, luce che avvolge le cose. Benissimo, conclude l’ottico, faremo gli 

occhiali così. Le lenti che per Dippold sono quelle giuste non servono per 

vedere oggetti, persone, figure ma percezioni, mondi, odori, sostanze di 

cui le cose, come materie organiche, parti di realtà, situazioni, 

avvenimenti, sono fatte. Le lenti che bisogna mettere sono congrue a chi 

se ne deve servire solo in quanto non fanno osservare un dato oggetto 

ma fanno sentire e conoscere le cose e di quale carne le medesime sono 

ricoperte. La semplice vista non può cogliere le cose che sono, appunto, 

cose in quanto materie assolute, irriducibili allo strumento, al medium. 

Le cose, sembra dirci la poesia di Masters, non possono essere usate, 

non hanno una qualche utilità se non nel regno dell’assunzione di 

responsabilità di ciò che accade o ciò che da sempre è. L’accadere, come 

sappiamo, è ciò che fa essere le cose nell’evento, nella manifestazione di 

ciò che deve essere. L’accadere è il fatto stesso delle cose. Le cose sono 

le materie prime dell’operare dell’arte proprio perché esse sono ciò che 

già da subito sono. In questo senso per l’arte contemporanea, o arte del 

nostro tempo, non si tratta più di una rappresentazione simbolica che 

coincide con il mostrare l’opera ma di un dovere, attraverso l’opera, 

rendere plausibile ciò che è non plausibile. Trarre l’energia vitale e le 

nuove possibilità espressive dallo stesso paradigma della storia che 

finalmente ha chiuso con i suoi legami stringenti e coatti di una promessa 

di eternità che il mito dell’arte e la stessa estetica del bello hanno elargito 

a più riprese. Ora ci si muove balbettando, incespicando, in un mondo 

finito ma non per questo possibile d’infinito nel donare mondi infiniti, a 

volte con la paura di dovere fare i conti con qualcosa di ancora più 

grande di cui non si conosce tuttora il senso e la misura. 

In questo senso possiamo richiamarci alla categoria del sublime come 

dimensione, smisurata, senza pari, che impegna tutte le nostre risorse 

interiori e morali non perché siamo davanti a forze imprevedibili suscitate 

dalla natura medesima nello scontro e nella dialettica fra ragione ed 

immaginazione di kantiana memoria, ma per il doversi misurare con ciò 

che ora appare difficile, imponderabile, straordinariamente mostruoso nel 

suo essere, appunto, portentoso. Le nuove dialettiche che riaccendono i 

sensi dell’arte sono fra le cose del reale, fra storia e contingenza, 

sviluppo compatibile, e salvaguardia del pianeta, solidarietà ed 

emancipazione, ecosistemi e risorse. Le cose sono quindi le cose ben 

altro dall’immaginazione stessa che le produce. Sono le cose stesse del 

reale che fanno, appunto, pensare ad un modus operandi differente, 

intermediale etico ed ecologico al contempo. 

La differenza fra una semplice cosa ed una cosa dell’arte consiste 

giustappunto nel suo differente statuto di cosa. Una mera cosa è come un 

oggetto che, per così dire, è già fuori dalla zona d’ombra; esso è, poiché 

immediatamente registrabile; lo si percepisce, lo si nomina mentre la 

cosa, seppure sia un materiale grezzo, indistinto, è anche un corpo 

vivente, un soggetto che significa ed elargisce a più riprese registri di 

significazione in una specie di scontro-incontro con la storia, con la natura 

stessa. In quanto corpo, non si separa mai dal suo poter essere 

linguaggio in potenza. Esso è sempre, in qualche misura, potere 

includente od escludente nel processo rimemorativo della visione. Qui la 

vista coglie non solo la parte oggettuale di questo processo nel suo 

registro di riconoscimento ma anche il suo contenuto memoriale, 

21 


indistinto ma vero. Ora il suo intreccio con il linguaggio che lo nomina fa 

pensare, interroga, solleva universi e mondi. 

Non si tratta di tornare ad una rappresentazione favolistica di un 

immaginario che vuol farci vedere ciò di cui non sappiamo ancora, il che 

ci mette davanti all’imperscrutabile o all’assoluto, ma di un affrontare un 

nuovo universo di senso o di un far risorgere, come direbbe Jean Luc 

Nancy, il senso dalle piccole cose. La stessa esperienza di questo fare 

appare quasi sovrumana, difficile proprio perché non esistono più le 

stesse sicure parole e gli stessi mezzi espressivi con i quali poter dire, 

trovare i segni, rappresentare, in una situazione dove occorre misurarsi 

con lo smisurato che viene dalle cose, da ciò che abbiamo chiamato i 

temi caldi del mondo. 

Ciò che conta non è una specie di renovatio, un’ontologia di un saper 

fare, come sostiene Jean Clair, ma di un saper riconoscere ciò che si fa 

tema dell’arte e che si tematizza dall’esperienza ed oltre ad essa pur 

nella distanza invalicabile che ci separa dalle cose. Saper cogliere le 

cose non vuol dire rifare un discorso sull’arte ma, al contrario, vuol dire 

andare verso un’agire etico che chiede ed esige impegno e profondità per 

la vastità degli universi tematici trattati. Si tratta di una responsabilità 

impegnativa e costitutiva dell’arte e dei suoi linguaggi espressivi, dalla 

pittura alla video arte, da questa alla performance. 

E’ di questo che ha bisogno l’arte contemporanea? 

Il problema di una dimensione etica dell’arte alla fine della modernità 

ridiventa il tema dell’origine, la cosa stessa dell’arte. Ciò non vuol dire 

tornare ad una pittura che ha nella figurazione il suo scopo finale ma vuol 

dire proprio riappropriarsi di alcune modalità della modernità in un 

progetto che sappia mettere insieme le materie di un nuovo dire tra realtà 

e visione, necessità e possibilità e, parimenti, che sappia far venire fuori, 

nella mancanza, ancora una volta, il Mondo, ciò che serve all’uomo e che 

lo accomuna nella sua interezza agli altri esseri viventi. Questa 

riappropriazione è anche una questione di linguaggio, stile che non può 

perdere il senso di ciò che la modernità e le avanguardie ci hanno 

lasciato, non tanto da un punto di vista delle idee ma quanto dal punto di 

vista delle soluzioni espressive, formali, scritturali, ancora oggi aperte, 

insomma di cose che viaggiano ancora intorno alle stesse procedure del 

fare dell’arte moderna. 

L’opera d’arte come microcosmo, e con essa anche quel che rimane della 

pittura, non è certo esausta, incomprensibile, agonizzante per colpa di 

quel mescolamento fra arte e vita che è stato al centro delle dinamiche 

artistiche del novecento ma essa ancora è al nucleo di una possibilità 

aperta proprio perché esiste la distanza per riguardare con le lenti di 

Dippold la storia, la natura stessa delle cose. Di quelle cose che stanno 

primariamente come condizione morale dentro di noi e che sono anche 

sopra e sotto di noi, il cielo stellato, le galassie, il cosmo e che val la pena 

di affrontare, guardare, contemplare proprio in quanto non sappiamo se 

noi e loro abbiamo, in un remoto futuro che comunque ci riguarda, una 

qualche possibilità di continuare ad esserci fra gli sterminati ed infiniti 

mondi dell’avventura planetaria. 

Photo: Roni Horn – Vatnasafn – Libriry of Water – Wonder Water 

Leggi anche: 

www.artapartofculture.org/2008/02/15/i-turn-round… 

22 


1. sibilla scrive: 


Che meraviglia questo saggio! Grazie della precisione intellettuale e dell’arguta riflessione. 

Sibilla S. 

2. hombre scrive: 


non é che ci abbia capito tutto-tutto ma, insomma alcune parti fanno riflettere e mi trovano in 

sintonia. 

H. Q. 

23 


VENERDÌ 9 GENNAIO EMANATO E IN RETE IL BANDO 

CULTURA 2009 ALLA PROVINCIA | DI LUCA BARBERINI 

BOFFI 


di l.barberini boffi 

inserito in approfondimenti, concorsi bandi & premi 

437 lettori 

Sarà emanato venerdì 9 gennaio 

e pubblicato sul sito dell’ente di 

Via Saffi (Viterbo) il Bando di 

Concorso per proporre alla 

Provincia iniziative culturali che 

potranno essere ammesse a 

contributo nell’anno 2009 e 

valere sulla legge regionale 

32/78. Ce lo comunica l’Assessore alla Cultura Renzo Trappolini che, nel 

pomeriggio dello stesso giorno, alle 16 nella sala-conferenze di Palazzo 

Gentili, ne illustrerà i contenuti insieme al dirigente Luigi Celestini e alla 

presenza l’Assessore regionale Giulia Rodano. 

E’ lo stesso Trappolini a sottolineare come, quest’anno, si siano anticipati 

i tempi di emanazione del bando “in modo da dare risposte alle domande 

che si annunciano molto numerose e di qualità, in tempi utili ad agevolare 

le programmazioni di associazioni e Comuni”. Aggiunge Celestini che “gli 

eventi che saranno presi in considerazione copriranno l’intero 2009, 

mentre lo scorso anno erano limitate al periodo aprile dicembre”. 

Altre novità riguardano la scelta di riservare alle iniziative di maggiore 

attrattività e complessità anche finanziaria un apposito plafond in modo 

da assicurare eventi di respiro nazionale caratterizzanti la Provincia nel 

campo dello spettacolo, delle arti, della convegnistica e di quant’altro 

idoneo a suscitare interesse e presenze. 

Le domande, alla luce della sperimentazione positivamente fatta lo 

scorso anno, dovranno pervenire per via telematica e successivamente 

essere confermate, ai fini fiscali, in cartaceo. 

Trappolini sottolinea che tale formula, rispetto alla precedente edizione, 

presenta elementi di novità maturati alla luce dell’esperienza pregressa, 

delle criticità rilevate e dei suggerimenti avuti, grazie al lavoro svolto dalla 

commissione Cultura della Provincia, con impegno unanime di 

maggioranza e opposizione. 

Va sottolineato che il bando “riguarda iniziative di carattere 

esclusivamente culturale e quindi non quelle turistiche e religiose per le 

quali la Regione ha disposto differenti canali di finanziamento, ivi 

compresi quelli per le Pro Loco”, decisione che ci sembra giusta oltre che 

sensata. 

Certamente, conclude Trappolini, “non sarà facile risolvere con gli 

insufficienti mezzi a disposizione tutte le esigenze, ma il metodo adottato 

dalla Regione, che impone il rispetto di linee di indirizzo anche territoriali 

e il ricorso al del bando pubblico, stimola certamente la creatività degli 

operatori”; a tal proposito, l’Assessore plaude alle scelte dell’Assessore 

regionale alla Cultura Giulia Rodano e indirizza aperti apprezzamenti al 

suo operato. Siamo certi che lo scambio di cortesie sarà reciproco 

quando i due rappresentanti istituzionali si incontreranno alla riunione di 

venerdì 9 gennaio. 

Info e Bando su: www.provincia.vt.it 

24 


1. 

2. 

A. A. 

Adriana scrive: 


Siamo in trepida attesa, grazie della preziosa informazione. 

Gruppo Kolla1 scrive: 


Eh ma se poi passano sempre i soliti come si fa a credere a queste iniziative?! 

25 


DRAG QUEEN, PERFORMER E NIGHT-CULTURE: MOSTRA 

AL CIRCOLO MARIO MIELI | DI LUCA BARBERINI BOFFI 




409 lettori 

Drag queen, performer 

transgender, animatori delle notti 

queer sono il tema portante di 

“Doing/Undoing“, una mostra 

fotografica che inaugura nella sede 

del Circolo di cultura 

omosessuale Mario Mieli. 

Domenica 11 gennaio 2009, dalle 

ore 17.30, in occasione dell’annuale Festa del tesseramento, il Circolo 

presenta la rassegna “Arti in Circolo”, a cura di Francesco Paolo Del Re 

e Antonio David Fiore: un ciclo di eventi dedicati alle arti 

contemporanee che raccontano o riecheggiano la cultura queer e di cui 

questa mostra fa parte integrante. L’evento espositivo che inaugura la 

rassegna è questa particolare e bella doppia personale delle fotografe 

Lysandra Coridon e Paola Serino (realizzata in collaborazione con 

l’associazione culturale Officine Fotografiche), allestita presso la sede 

dell’associazione (via Efeso 2/A) e visitabile fino al primo febbraio. 

Doing/Undoing è un omaggio al 

pensiero di Judith Butler, una delle 

principali teoriche del pensiero 

queer statunitense. Il titolo tema 

portante delle foto richiama, infatti, 

l’ultima riflessione di Butler che 

descrive il genere come un 

complesso di meccanismi di 

costruzione e decostruzione. La mostra propone un suo intrigante viaggio 

nelle pieghe di questa specifica cultura nel suo versante taliano, 

visualizzando un confronto tra il mondo delle drag queen romane e gli 

eterogenei protagonisti dell’underground gay-lesbico bolognese. 

Ne deriva una forte ed affascinante galleria di ritratti resi magnificamente 

dalle due artiste-fotografe. 

La stessa domenica, dopo il vernissage, l’associazione inoltre ospiterà il 

live show della giovane cantautrice e poetessa romana Giulia Anania che, 

ci dicono, è stata definita da Pietro D’Ottavio, giornalista di Repubblica e 

critico musicale, “la promessa della musica d’autore italiana”. 



CHE FOLLIA E CHE ALLEGRIA!!!! GRAZZIEGRAZZIOSI! :-) 

Hombre Q. 

2. 

volkovidiotsuka scrive: 

2 febbraio 2010 alle 09:29 

http://fox.ucoz.org/forum/2-1-3 

26 


MAPPE MENTALI. UN LABORATORIO PER PENSARE A 

COLORI | DI ISABELLA MORONI 


di Isabella Moroni 

inserito in approfondimenti, convegni & workshop 

463 lettori 

Sapete cosa è una “mappa 

mentale“? 

Una mappa mentale è la 

rappresentazione grafica del 

pensiero secondo una logica 

radiale che utilizza il linguaggio 

naturale del cervello: 

l’immaginazione e l’associazione. 

Con una mappa mentale è possibile organizzare pensieri e informazioni, 

associare idee e pensieri in maniera non lineare, sfruttare meglio le 

potenzialità del cervello: l’emisfero sinistro che è logico e razionale in 

sinergia con l’emisfero destro creativo, intuitivo, emotivo. 

Serve ad accedere alle proprie potenzialità permettendo di pensare, 

creare, studiare, prendere appunti, organizzare, sviluppare idee e 

comunicare in modo semplice e creativo. 

Ed è anche un’opera d’arte perchè (soprattutto quando è disegnata a 

colori) diventa una sorta di sole, di albero visto dalla parte delle radici, 

una creazione del tutto personale, mai uguale ad un’altra che suggerisce 

una visione del pensiero colma di energia. 

Ideata dallo psicologo inglese Tony Buzan, la mappa mentale consente di 

visualizzare e raccogliere in un solo colpo d’occhio le informazioni. 

L’apprendimento non è passivo, ma attivo, non statico ma dinamico, ricco 

di nuovi stimoli e associazioni. 

Questo mondo fantastico che ogni essere umano ha dentro di sè 

sarà possibile scoprirlo, conoscerlo ed analizzarlo attraverso il 

Laboratorio delle Mappe Mentali che si terrà a Roma il 10 e il 24 

gennaio a Roma presso il centro Spazio dell’Anima (via C. Denina, 

72) 

ll laboratorio sarà condotto da Roberta Buzzacchino, fra le maggiori 

esperte italiane delle Mappe Mentali, che ha un blog esclusivamente 

dedicato a questo argomento,pieno di spunti straordinari, e che da alcuni 

anni organizza laboratori capaci di esplorare, riattivare ed allenare il 

cervello al fine di 

generare idee nuove e azioni immediate, favorire la creatività individuale 

e di gruppo, affinare le abilità di analisi delle informazioni, passare dal 

confronto all’incontro delle idee, prendere appunti, organizzare la propria 

conoscenza, produrre relazioni, comunicare con chiarezza nelle riunioni e 

nelle presentazioni 

Durante il laboratorio ci saranno momenti di riflessione individuale e 

pause creative che sono parte integrante della didattica. Solo in questo 

modo si potrà infatti realizzare l’esperienza di apprendimento delle mappe 

mentali, che è riscoperta e attivazione della propria capacità di pensiero e 

quindi necessita di momenti intermedi di sedimentazione e elaborazione 

propria. 

Scarica qui le informazioni sul laboratorio 

1. 

Kaos calmo scrive: 


27 


che figata! :-) 

2. homer scrive: 


mappe mentali? mi sa che ci corro a questo incontro, chissà che non serva ad aiutarmi a non 

perdermi nel mio incasinato spazio del cervello e della mamoria… 

Homer, quello vero! 

:-O 

:-) 

28 


VITERBO PER FABRIZIO DE ANDRÉ | DI ERICA 

MARINOZZI 


di Erica Marinozzi 

inserito in approfondimenti, musica video multimedia 

375 lettori 

Non mancherà l’omaggio di 

Viterbo e provincia a “Faber” 

Fabrizio De Andrè cantautore e 

poeta italiano, per il decennale 

della sua scomparsa avvenuta 

l’11 gennaio 1999. Troppo presto, 

troppo improvvisa. 

L’importante notizia è data 

dall’assessore alla Cultura della Provincia di Viterbo Renzo Trappolini 

attraverso una nota dell’ufficio stampa del 9 gennaio 2009. 

Già il 24 ottobre dello scorso anno la giunta provinciale aveva richiesto 

con apposita delibera all’assessorato regionale alla Cultura il sostegno 

per una serie di iniziative per commemorare la scomparsa di Fabrizio De 

Andrè che amava così tanto la terra di Tuscia, che decise di viverci. 

La cosa certa per ora è che sarà un programma di manifestazioni che si 

svolgeranno a partire dall’estate in provincia di Viterbo e principalmente a 

Soriano nel Cimino e Canepina. La Fondazione che porta il nome 

dell’artista e della moglie Dori Ghezzi ha bene accolto le proposte e 

sosterrà il patrocinio. 

Sostiene Trappolini che “Si tratterà di eventi a carattere nazionale sia per 

la qualità delle iniziative e degli ospiti, sia per i riconoscimenti dalla 

Fondazione De Andrè con la quale è in collegamento l’associazione 

culturale Fabrizio de Andrè di Canepina”. 

Non è la prima volta che nella 

Tuscia nascono iniziative con 

omaggi musicali e da ricordare nel 

2003 la rassegna svoltasi a Viterbo 

e Canepina, un mix di musica, 

recitazione e una mostra intitolata 

“Bocca di Rosa” dove venne 

esposto per la prima volta al 

pubblico il pianoforte di De Andrè, una delle sue chitarre preferite donata 

all’avvocato Mario Rosati, il figlio del colonnello dei carabinieri Vincenzo 

Rosati che nel 1979 condusse le indagini sul sequestro subito da Fabrizio 

De Andrè e sua moglie Dori Ghezzi, rapiti per quattro mesi dall’anonima 

sequestri sarda. 

“Un omaggio a un grande poeta, a un musicista caposcuola, a un 

professionista rigoroso – conclude Trappolini – che è stato determinante 

nella formazione di molte generazioni: da lui, in particolare abbiamo 

imparato la dolcezza dell’amore, la guerra alla guerra in un momento in 

cui non era facile esser pacifisti, la solidarietà verso i meno fortunati che 

se non sono gigli, son pur sempre figli, vittime di questo mondo”, come si 

conclude una sua canzone. 



però, insomma, poeta sì ma che lagna, a volte, le sue canzoni! Senza offesa, eh!, e anche 

l’articolo é ben scritto, solo che io personalmente preferirei che si approfondisse roba più tosta, 

sperimentale, innovativa! Insomma, De André é già retroguardia! 

29 


H. Q. 

2. lalla scrive: 


…però però, che meraviglia, pensa solo al verso : 

“dai diamanti non nasce niente, dal letame nascono i fior(i)” 

Non é sublime?! 

Lalla 

3. Cot1 scrive: 


sarà sublime ma non é che musicalmente sia proprio un grande sperimentatore! Comunque onore 

ad un grande, 10000 volete meglio di tanti cantautori americani supercoccolati da major e pubblica 

fruizione! 

30 


DALL’IMMAGINE FOTOGRAFICA A QUELLA GRAFICA: 

BASILICO, GARUTTI E IL PERCORSO DELLE CITTÀ | DI 

FLAVIA MONTECCHI 


di Flavia Montecchi 


457 lettori 

“Quando realizzo una linea, penso 

sempre che sia la continuazione di 

quella linea dell’orizzonte () 

Immagino questa linea che entra in 

una casa e poi esce da essa, fino a 

congiungersi a quella che è nel mio 

studio o che sto per realizzare () E’ 

la costruzione ideale dell’orizzonte che accompagna la mia vita” 

(www.studiolacitta.it – Alberto Garutti). Dichiara Alberto Garutti per la 

galleria Studio La Città di Verona; artista e docente dell’Accademia di 

Brera di Milano, Garutti ha da sempre lavorato tracciando segni indelebili 

dalle più diverse espressività artistiche, originali in maniera tale da 

marcare le città con cui veniva a contatto. Dal canto suo Gabriele Basilico 

“dipinge” fotografie “modello” abilitando la città ad una bellezza onirica e 

oggettiva, grazie al più classico utilizzo del bianco e nero e alla fermezza 

della posa; un ritratto urbano. 

E sono proprio la poliedricità astratta e non di Garutti e la perfezione 

documentaristica di Basilico a convivere negli spazi dello Studio 

Guenzani di Milano. 

La mostra, che rimarrà aperta fino al 31 gennaio, ospita infatti tre 

opere di Garutti cariche di astrattismo geometrico concettuale, insieme ad 

una serie di scatti del fotografo milanese, in cui non sono più solamente 

la bellezza antica della Normandia o le immagini a colori di Roma e 

Mosca a stabilire ancora una volta la delicata ma decisa posatezza del 

ritratto urbanistico di Basilico, ma anche e soprattutto la presenza in 

questi scatti, di corsi d’acqua vettoriali e direttivi capaci a rivelarne la 

vitalità urbana. 

Fiumi larghi come strade aprono 

l’occhio all’orizzonte della fotografia 

e ne rilevano quella compostezza 

ammaliante che da sempre 

caratterizza lo stile 

documentaristico di Basilico; scorci 

di città dietro i suoi scatti sembrano 

vivere in diversi tempi, sembrano 

assumere in loro la brillantezza di 

una pulizia aerea esterna, tanto da 

apparire privi di quella 

contaminazione industriale 

moderna che logora strade, 

marciapiedi e palazzi. Il grigio dello 

smog diviene poetico bianco e nero 

cittadino, allontanato da un grandangolo ad effetto che comprende ponti e 

strade in tutta la sua agiatezza; il dialogo con la città si apre attraverso 

uno sguardo, quello definitivo della macchina fotografica, che imprime su 

di una stampa l’identità di un luogo. Garutti non è da meno, ma il mezzo 

da lui prediletto questa volta si allontana dalla più palpabile costruzione 

31 


“site specific” di un parallelepipedo in vetro e cemento, (stanza in vetro e 

cemento, 2001-2003 – parcogiochi quartiere Don Bosco, Bolzano), 

scansa anche l’espediente basilichiano in mostra: sono i segni grafici che 

traversano le sue opere, quasi a ricordare l’assoluto astrattismo di 

reminiscenze kandiskjiane dei lavori degli anni ’90. Linee ininterrotte 

misurano distanze urbane tra istituzioni, persone e luoghi, marcando 

l’opera di una semplicità minimale e diretta. 

L’essenziale percorso tracciato dall’artista è poi concettualizzato alla base 

di ogni quadro; sulla cornice in alluminio Garutti ha infatti indicato i nomi 

dei punti raggiunti specificandone la distanza gli uni dagli altri. Una 

doppia trama di relazione artistica tra fotografie e segni si delinea lungo il 

percorso stilistico di due artisti che raccontano della città, 

testimoniandone la presenza con la propria espressività. Un percorso, 

quello esposto, che mette in risalto la linea guida urbana, il fiume visibile 

nelle fotografie di Basilico diviene nelle opere di Garutti traccia 

indissolubile di distanze da percorrere, scarnificando al massimo la 

concezione veritiera della rappresentazione visiva per l’essenziale traccia 

della presenza geometrica. Ecco che un “Punto, Linea e Superficie” 

indicano il passaggio dell’uomo nella testimonianza di uno scatto e nella 

semplificazione di un segno. L’uomo che c’è dietro la totalità di ogni opera 

esposte, senza apparire mai. 

1. 

Z 

zenobia scrive: 


grandi artisti, mostra anomala e coraggiosa: bella, certamente. 

2. Anna Paola scrive: 


Grazie, bella recensione per una expo particolare e a suo modo “calda”, molto comunicativa. 

Anna Paola Rose 

32 


PITTI IMMAGINE UOMO A FIRENZE: SETTIMANA DELLA 

MODA CON MUSICA, OSPITI ED EVENTI BY NIGHT | DI 

LUCA BARBERINI BOFFI 



inserito in approfondimenti, lifestyle 

436 lettori 

In occasione della importante kermesse, la 75a a Firenze, si inaugurano 

molti spazi dedicati, iniziative, mostre ed eventi collaterali rispetto 

all’oggetto del desiderio: appunto, la moda. Tra queste serate free-entry 

e/o ad invito, segnalo alcuni appuntamenti by night a suon di musica ed 

ospiti internazionali. Molte sono donne, e che artiste! 

Ecco, per esempio, le iniziativa del DORIS che organizza’ ben 3 

appuntamenti con guest star notissime nel panorama del sound e dello 

spettacolo mondiale. Si inizia con GOLDIELOCKS, FOUR ROSES GIRL 

e TOOD TERJE! Si inizia giovedi’ 15 gennaio @ TAPE CLUB, con uno 

Special party con GOLDIELOCKS, la rapper/singer piu’ in voga in 

questo momento nel panorama underground del Regno Unito. 

Stiamo parlando della ventunenne GOLDIELOCKS, sensuale e 

provocante bionda anglo-svedese esponente del genere grime-electro 

pop, una delle ultime evoluzioni musicali della fertilissima scena urbana 

londinese. 

Goldielocks proviene da una piccola e graziosa citta’ chiamata Croydon, 

quella che da molti viene oggi definita come la casa della dubstep. Sarah 

Akwisombe (aka GoldieLocks) inizia a produrre musica in un music 

college in London Bridge ed inzia a rappare quasi per gioco. Goldie trae 

la sua ispirazione da artisti che rispondono al nome di Dr Dre, The 

Streets, Dizzee Rascal, Amy Winehouse, Gwen Stefani, e Spank Rock. Il 

risultato e’ un grime-electro-pop fresco e moderno ricco di attitudini 

urbane e indie che si sposa egregiamente a liriche cariche di umorismo e 

provocazioni intelligenti. Ore 22:00 – 4:00 

(altro su: http://www.myspace.com/goldielocksmusic) 

Venerdi’ 16 gennaio si prosegue con MONOCHROME che presenta 

FOUR ROSES GIRLS and Tood Terje. 

Ancora una volta MONOCHROME non smentisce la sua sensibilita’ 

artistica e porta sul palco il tour delle Four Roses Girls, collettivo creativo 

tutto al femminile che propone un incredibile show nel quale si fondono 

performing art, dj set, commedia, canto, moda e cartoni animati. Le 

quattro performer affiancheranno il super dj TODD TERJE, special guest 

da Oslo, “responsabile” di alcune delle migliori produzioni disco-house 

uscite negli ultimi anni. Media partner della serata il mitico Vice Magazine. 

Due-parole-due su queste straordinarie ragazzem, che mixano 

performing art e cultura del cartoon che si intrecciano per dare vita ad un 

innovativo spettacolo che sarà in scena in un tour di quattro tappe nei 

migliori locali d’Italia. Il live vedra’ come assoluti protagonisti il carisma e 

l’arte delle Four Roses Girls, ovvero la disc jockey Giulia e le performer 

Domitilla, Blondie e Biancaneve. Donne al centro della scena con uno 

spettacolo che mixa musica, danza e teatralita’ con tocchi di burlesque, 

sullo sfondo della cultura pop dei cartoni animati anni ’80 che ne ispira le 

movenze e i costumi di scena. 

Dalle icone cartoon Occhi Di Gatto e Jem and the Holograms, per 

arrivare all’ammiccante mondo delle pin-up e delle dive anni ’40, sono 

molteplici le contaminazioni che ispirano le Four Roses Girls nella 

creazione di una performance che i piu’ attenti alle nuove tendenze hanno 

33 


gia’ definito ‘diva cartoon’. 

Dj resident: RUFUS, DNArt e MARCO SOLFORETTI 

Ore 23:00 – 4:00 

(altro qui: http://www.myspace.com/fourrosesgirls; 

http://www.myspace.com/toddterje) 

Il sabato sera (il 17 gennaio) con la serata “we don’t like lobster” il 

resident dj Vizioso porta sul palco il meglio dell’electroclash, un 

genere che affonda le sue radici musicali principalmente nella dance 

music, nell’electro pop e nella italo disco. 

Ore 23:00 – 4:00 

DOOR SELECTION, Via dei Pandolini 26r – FIRENZE 

FREE ENTRY 

Poi abbiamo le iniziative dell’Intooitiv che presenta, in collaborazione con 

dude & dudette e Kitsch: 

Venerdi’ 16 Gennaio 2009 FEM@Maracana’ 

Florence Electronic Movement (special guest: D’JULZ) 

Main room: AMOS (Italobusiness/Claque/Presslab)_live set, UAUI & 

PONZ (Nothing Inc.) _dj set. 

D’JULZ (Ovum/Pokerflat/Intacto) _dj set inizia la sua carriera nel 1992 

acquisendo rapidamente un suo stile personale che lo fa diventare subito 

uno dei dj piu’ importanti d’oltralpe. La sua musica si colloca all’incrocio 

tra deep techno, house e acid funk. La sua reputazione cresce 

rapidamente e lo porta a suonare nei migliori club europei (Cafe’ 

D’Anvers, The End, Plastic People, Space, Pacha) e nelle principali 

capitali mondiali (New York, Londra, Mosca, Tokyo, Hong Kong, Bogota). 

Come special guest frequenta regolarmente il Cocoon di Francoforte, il 

Panorama Bar di Berlino e il Fabbric di Londra. 

TIMETOSLEEP _visual 

Second room: DEBSOLUTE _dj set, CRAWLER _dj set 

Dove? In Via Faenza 4, Firenze, ad ingresso libero entro le 00:30 in 

lista o su invito (info e liste: 393 9012540) 

Ufficio stampa Doris: 

www.myspace.com/dorisfirenze; 

Lorenzo Migno 

lorenzomigno@gmail.com 

+39 339 4736584; Info: 335 7871616 / 333 4285531 

1. Cot1 scrive: 


TUTTA VITA BY NIGHT E GRATUITA: FINALMENTE FIRENZE SI RIANIMA E GUARDA 

ALL’ATTUALITA’ E ALLA MUSICA E CULTURA CONTEMPORANEA! CI VOLEVA PITTI IMMAGINE, CI 

VOLEVA… 

34 


WINTERLICHTER IN BERLIN: DAVID MEDALLA | 

EXHIBITION AT MUSEUM MAN | BY DAVID MEDALLA 


di David Medalla 


495 lettori 

“WINTERLICHTER IN BERLIN: 

DAVID MEDALLA | EXHIBITION 

AT MUSEUM MAN” 

David Medalla, FF alum, is 

exhibiting a new series of paintings 

inspired by his current sojourn in 

Berlin. Collectively entitled 

“Winterlichter in Berlin” 

(“Winterlights in Berlin”), the series started with a painting by Medalla ofan 

impromptu event by Adam Nankervis lighting a candle insidean old 

Turkish glass andiron lamp which Adam bought at the “flohmarkt ” (flea 

market) at Mauerstrasse in East Berlin just before last Christmas. 

Otherart worksin the new series include a painting of David Medalla, 

standing on the sunlit snowscape,bringing to Museum Mana copy of the 

Biennale of Sydney catalogue of 2008, edited by the curator Carolyn 

Christov-Bakariev, being welcomed toKastanienallee no. 72by Adam 

Nankervis and Mona Wehr; a painting of David Medalla and Adam 

Nankervis outside Museum Man,lighting sparklers to welcome the New 

Year ; and a painting of Adam and Davidlistening to Hanuman reading 

fromthe book “A Critique of of Pure Reason” by the German philosopher 

Immanuel Kant. Different aspects of light in winter in the snow-covered 

German capital feature in all these beautifulpaintings. In all of them the 

particular is transformed by the artist into the cosmic and the sublime. 

In the past David Medalla was an artist-in-residence in Berlin aspart of the 

DAAD kunstler programm. Medalla gave a memorablesolo show, “Art Lifts 

Berlin”,curated by Frederick Meschede and introduced by Guy Brett, at 

the DAAD Galerie abovethe Cafe Einstein on Kurfurtenstrassein 1998. 

David Medalla shared anexhibition in 2006at the Kunstpunkt Berlin 

galerie for aktuelle Kunst, with the late American artist and cultural 

impressarioWilloughby Sharp (David Medalla’s friend from 1963), and the 

German artist Reinhart Buettner. 

In 2005 David Medalla participated in the Berliner Kunstsalon, in the 

section organised by Museum Man, whose founder anddirector, the 

Australian artist Adam Nankervis, curated the 

current “Winterlichter 

in Berlin” exhibition of 

Medalla’s new 

paintings inside the 

original home of 

Museum Man at 

Kastanienallee no. 72, 

Prenzlauerberg, 

Berlin. Medalla plans 

to continue the series 

with a set of paintings 

which he will do when 

he visits New York in spring this year (2009), after attending the 

Transcultural Exchange art forum being organised by Mary Sherman in 

35 


Boston.Museum Man plans tomake tapestries of Medalla’s paintings in 

the future. 

Members of Berlin’s lively art world attended the opening of David 

Medalla slatest exhibition at Museum Man, last Saturday, January 10, 

2009. Several London Biennale artists who are currently living and 

working in Berlin also came to the private view,including composer 

Marianthi Papalenxandri from Thessaloniki, Greece;sculptor Thomas 

Nicolai from Erfurt, Germany; artist and curator Shaheen Merali from 

London; painter Sebastiaan Schlicker from the Netherlands; and video 

artist Shanghai Subir, who is a native Berliner. “Winterlichter in Berlin” will 

be at Museum Man until January 21, 2009. 

Photos of the exhibition can be seen in the website: 

www.museumman.org 

http://www.artapartofculture.net/2009/01/10/winter-lichter-david-medallamuseummanberlin/ 

36 


MACRO: LUCA MASSIMO BARBERO UFFICIALIZZATO 

ALLA GUIDA DEL MUSEO ROMANO | DI BARBARA 

MARTUSCIELLO 




927 lettori 

Lo avevamo detto in più 

occasioni e scritto già tempo fa e 

finalmente, dopo mesi di 

incertezze, ritardi, anticipazioni, 

segretezza e qualche omissis, ora 

è ufficialmente sancito nero su 

bianco, attraverso un atto 

istituzionale -deliberazione n. 417, 

natalizia o giù di lì- che con il “Dott. Luca Massimo Barbero”, classe 

1963, è instaurato un “lavoro a tempo determinato”: al Macro di 

Roma. 

Così, dopo le dimissioni di Danilo Eccher, è stato accolto il nome del 

successore indicato dal Sindaco di Roma Gianni Alemanno: previo 

attenta verifica, da parte della Giunta, dell’idoneità del candidato 

politicamente caldeggiato e avuta la conferma che egli “risulta essere in 

possesso dei requisiti professionali richiesti per realizzare appieno gli 

obiettivi previsti nel programma amministrativo del Sindaco”, abbiamo il 

nuovo Direttore della Sovraintendenza Comunale Macro. 

Circa 10.000 Euro lordi di stipendio per un posto tra i più ambiti, potenti e 

prestigiosi ma anche scivolosi che Arte, Beni Culturali e dirigenze 

istituzionali annoverino, non solo made in Rome… 

Il Macro, ora, provvisto di neodirettore, dovrebbe essere inserito in una 

Rete -reale ed efficiente- con Maxxi,Palazzo delle Esposizioni, 

Scuderie del Quirinale, Gnam e in sinergia con il Ministero per i Beni 

Culturali, come ci risulta da quanto affermò l’Assessore Umberto Croppi 

e dopo un suo precedente confronto sia con il Sottosegretario Francesco 

Giro che conPio Baldi. Bene, ma se un coordinamento minimo è 

auspicabile, ci auguriamo che ciò non crei una cultura-unica nè che porti 

a scelte obbligate per nessun direttore interessato. Staremo a vedere. 

Certo dobbiamo arrenderci al fatto che solo in Italia e in qualche luogo di 

terz’ordine questo genere di decisioni e incarichi siano legati alla politica 

e imposti per volontà partitica, senza nè concorsi ad hoc nè serie 

commissioni competenti e sopra le parti che vaglino. Ciò, naturalmente, 

dipende dall’asfissiante protervia di un potere che ha le mani anche sopra 

le arti e la cultura e nonè certo colpa del torinese Barbero al quale 

auguriamo un futuro luminoso e un lavoro che riporti Roma ad una 

vivacità contemporanea e internazionale che le compete e ci manca da 

un pò. 

Ribadiamo quanto già affermato su questo stesso webmagazine, ovvero 

che gradiremmo accanto ad un forse doveroso tributo del nuovo MACRO 

agli artisti e ai professionisti che a Roma hanno lavorato e dato un 

contributo importante e riconosciuto, anche nuove aperture internazionali 

di rilievo; scelte, quindi,“che non siano troppo anglo-americanocentriche 

ma nemmeno troppo local“, e si palesino un pò più “lontane da 

consorterie e giochetti” che hanno spesso coinvolto“l’agire di quanti 

avrebbero dovuto garantire qualità,equità, trasparenza non solo 

relativamente alle scelte espositive ma anche alla chiamata di 

37 


collaboratori, curatori e quant’altro”. 

Info: www.macro.roma.museum 

1. C. R. scrive: 


apperò, sempre affilati i Suoi articoli! Condivido in pieno, grazie. 

Un’amica di facebook 

2. Tonino C. R. scrive: 


Vero vero vedi, disperatamente vero, grazie della sincera onestà con la quale sei sempre in prima 

linea. 

T. C. R. 

3. smak82 scrive: 


:-) 

per quel che scrivi e dichiari, 

:-( 

per la situazione in Italia in fatto di arti e culture! 

4. F.D. scrive: 


L’arte della politica o la politica dell’arte?…Nella nostra Italietta,Roma,Milano,Napoli 

eccetera…Sempre la stessa storia,dai Borgia in poi,cambiano solo i nomi…Fortuna ci sia qualcuno che ne 

discute!…Un saluto affettuoso,e sostegno al tuo impegno di “Critico Militante” (Non Stricto Sensu).. 

5. raimondo scrive: 


…io direi “la sporca politica” che non sa e maneggia comunque cose e fattid’arte, con i risultati che 

vediamo. Grazie del corner che ci consegnate, angolo di libero confronto. Coraggiosa art a part! 

R. S. 

6. claudio l. scrive: 


Grazie donna Barbara, madonna dalla penna rossa, che dice quel che pensa e ci conforta, 

dandoci un prezioso webmagazine e un importante punto libero per discutere e confrontarci liberamente, 

senza trincee e steccati. 

7. Marco Pier i scrive: 


Complimenti art a part of culture che promette e mantiene una vivacità e una voce affilata e priva 

di interessi di parte/partito! 

8. 

maurizio scrive: 


Non é male, vedrete, questo cambio al vertice… 

9. mimmo scrive: 


…magari non essendo troppo impastato nei rapporti con gallerie e potere “di sistema”, questo 

nuovo direttore saprà e potrà far bene… 

10. 

kono di luce e the group scrive: 


:-) 

11. Kristina di Lascio scrive: 


Io non spero più in nulla e sono certa che se fai parte del “gruppo” entri nel ring altrimenti no, e 

resti comprimario a vita, qualunque sia il cambio al vertice. 

12. Marko C. scrive: 


grazie: dall’estero leggiamo queste info e aggiornamenti sull’Italia non facili da reperire 

altrimenti…. Un utile servizio, girls e boys…. 

13. Erica Marinozzi scrive: 


Onestamente credo che non ci voglia molto per fare di meglio e soprattutto di più al MACRO!…E 

poi perché per una volta non guardarsi intorno e aprire le porte a chi ha idee, concretezza e voglia di fare 

piuttosto che mangiarsi la torta tutta da soli che in certi casi può risultare indigesta?! 

Spero che il dott. Luca Massimo Barbero dimostri un’apertura (o quantomeno ci provi) non solo verso l’arte 

ma anche verso i giovani che come me hanno intrapreso un percorso e si sono SEMPRE trovati le porte 

chiuse da parte del MACRO. 

Continuo a sperare…farò una brutta fine? :) 

14. liliana scrive: 


Siamo tutti daccordo, in questo blog? Scettici ma con un barlume ancora di fiducia? critici verso le 

passate gestioni? Contrari all’intromissione della politica sulle nomine della cultura e dell’arte? Desiderosi 

di fare? 

15. Ermanno Consolini scrive: 


felicitazioni per l’incarico a Luca Massimo Barbero sperando che sia all’altezza, che lo lascino 

libero di decidere, che sappia essere libero di decidere. Attendiamo la nomina della Gianelli al 

Palaexpo/Scuderie. Poi non trovino altre scuse: si lavori, si programmi, si faccia. Roma ne ha bisogno, 

l’Italia ne ha, la nostra immagine interna e all’estero ne ha, la nostra cultura, soprattutto, ne ha… 

38 


16. gago go go scrive: 


Ga go go trallalà, ora senza più lentezze e incertezze dovete camminà per il bene di roma della 

cultura e dell’umanità! 

:-) 

17. Rip 60 scrive: 


Barbero ci sembra un pò deboluccio sul contemporaneo e sulle realtà emergenti: saprà affiancarsi 

persone che lo siano? 

18. jenny scrive: 


Sono decisamente d’accordo sull’estromissione della politica come nello scioglimento delle caste. 

A Roma non si riesce a trovare un posto di lavoro dignitoso in ambito museale, ma stiamo scherzando?! Ho 

visto invece lavorare persone terribilmente impreparate, che schifo. 

19. pinog scrive: 


proseguirò quanto già avviato in precedenza ovvero creare opportunità e occasioni, attrraverso o 

una convenzione o un accordo tra le parti ( e in questo caso é cruciale il grado di autonomia che avrà 

Barbero) che inserisca gli artisti che vivono, lavorano, operano nella nostra area metropolitana nel circuito 

del Macro. La scorsa consigliatura, come sanno diversi artisti, ci eravamo andati vicino ma poi………. E’ da 

lì che si ricomincia. 

Grazie per il lavoro che fai e spero di vederti presto. 

Pino Galeota 

20. Marcello scrive: 


Le consorterie in Italia non finiscono mai.Non so cosa devo aspettarmi da questa nomina:so,invece 

che l’importanza dell’Italia,che pure detiene circa l’80% del patrimonio culturale mondiale,é ridotta al 

lumicino.Auguri al Nuovo direttore:) 

39 


MAURIZIO COSTANZO SHOW HA (RI)APERTO ALL’ARTE | 

DI BARBARA MARTUSCIELLO 


di artapartofculture redazione 


757 lettori 

Luca Faccenda e Marco Parri hanno creato e dirigono la National 

Gallery di Firenze (www.nationalgalleryfirenze.it /eu/info /org etc.), 

un’Associazione Culturale senza fini di lucro con lo scopo di diffondere 

l’arte nel/del mondo con un’attenzione particolare a quelle aree meno 

praticate dal Sistema e e dal Mercato dell’Arte internazionale quali sono 

l’Africa, l’Australia, il Tibet, l’India (quest’ultima lontana, però,dal binomio 

superstar Cindia!). Parallelamente, l’Associazione dichiara sensibile 

attenzione alla didattica rivolta alle arti figurative, letterarie e artistiche in 

genere attraverso contatti fra persone, enti, associazioni e popolazioni 

diverse. Sappiamo, date alcune iniziative portate a buon fine, 

dell’impegno della struttura per cause umanitarie, alle quali dedica aste di 

beneficienza ed altre iniziative simili. 

Per questo e per il fuoco della conoscenza Faccenda e Parri si spostano 

in lungo e largo nel mondo, mai come turisti ma come 

viaggiatori, scoprendo e approfondendo manufatti e arte di aree spesso 

svantaggiate del mondo. Sono, queste, tra le meno considerate 

dall’intellighenzia dell’arte contemporanea legata a precise regole e a un 

determinato reticolo di supporto (solo di certi Musei, curatori, artisti, 

investimenti…). Da questa passione per il bello, per una comunicazione 

visiva alternativa, libera, e per il linguaggio altro, Luca e Marco derivano 

la nuova professione che li coinvolge oggi. 

“Non sono un critico, per carità”, si schernisce Luca Faccenda 

nell’incontro che abbiamo avuto alcuni giorni fa; “sono un architetto, ho 

studiato in parte alla Sorbona di Parigi e in parte all’Università degli Studi 

di Firenze; mi sono occupato di antiquariato e poi di moda…”: a ottimi 

livelli, visto che ha diretto il Dipartimento del Fashion Institute and 

Technology (FIT) di New York nella sede Italiana di Villa Strozzi a Firenze 

per il quale si è occupato di ben sei cattedre. Poi, dopo aver venduto il 

suo brand -intanto registrato in molte parti del mondo- alla solita 

multinazionale giapponese, tornerà al primo amore: l’arte. 

“I viaggi sono stati, insieme all’arte, qualcosa che mi ha sempre coinvolto 

nella vita. Ho affiancato queste due passioni interessandomi dei linguaggi 

artistici altrui”: organizza le prime mostre circa quindici anni fa, aprendo la 

strada, in Italia, all’arte australiana, a quella africana e a produzioni 

etniche ma di grande qualità artistica. Direttore artistico dal 2005 della 

National Gallery di Firenze -Associazione Internazionale Culturale senza 

fini di lucro presieduta da Parri- ha curato ad oggi oltre 40 cataloghi di 

arte contemporanea -australiana, africana, asiatica, americana- e le 

relative esposizioni in prestigiose sedi museali. “Quando iniziai, mi 

presero per eccentrico…”: oggi è in una posizione leader nel panorama 

culturale occidentale. Andando a vivere con gli aborigeni e 

comprendendo i loro segni e studiandone la simbologia, per esempio, 

Faccenda e Parri hanno portato, primi in Europa, quel mondo allora 

ancora sconosciuto. Oggi un pò meno. 

Il taglio di tutto il loro operare -e dei cataloghi- non è quello di storici 

dell’arte -che comunque li affiancano spesso: penso a Barilli o a Lara 

40 


Vinca Masini, trai vari- ma, volutamente, è quello di architetti che 

lavorano “per il riconoscimento della dignità dei prodotti artistici di tutti 

coloro che in occidente non avrebbero ancora voce”. Non a caso, una 

volta che la National Gallery Firenze ottiene collezioni di culture altre, le 

importa cercando di diffondere anche gli usi sociali dei popoli che le 

hanno prodotte: si zooma, quindi, anche sull’umanità che si presenta 

attraverso i più diversi linguaggi artistici e si riesce a portare a una nuovo 

e vitale consumo culturali di arti e linguaggi altrui e a una più facile 

accoglienza negli ambiti culturali occidentali. “Ciò porta benessere in 

quelle aree. Talvolta, gli artisti riescono a vendere alcune opere i cui 

proventi vengono tramutati in benessere economico e sociale a favore dei 

luoghi da cui esse provengono; inoltre, cerchiamo di essere luogo di 

incontro e di aggregazione che assolva alla funzione sociale di 

maturazione e crescita umana e civile, attraverso l’ideale dell’educazione 

permanente ottenuto paragonando i linguaggi espressivi occidentali con 

quelli del resto del mondo; portiamo avanti, anche, attività editoriali con il 

nostro marchio, libri d’arte, cataloghi di mostre, atti di convegni e di 

seminari, nonché studi e ricerche compiute sui linguaggi artistici nuovi e/o 

diversi; in sintesi: promuovere i linguaggi altri da noi…”. 

Questo deve essere piaciuto a Maurizio Costanzo che nel suo Maurizio 

Costanzo Show -teatrale e televisivo, in onda su Canale 5- ha dato 

spazio a Luca Faccenda che all’interno ha curato e continua a curare uno 

spazio settimanale dedicato all’arte. Al teatro Parioli e in Tv racconta e 

spiega l’arte, la vita degli artisti, le loro scelte culturali, le tradizioni e il loro 

particolarissimo stile… Si avvale, in questo, anche delle opere d’arte che, 

di volta in volta, sono mostrate sul palcoscenico teatral-televisivo; talora 

sono ospitati gli artisti protagonisti del segno di quelle terre lontane. 

L’iniziativa ha riscosso un buon seguito e, dopo qualche timidezza 

iniziale, l’architetto si è dimostrato brioso nel linguaggio, coinvolgente, 

vivacemente semplice nella forma riuscendo però a veicolare in maniera 

profonda concetti non facili. Il pubblico reagisce positivamente. 

Non paghi di questo, la cornice del Foyer del Teatro Parioli, sempre in 

mano a Costanzo, ha accolto alcune mostre curate dalla National Gallery 

di Firenze e in linea con la mission della struttura; sarà inaugurata tra 

poco, infatti (il 15 gennaio 2009), la personale di una delle maggiori 

artiste aborigene australiane, scomparsa qualche anno fa: Lorna Fencer. 

La mostra, che proviene da un’importante collezione svizzera (ed è una 

sorta di anticipazione in pillole di una grande mostra progettata con la 

Provincia di Roma, in programma nella Capitale ad aprile o maggio 2009 

-se va bene, altrimenti un pò dopo- al Museo di Palazzo Incontro, Via dei 

Prefetti 22), segna la ripresa per il 2009 della rubrica d’arte di Luca in 

onda nel Maurizio Costanzo Show del 18 gennaio alle 24 circa. 

“La rubrica è un impegno faticoso e molto importante” , ha ammesso 

Luca Faccenda in un nostro più recente incontro,“e presenterò ancora 

nuove realtà e artisti che incarnano, come dicevi, culture meno 

approfondite dal sistema dell’arte e meno massicciamente comprese 

nello stesso mercato ma preziose e interessantissime anche da questo 

punto di vista. Lo farò cercando di mantenere un linguaggio semplice e 

una comunicazione vivace…” 

Crediamo fermamente che l’indifferenza e la non conoscenza della 

collettività nei confronti dell’arte si risolvano anche così; certamente, 

attraverso un’opera di impegno didattico, di generosità comunicativa e 

41 


con uno stile che bandisca il critichese, portando con naturalezza, 

pazienza e garbo le persone, il pubblico, verso la cultura per immagini. I 

media, in questo senso, sono un potente ed efficace megafono, così 

come lo può essere il fuori-circuito, ovvero l’arte proposta in spazi 

alternativi più vicini alla quotidianità della gente (se, poi, questo ha anche 

risvolti direttamente benefici, come una recente asta d’arte organizzata 

proprio da Maurizio Costanzo e Luca Faccenda a favore dei bimbi di 

Chernobyl, meglio ancora). In questo -che so riconoscere e apprezzo per 

tanti motivi- Luca Faccenda e Marco Parri fanno del loro meglio senza 

volersi sostituire ai critici e agli storici dell’arte. 

Per il resto, l’arte non cambierà il mondo ma forse porterà le persone a 

guardarlo in maniera differente, meno addormentata o scontata, 

considerando la realtà -sensibile e non- da nuove angolazioni e 

prospettive. Aiutare a pensare, a riflettere, a interrogarsi sulle cose, 

quindi, probabilmente, ad essere ed agire in modo diverso: ci sembra 

davvero già un enorme risultato. 

Un tra parentesi: la mostra citata sarà visibile assieme ad altri esempi 

d’arte aborigena, fino al 9 aprile negli orari degli spettacoli. Il Teatro 

Parioli è in Via Giosuè Borsi 20 a Roma. 

1. mariasole scrive: 


complimenti, la rubrica é davvero carina! Luca Faccenda é simpatico e regge bene lo schermo, 

interessa e affascina con la sua favella e la passione con le quali tratta l’argomento che non é così 

conosciuto, nemmeno dagli storici di arte contemporanea! 

2. liliana scrive: 


Bravo Luca Faccenda, e complementi a Costanzo per l’iniziativa. Io non guardo troppo la 

trasmissione perché ho interessi diversi ma quella rublica é accattivante e interessante e l’aspetto nel 

palinsesto televisivo con gran piacere. 

3. 

marco scrive: 


grandissimi Parri e Faccenda, vincitori su tanti fronti… 

4. paula n scrive: 


Dopo SGARBI FACCENDA? LA FACCENDA NON SI COMPLICA MA SI SEMPLIFICA 

FORTUNATAMENTE! 

5. Luca scrive: 


“Ma chi se li compra i quadri che passano al Maurizio Costanzo?” > lo ha detto e lo dice a teatro 

Laganà in “Se non fossi già confuso mi confonderei”. 

Quanto a Sgarbi, si é fatto una fortuna accreditando come false, opere vere vendute da vecchiette per due 

lire a chi poi le ha rivendute a molto. Così si dice. Vox polupi vox deo. 

6. 

patrizia scrive: 


no sono riuscita a vedere la trasmissione però faccio i mei complimenti per il vostro lavoro. 

42 


FUTURISMO: CENTENARIO | SI APRE A ROMA UNA TRE 

GIORNI DI CONVEGNI | LUCA BARBERINI BOFFI 



inserito in approfondimenti, art fair biennali e festival, convegni & workshop 

402 lettori 

Finalmente Roma si attiva sul Centenario del Futurismo e, in attesa di 

mostre preannunciate, arriva Una bellezza nuova. In effetti, lo è ancora 

oggi, attualissima, quella bellezza nuova, che è anche la titolazione data 

ad una tre-giorni di studi in programma alla Biblioteca Angelica. 

L’importante convegno internazionale, ideato e coordinato da Gianni 

Eugenio Viola,vede lapartecipazione di alcuni fra i più prestigiosi studiosi 

delFuturismo che lo approfondiranno in ognuno dei suo versanti 

linguistici: da quello dell’arte visiva a quello dellaletteratura, da quello 

della sua storia e della Storia alle altre discipline. Del resto, è questa 

libera combinazione ciò che i futuristi praticavano e imposero al mondo. 

Ancora oggi la contaminazione linguistica guarda a parte di quegli 

assunti.Poesia, Letteratura, Musica, Fotografia, Pittura, Scultura, Grafica 

e Comunicazione, Moda, Danza, azionismo verbale e performativo, 

Scenografia, Cinema e quant’altro: c’era e c’è tutto un mondo mixato 

nella teoria e nella prassi futurisata ed èmotivo del dibattere di questo 

importante appuntamento romano. Ad esso partecipano, tra gli altri: 

Mario Verdone, Gino Agnese, Simonetta Lux, Francesca Bernardini, 

Vittoria Marinetti, Günther Berghaus, Alberto Olivetti, Wladimir 

Krysinski, Enrico Crispolti. 

Tutti all’Angelica, dal 15 al 17 gennaio 2009. In Piazza S. Agostino 8, 

nelCentro storico della Capitale. 

Info: tel 06.6840801,email b-ange@beniculturali.it 

1. 

Marco 

marco scrive: 


Grande Luca, sempre attento e attivo! Grazie. 

43 


ISRAELE COSÌ COM’É. AS IS: ARTE ISRAELIANA 

CONTEMPORANEA | DI ERICA MARINOZZI 




320 lettori 

C’è tempo ancora fino al 31 gennaio per visitare la mostra “As is: Arte 

Israeliana Contemporanea” curata da Ruth Cats e ospitata nel salone 

centrale del Complesso del Vittoriano a Roma. Promossa in occasione 

dei sessanta anni dello Stato d’Israele ci presenta ben 57 lavori di 20 

artisti israeliani. Artisti locali più o meno conosciuti a livello internazionale 

esprimono attraverso un corpus eterogeneo di lavori la soggettiva visione 

delle radici di Israele, stato in guerra, e realtà dalle evidenti problematiche 

sociali e dalla mancata integrazione delle differenze culturali presenti nel 

territorio. Un accostamento inusuale di pittura, scultura, fotografia e video 

uniti con decisione per trasmettere il senso dell’identità dello stato 

israeliano nelle sue diverse sfaccettature relative alla popolazione, alle 

tradizioni ma anche gli aspetti che non permettono di conoscere la pace. 

C’è chi riflette sul conflitto, la guerra e il lutto e ne emergono emozioni 

forti come l’ansia e la paura, l’ombra di un passato attuale oggi più di ieri 

ma anche un forte senso di speranza per il futuro. E’ il caso del dramma 

dei soldati di Nir Hood nel dipinto “Gioventù perduta” del 2003 che 

piangono un loro compagno morto in guerra, oppure le sculture di Erez 

Israeli tra cui “Terrorista” del 2007, calco in resina epossidica e animali 

impagliati: un corpo tragi-comico che ricorda le forme della la scultura 

classica con in testa un passamontagna e animali impagliati che lo fanno 

assomigliare più a uno spaventapasseri. Shai Kremer presenta delle 

fotografie di paesaggi e particolari del territorio come “Ulivi Palestinesi 

decapitati per motivi di sicurezza a Gerusalemme Est” del 2007, 

altamente simbolica ed evocativa di un paesaggio dominato dalla guerra. 

Un video girato da Efrat Shvily propone un ripetitivo verso in ebraico 

“l’importante è non avere paura” tratto da un inno e fa riferimento al clima 

che si respirava dopo gli attacchi terroristici di qualche anno fa e alla 

paura della popolazione. 

La tradizione, la storia e i luoghi 

compaiono in alcuni lavori come 

nell’ opera di Hila Harabelnihov 

“MeaShearim II”, piccoli pezzettini 

di nastro adesivo per mascheratura 

colorato e Pashkevil su tela 

formano uno scorcio del quartiere 

ultraortodosso di Gerusalemme e 

dei suoi abitanti. Le due installazioni scultoree di Gal Weinstein in MDF e 

tappeti realizzate nel 2004 presentano due realtà territoriali: la Valle di 

Jezreel, terra di passaggio delimitata da importanti località, palude 

bonificata dai pionieri nel 1911 rappresenta la trasformazione mentre la 

Valle di Huleh la fertilità. Yael Bartana nel video “Trembling Time” 

riprende un momento particolare sul cavalcavia di una strada molto 

transitata dalle auto: una sirena suona e per un minuto la vita si ferma, le 

auto si bloccano e i passanti si immobilizzano, è il momento di memoria 

nella giornata dedicata ai soldati caduti nelle guerre d’Israele. 

Infine tematiche molto generali, argomenti più leggeri quasi un’evasione 

da una realtà che probabilmente non piace. E’ il caso della tematica 

dell’autoritratto proposta nei lavori di due artisti: Elie Shamir in 

44 


“Autoritratto con panorama”, dipinge se stesso utilizzando lo specchio 

al centro di un campo arato e Durar Bacai con un autoritratto del 2008. 

Shahar Marcus, attraverso il video presenta una sua performance dal 

titolo “Sabich”, una riproduzione grande più di due metri della pita, una 

pietanza tipica israeliana. 

Questa mostra è un’iniziativa coraggiosa non solo per l’accostamento di 

diversi medium artistici ma anche per quanto riguarda l’allestimento, 

estremamente semplice, praticamente assente se si escludono le sale 

scure per la proiezione. I pannelli introduttivi sono chiari, coincisi nel 

linguaggio e ben leggibili, cosa quasi mai scontata. La particolarità è data 

dall’utilizzo delle luci che nella leggera penombra evidenziano le opere 

sovraccaricandole dal punto di vista emozionale. 

Chi vuol saperne di più dell’arte 

israeliana e dei suoi protagonisti, 

che si stanno affermando 

lentamente anche in ambito 

internazionale, troverà sicuramente un’ottima opportunità in questa 

mostra che se da una parte ha l’ambizioso scopo di far conoscere una 

realtà diversa e lontana dalla nostra, dall’altra tenta troppo forzatamente 

di trasmettere un messaggio di ricerca di pace e serenità in netto 

contrasto con i drammatici eventi che ancora una volta segnano lo Stato 

d’Israele. 

As Is: Arte Israeliana Contemporanea 

Complesso del Vittoriano, via dei Fori Imperiali, Roma. 

Fino al 31 gennaio 

ingresso gratuito. 

45 


MEDIA MUNDUS, QUATTRO PADRI SINGLE E ALTRE 

AVVENTURE | DI FERNANDA MONETA 


di Fernanda Moneta 

inserito in approfondimenti, cinema 

460 lettori 

Mentre la Commissione europea 

approva il programma Media 

Mundus che prevede 15 milioni di 

euro a sostegno di progetti 

audiovisivi che coinvolgano 

l’Europa e paesi terzi, con ottimo 

tempismo, la fiction Mediaset 

manda in onda, il 15 gennaio 2009, 

il pilota (numero unico creato per saggiare il gradimento del pubblico e 

destinato a fare da battistrada ad un’eventuale serie, con stessi titolo e 

interpreti) Quattro padri single, prodotto da Gabriele Muccino, Fabrizio 

Donvito e Marco Cohen, scritto e sceneggiato dallo stesso Muccino con 

Liz Tuiccillo, newyorkese sceneggiatrice di Sex and the City, nota in Italia 

anche per aver firmato con Greg Behrendt (autore di spettacoli comici e 

consulente per le prime tre serie del telefilm) il noto “manuale per 

smascherare le scuse che gli uomini raccontano e che le donne si 

bevono”, La verità è che non gli piaci abbastanza. 

Giancarlo Scheri, responsabile di fiction Mediaset fa sapere che “il “tv 

movie” è già stato preso in considerazione da un grande network Usa. 

Sarebbe la prima volta che una fiction italiana, ma girata fra New York e 

Boston, viene fin dall’inizio progettata anche per le tv statunitensi”. 

Premetto che trovo confortante sapere che Gabriele Muccino, nelle sale 

italiane con il suo secondo film girato con/grazie a Will Smith, ha pensato 

di reinvestire in un prodotto audiovisivo parte del suo attivo statunitense. 

Va detto inoltre che Quattro padri single è un buon prodotto televisivo, 

nonostante gli scivoloni di sceneggiatura legati al non rispetto per 

l’italianità, che si sarebbero potuti evitare dicendo “we can’t” alla Tuiccillo, 

che immagino esserne la responsabile, dato che Muccino è italianissimo. 

In genere i programmi Media, non nel senso di trasmissioni di Mediaset, 

ma nel senso dei programmi europei di finanziamenti a vario titolo, 

dedicati al cinema e agli audiovisivi, hanno come obiettivo quello di 

favorire coproduzioni e incontri. Va detto che, da quando sono nati, 

sempre meno si rivolgono ai singoli autori e sempre più alle produzioni o 

agli autori già sotto contratto con un produttore di un certo peso. 

La novità di Media Mundus è che prevede stanziamenti pubblici europei 

(tasse nostre) per favorire coproduzioni tra realtà professionali europee e 

di paesi terzi. “Paesi terzi” sono tutti quelli che non fanno parte 

dell’Europa. Gli Usa, ad esempio. 

“Negli ultimi vent’anni gli sviluppi tecnologici come i video on – ha detto 

Viviane Reding, commissario europeo responsabile dei Media -, la Tv 

trasmessa su internet e la televisione digitale hanno profondamente 

cambiato il panorama audiovisivo internazionale. Si è venuta così a 

creare una forte domanda di contenuti audiovisivi e occorrerà ’riempire’ 

questi contenitori tecnologici con contenuti nuovi e interessanti. Credo 

che Media Mundus sia la risposta giusta, sul piano culturale, al mutato 

panorama tecnologico globale. Il successo dei nostri programmi Media e 

Media International, dimostra che è necessario andare avanti e pensare 

46 


in una prospettiva globale”. 

‚àöà chiaro così che i finanziamenti non saranno dati solo al cinema, ma 

in generale ai prodotti audiovisivi, con l’obiettivo di accaparrarsi fette di 

mercato straniero. A chi stesse per dire che il mercato è globale da un 

pezzo, va risposto che, nel caso della cultura, esiste il cosiddetto “fattore 

di diversità culturale” (c’è una commissione internazionale UNESCO che 

da tempo si occupa di questo, con successi altalenanti) che dovrebbe 

salvaguardare i prodotti culturali dalle leggi di mercato applicate a tutte le 

altre merci. Il condizionale è però d’obbligo. 

“La diversità culturale del cinema europeo e i pregi del nostro programma 

MEDIA – ha continuato Viviane Reding -, hanno indotto registi 

nell’America meridionale, in Asia, in Russia e in altri continenti a chiedere 

ripetutamente di instaurare una collaborazione con i mercati audiovisivi 

europei così da rafforzare il rispettivo potenziale.” Altri continenti?! 

Dall’elenco della Reding restano fuori sono l’America del nord, Australia e 

Oceania. 

‚àöà sotto i nostri occhi che i prodotti audiovisivi statunitensi sono 

acquistati, belli o brutti che siano, in tutto il mondo, quelli italiani, no. 

Un altro dato di fatto è che da anni le produzioni americane hanno seri 

problemi a reperire i contanti necessari per fare il proprio lavoro e 

cercano coproduzioni internazionali, con la Cina, ad esempio, col 

Giappone, e da un po’ persino con noi, che non siamo precisamente dei 

“Paperoni”. Lo ha detto chiaramente anche Spike Lee, che per realizzare 

il suo “Miracolo a Sant’Anna”, film ambientato in parte in Italia, ma 

decisamente americano, ha utilizzato nostri soldi pubblici, senza dei quali 

non avrebbe mai potuto chiudere il budget. 

La decisione di aprirsi alle esperienze e alle realtà cinematografiche 

d’oltre confine è stata dettata, dicono da Bruxelles, dal successo del 

precedente programma Media International con il quale l’Unione europea 

ha concesso un finanziamento di 2 milioni di euro a 18 progetti realizzati 

con partner internazionali. 

Nel maggio scorso quattro film finanziati dal programma Media hanno 

vinto vari premi al Festival del cinema di Cannes, fra cui la Palma d’oro 

(Entre Les Murs, Francia) e il Gran premio della giuria (Gomorra, Italia). 

Questi due titoli figuravano fra i 14 film proiettati a Cannes che erano stati 

prodotti o distribuiti con il sostegno di oltre 900.000 euro nell’ambito del 

programma Media. I film che hanno beneficiato del sostegno del 

programma Media e hanno già vinto agli Academy Awards e agli Oscar, 

sono Il falsario (Die Fälscher/Austria-Germania) e La Vie en Rose (La 

Mome/Francia). 

Ho provato a raccogliere opinioni di vari amici produttori europei. Da 

Londra, Gareth Jones della Scenario Films Ltd., mi fa sapere, ad 

esempio, che “darebbe volentiri un’opinione, però sta per girare un 

lungometraggio”. 

In un comunicato del 13 gennaio 2009, gli autori italiani aderenti all’ANAC 

(Associazione Nazionale Autori Cinematografici) hanno parlato della 

“grave situazione determinata dalla politica posta in essere dall’attuale 

governo in campo cinematografico, la difesa del diritto d’autore che vede 

unite tutte le rappresentanze degli autori, la determinazione degli obiettivi 

nel più vasto campo della cultura e della conoscenza, impone una forte e 

motivata partecipazione degli autori cinematografici, con la loro storia e le 

loro battaglie, a tutte le istanze che stanno nascendo per organizzare 

un’attiva resistenza nei confronti della desertificazione culturale che si sta 

abbattendo sul nostro paese.” 

47 


Altro dato di fatto è l’elenco pubblicato dal Ministro per i Beni e le Attività 

Culturali sul n.106 di dgCinenews del 13 gennaio 2009 e dal sito della 

Direzione Generale per il Cinema, dei 12 film italiani ammessi ai benefici 

di legge della commissione per la Cinematografia, nella riunione di 

martedì 23 dicembre 2008: Bianco e nero di Cristina Comencini, Fascisti 

su Marte di Corrado Guzzanti, Grande grosso e Verdone di Carlo 

Verdone, La giusta distanza di Carlo Mazzacurati, La rabbia di Louis 

Nero, L’abbuffata di Mimmo Calopresti, L’arte del sogno di Michel 

Goundry, Lascia perdere, Johnny di Fabrizio Bentivoglio, Ovunque sei di 

Michele Placido, Piano, solo di Riccardo Milani, Signorina effe di Wilma 

Labate, Tutta la vita davanti di Paolo Virzì. 

1. Lucia scrive: 


Io mi chiedo perché brutti serial come “Tutti pazzi per amore” non ha bisogno di un pilota, mentre 

“Quattro padri single”, ne ha bisogno. Altra cosa che mi chiedo é perché dobbiamo scopiazzare il cinema 

francese (Tutti pazzi per amore) o quello americano (Quattro padri single) e non sappiamo produrre autori. 

é colpa dell’audience? é colpa dei produttori italiani? é colpa del fatto che si va avanti per entrature? é 

colpa del fatto che non c’é coraggio? Ma cosa vuoi che costi un film fatto in digitale se nesuno ci fa la 

cresta sopra? 

2. Teresa Schiavo scrive: 


Bellissimo articolo, accidenti! Analisi e critica senza scivoloni di nessun tipo. Come altri di questa 

firma. Ho anche saputo qualcosa di più come per esempio che “(…) nel caso della cultura, esiste il 

cosiddetto fattore di diversità culturale (c’é una commissione internazionale UNESCO che da tempo si 

occupa di questo, con successi altalenanti) che dovrebbe salvaguardare i prodotti culturali dalle leggi di 

mercato applicate a tutte le altre merci (…)”. 

3. 

4. 

5. 

alina maccanico scrive: 


bel testo che personalmente condivido in pieno. 

Fernanda Moneta scrive: 


Ma si ringrazia dei complimenti in un arivista on line? Nel dubbio, io lo faccio. :) 

Raoul scrive: 


Ho letto che ha una cattedra all’Accademia di Roma. Come ci si trova? 

48 


GALLERIA CIVICA DI TRENTO: AAA CANDIDATO MAX 35 

CERCASI… | DI LUCA BARBERINI BOFFI 



inserito in approfondimenti, beni culturali, concorsi bandi & premi 

471 lettori 

A furia di lamentele, critiche e pubblico dibattere tra addetti ai lavori e 

non, qualcosa sembra essersi mosso in fatto di decenza ed etica e, 

finalmente, la politica sembra essere tenuta alla larga da questioni 

connesse ad incarichi attinenti i Beni Culturali e i Musei. Infatti,è ufficiale, 

per eleggere una figura professionale per la Galleria Civica di Trento si 

procederà con Bando di Concorso. 

Danilo Eccher, neopresidente della connessa Fondazione -gestita oltre 

che dal Comune da una cordata di privati-, vaglierà le candidature di max 

35enni, laureati in materie artistiche, ottima conoscenza della lingua 

inglese, esperienza curatoriale ed organizzativa di mostre nazionali 

e internazionali, volontà di trasferimento a Trento anche immediato. 

Astenersi perditempo. 

Non ci credete? Vale la pena di tentare, i giovani curatori interessati, 

siamo certi, saranno molti. Basta inviare una lettera e il curriculum vitae 

da spedire o inviare per email alla sede della Fondazione: c’è tempo sino 

al 30 gennaio 1009. 

Ecco il contatto: 

Assessorato alla Cultura, Via delle Orfane 13, 38100 Trento; 

email: servizio_culturaeturismo@comune.trento.it 

1. Riccardo Restini scrive: 


caspita, era ora! ma poi siamo certi che questo candidato/a non l’abbiano già scelto in precedenza, 

che non sia già tutto previsto? a pensar male… 

2. A. V. scrive: 


…e se, come al solito, i giochi siano già fatti e le decisioni prese, e questo non sia che l’ennesimo 

fumo negli occhi per fingere democrazia e decenza…?! 

3. Rafael scrive: 


ci fidiamo, mi chiedo, di chi inserisce in organico al suo fianco e a rappresentar di fatto il MACRO 

donzelle (per una serie di scandalose ragioni) donzelle per legge incandidabili, senza titoli o con titoli 

reclutati appositamente, scalzando, ipotizziamo, qualcuno di realmente adatto e con il suo sudato 

curriculum? 

4. 

5. 

6. 

Giovani curatori no raccomandati scrive: 


Non ci crediamo molto ma tentiamo. Senza speranza. Ciò vale anche per il nostro futuro… 

Giovanni Cracco scrive: 


rimpiango già il bravo CAVALLUCCI… Sbaglierò a guardare “indietro”? 

Teresa Schiavo scrive: 


Dopo Fabio Cavallucci, Danilo Eccher… Voi come lo vedete il futuro -anzi, il FUTUR- di Trento?! 

49 


VIAGGIO ALL’ISOLA DI SAKHALIN. I DETENUTI DI 

REBIBBIA SUL PALCOSCENICO | DI ISABELLA MORONI 



inserito in approfondimenti, teatro danza 

472 lettori 

Il teatro in carcere ha una valenza riabilitativa, ma ancor più di qualsiasi 

terapia, è in grado di accompagnare i detenuti in un progetto di ricerca su 

se stessi e sulla società che apre, almeno nella mente, le porte di quel 

microcosmo pericoloso che è il carcere. 

Pericoloso perchè riproduce in pochi metri quadrati tutti i sentimenti, le 

contraddizioni e le dinamiche che, all’esterno, si disperdono nella vastità 

degli spazi e nella molteplicità delle relazioni. 

Sono sempre straordinari i progetti teatrali realizzati dai detenuti; Lunedì 

26 gennaio 2009 alle ore 15.00 sarà l’ Officina di Teatro Sociale Teatro 

Libero di Rebibbia (in collaborazione col Dipartimento 

dell’Amministrazione Penitenziaria Direzione C.C. Roma Rebibbia N.C. 

ed il Teatro Eliseo) a presentare, grazie alla Compagnia “Evadere Teatro” 

– Sezione G8 di REBIBBIA N.C., lo spettacolo “Viaggio all’Isola 

diSakhalin” tratto dai testi diAnton Cechov e Oliver Sachs. 

La Compagnia “Evadere Teatro” che raccoglie diciotto detenuti attori della 

Sezione G8 del Carcere di Rebibbia N.C. debutterà il 23 gennaio 2009 

con lo spettacolo Viaggio all’isola di Sakhalin, liberamente ispirato 

all’esperienza che Anton Cechov – nell’esercizio della sua seconda 

professione, quella di medico – fece alla fine dell’’800 visitando la colonia 

penale posta all’estremo oriente della nazione russa. Allo sconvolgente 

reportage cecoviano sulle condizioni di detenzione degli ergastolani 

relegati nell’isola di ghiaccio, si intreccia il racconto di una delle più 

sorprendenti esperienze dello scienziato cognitivo Oliver Sachs. Nell’ 

“isola dei senza colore” Sachs incontra uomini e donne che l’isolamento 

ha resi ciechi ai colori – “acromatopsia” si chiama il danno prodotto dal 

diffondersi di un gene misterioso, trasmesso di padre in figlio. Lo 

spettacolo intreccia dramma e commedia, seguendo la traccia del medico 

che prova a sconfiggere, con la passione dello scienziato- missionario, 

quel male terribile che è la “cecità degli affetti” : il male che colpisce in 

ogni tempo, luogo e condizione, coloro che vivono reclusi e privati delle 

fondamentali relazioni umane e affettive. 

“Viaggio all’Isola di Sakhalin” è un progetto ideato da Laura Andreini 

Salerno per la drammaturgia di Valentina Esposito. 

In scena: 

Franco Abate, Ottavio Canarecci, Matteo Cateni, Massimo Coccodrilli, 

Alfonso D’Anna, Fabrizio Diana, Vincenzo Di Letizia, Marcello Esposito, 

Marcello Lorenzini, Marco Marino, Roberto Pedetta, Claudio Piccirilli, Vito 

Pollaci, Roberto Rondoni, Renato Rotondi, Luigi Russo, Paolo Sbrescia, 

Andrea Zaccaria. 

Regia di Valentina Esposito e Laura Andreini Salerno 

Teatro del Carcere di Rebibbia N.C., Via Raffaele Majetti – Roma 

TEL. 069079216 – 0690169196 

50 


ROTHKO. THE LATE SERIES ALLA TATE MODERN DI 

LONDRA | DI SAUL MARCADENT 


di s.marcadent 


595 lettori 

Relazionarsi con le sue opere è 

faticoso e, a tratti, apparentemente 

impossibile. Mark Rothko 

(1903-1970) è tutt’oggi un artista 

poco conosciuto seppur le sue 

opere trovino spazio nei più 

importanti musei d’Europa, Asia e 

Stati Uniti. 

Alla Tate Modern di Londra è attualmente in corso, fino al primo febbraio, 

una retrospettiva insolita che si concentra sulle ultime serie realizzate. La 

fine degIi anni Cinquanta e i disordinati anni Sessanta segnano tappe 

cruciali nel lavoro dell’artista. Lontano dal brusio della Pop Art e dal 

silenzio del Minimalismo e dell’arte Concettuale, egli solca un percorso 

autonomo e indipendente che condensa, rielaborandole, queste correnti 

artistiche. 

Di fronte alle opere di Rothko c’è da poco da capire. Piuttosto, le sue tele 

vanno osservate. E non a caso, lungo il percorso espositivo, Achim 

Borchardt-Hume, curatore della personale, invita lo spettatore a 

soffermarsi su porzioni delle opere in mostra ai raggi ultravioletti, per 

scorgerne quei tratti altrimenti invisibili a occhio nudo. Illuminati 

artificialmente i particolari delle opere rivelano strati di colore, sfumature e 

dettagli impercettibili. Persino le tele bicolore dell’ultima serie Black on 

Gray Paintings mostrano al loro interno fasce e zone dove l’incrocio fra 

grigio e nero dà vita a policromie inaspettate. 

I dipinti di Rothko sono spesso molto grandi e invasivi. Lavorare su uno 

spazio ampio gli permette di entrare nel quadro, viverlo dall’interno. 

Scrive l’artista: To paint a small picture is to place yourself outside your 

experience. However, you paint the larger picture, you are in it. It isn’t 

something you command*. Le pennellate attente di Rothko, come la 

danza “distratta” di Pollock sopra la tela, sono la via tramite cui la 

gestualità e l’io stesso dell’artista s’inseriscono direttamente nell’opera. 

Ampliano il percorso espositivo i bozzetti e alcune fotografie. Gli sketches 

su carta in grafite e acquarelli mettono in luce la meticolosità del lavoro 

dell’artista. Oltre alla precisione lenticolare con la quale egli utilizza il 

colore, essi mostrano un’attenzione assoluta per le proporzioni. Le 

immagini in bianco e nero lo ritraggono, invece, pensieroso di fronte alle 

sue opere. Intorno a lui vive un disordine ordinato e una luce calda e 

strisciante s’insinua fra i colori puri delle tele. 

51 


Artista chiave del Novecento, 

Rothko resta tutt’oggi poco 

compreso dal pubblico. Le sue 

opere, seppur l’iniziale stupore per 

la loro grandezza e per la 

profondità del colore, restano 

troppo spesso mondi esoterici. E 

osservando le foto che lo ritraggono 

di fronte ad esse, con lo sguardo perso nelle traiettorie cromatiche, lo 

spettatore si scopre irritato. Lo pervade una strana sensazione di 

impossibilità e inaccessibilità a un universo tanto affascinante quanto 

lontano e privato. 

Fino all’ 1 febbraio 2009 

* Dipingere su una tela piccola è porsi al di fuori della propria esperienza. 

Quando dipingi un quadro più grande invece, ci sei dentro. E’ qualcosa 

che non puoi comandare. 

1. 

aniase renzo scrive: 


faticoso, perché profondo e complesso: se ti lasci andare lo “senti”! 

52 


IL DESIGN COME RICERCA DELLA LIBERTÀ. YOSUKE TAKI 

PARLA DI ACHILLE CASTIGLIONI, INTERVISTA | DI 

MANUELA DE LEONARDIS 


di Manuela De Leonardis 


887 lettori 

Yosuke Taki, regista di teatro, 

fotografo e videoartista è autore di 

un volume su Achille Castiglioni 

edito in Giappone (Axis, Tokyo – 

novembre 2007); in corso di 

pubblicazione anche la versione 

italiana. Taki è tra gli artisti invitati a 

partecipare alla collettiva “Focus”, a 

cura di Stefano Elena e Chiara Erika Manzi, in collaborazione con la 

Galleria artMbassy di Berlino al MLAC – Museo Laboratorio di Arte 

Contemporanea di Roma (22 gennaio – 27 febbraio 2009) 

Roma. Yosuke Taki (Tokyo 1962, vive a Roma) parla di Achille Castiglioni 

ricordandolo come “un marziano poetico che aveva un qualcosa che 

andava al di là di ogni categoria.” Il loro primo incontro avviene nel 1998. 

L’artista giapponese rimane colpito dalla completa libertà, curiosità, 

energia, e poi il rispetto, l’ironia, il rigore, il grande senso di responsabilità 

del grande architetto e designer italiano (Milano 1918-2002). 

‚”Quest’uomo ci insegna ad essere critici col mondo. Penso che sia 

proprio questa la lezione che ognuno di noi, anche quelli che non 

praticano il mestiere dell’architetto, dobbiamo imparare da lui.”. Taki è 

autore di un volume (che in italiano suona “Achille Castiglioni – design 

come la ricerca della libertà”), uscito in Giappone (casa editrice Axis di 

Tokyo) nel novembre 2007. La prefazione è di Gianfranco Cavaglià, 

collaboratore storico di Castiglioni che con Irma Barni Castiglioni si è 

battuto perché lo studio di piazza Castello a Milano non venisse 

smantellato. Un sospiro di sollievo quando, nel 2006, grazie anche 

all’intervento della Triennale, il luogo si è trasformato in Studio Museo 

Achille Castiglioni. 

Come nasce l’idea del libro su 

Castiglioni diretto al pubblico 

giapponese? 

Castiglioni, naturalmente, è 

conosciuto a livello internazionale 

per i suoi oggetti di design. Per lo 

più è noto questo risultato finale del 

suo lavoro, ma per lo meno in 

Giappone è del tutto sconosciuto il pensiero che c’è dietro. Nella mia 

ricerca ho cercato di analizzare a trecentosessanta gradi tutto il suo 

lavoro, inclusi i “progetti fantasma”. Parlo di progetti mai realizzati, come 

quello di piazza De Angeli a Milano o quello urbanistico sul sistema di 

illuminazione di Torino. Tra gli aspetti meno conosciuti ci sono anche gli 

oltre quattrocento allestimenti, da showroom a grandi mostre, realizzati 

da Castiglioni. Uno dei più belli è quello della mostra “L’altra metà 

dell’avanguardia” (1910-1940), curata da Lea Vergine a Palazzo Reale di 

Milano nel 1980. Mi ha colpito molto questo aspetto scenografico del 

lavoro di Achille Castiglioni, l’approccio teatrale e il grande 

53 


coinvolgimento del pubblico. La sua è una sorta di regia molto attenta 

sugli spettatori. Usava tutti i trucchi possibili per stimolarne la percezione, 

la curiosità, durante l’intero percorso della mostra, soprattutto attraverso 

l’uso della luce. Ho avuto, poi, modo di soffermarmi su alcuni punti in 

comune che ho colto tra l’opera di Castiglioni e quella di artisti, musicisti e 

scrittori contemporanei che stimo profondamente come John Cage o Italo 

Calvino. Del resto lo stesso Castiglioni citava spesso la frase di Calvino: 

“La fantasia è come la marmellata. Bisogna che sia spalmata su una 

solida fetta di pane”. La creatività non basta se manca la metodologia di 

lavoro. 

Il pensiero di Castiglioni sul design era particolarmente critico 

Affermava che la maggior parte del design all’interno della società 

consumistica non è altro che styling, cosmesi di oggetti. Anziché 

migliorare la vita delle persone, ha come unico obiettivo la vendita del 

prodotto. L’approccio personale di Castiglioni, invece, è sempre stato 

diverso, fin dal dopoguerra, quando iniziava l’attività, insieme ai fratelli 

Livio (che si dissociò subito dopo per proseguire autonomamente la 

professione) e Pier Giacomo con cui Achille fu un tutt’uno fino alla sua 

morte, nel 1968. Il momento storico era particolare, tutti volevano dare il 

proprio contributo alla ricostruzione del paese. Il design, come 

l’architettura, erano per lui un impegno sociale per il bene comune, non 

certo per far arricchire qualcuno, che fosse un’azienda o le proprie 

tasche. Non è un caso che Castiglioni non fosse interessato a costruire 

oggetti di lusso. Piuttosto erano di fondamentale importanza gli oggetti di 

uso comune, del quotidiano. La sua vocazione era fare qualcosa per la 

società. Tutti i suoi lavori sono caratterizzati da una forte impronta 

anticonsumistica. 

Nello studio-museo al civico 27 

di piazza Castello c’è un’insolita 

collezione di oggetti del 

quotidiano. 

Questo spazio è particolarmente 

stimolante. Il visitatore si sente a 

casa propria. Del resto, lo stesso 

quando Castiglioni era molto 

accogliente. Cavaglià mi ha raccontato che fin dal ’61, quando vi 

entrarono i fratelli Castiglioni, lo studio era stato progettato non solo come 

luogo di lavoro, ma di incontro. Ci sono una serie di oggetti curiosi e effetti 

ottici decisamente insoliti per uno studio di architettura. Si ha la 

sensazione di entrare in una Wunderkammern. Molti oggetti sono 

conservati in una specie di vetrina magica. Sono per lo più di design 

anonimo e appartengono ad epoche e luoghi diversi, collezionati nel 

corso di tutta la vita: forbici, occhiali, scarpe, giocattoli, radio… 

Qualunque visitatore finisce per ritrovarsi lì davanti. L’architetto li 

utilizzava anche durante le sue lezioni al Politecnico di Milano, 

portandoseli dietro persino in occasione di convegni internazionali. 

Ricordo che nel 1998, la prima volta in cui entrai nello studio in qualità di 

interprete di un gruppo di giornalisti giapponesi, quando gli venne fatta 

una delle solite domande sul “Compasso d’oro”, premio che Castiglioni 

vinse ben nove volte tra il 1955 e il 1989, lui si dileguò senza rispondere. 

Subito dopo tornò con un pò di oggetti della sua collezione. Mostrandoci 

quegli oggetti ci spiegò dove si trova il design o come l’utilizzo nel tempo 

ne determina la forma. Durante quel primo incontro che durò un intero 

54 


pomeriggio mi resi conto di quanto normalmente siamo distratti nei 

confronti degli oggetti che ci circondano. Ma anche di quanto sia 

incredibilmente razionale il lavoro di progettazione “alla Castiglioni”. 

Nello studio sei tornato nel 2002, questa volta per girare un video… 

All’epoca Castiglioni stava già molto male e sua figlia Monica, che è una 

cara amica, mi chiese di fare delle riprese nello studio. L’idea era quella di 

girare un video di documentazione, anche perché non era ancora chiaro il 

destino del luogo. Poi mi fu proposto di riprendere i modellini dei vari 

allestimenti. Un lavoro che si è prolungato per un paio di anni, essendoci 

centinaia di modellini. Solo in un secondo momento sono tornato nello 

studio per i miei articoli, questa volta munito di macchina fotografica e 

taccuino. Lo studio di per sé, insieme al ricordo di chi ha condiviso con 

Castiglioni momenti di lavoro, primo fra tutti Cavaglià, sono stati 

fondamentali per capire il pensiero dell’architetto, la sua linea di 

progettazione rimasta invariata nel tempo. Castiglioni partiva sempre per 

rispondere ad un’esigenza della vita, intuendo addirittura quelle latenti e 

cercando, dopo lunghe ricerche, la soluzione il più possibile minimale. 

Per la mia ricerca sono stati altrettanto fondamentali i filmati, come quello 

realizzato dallo Studio Azzurro di una lezione al Politecnico di Milano nel 

1992, in cui l’architetto tira fuori vari tipi di forbici, analizzandone forma e 

funzione. Memorabile, addirittura esilarante, anche quello della 

conferenza tenuta ad Aspen (Colorado) nel 1989 con una giovane Paola 

Antonelli, oggi curator del dipartimento di Architettura e Design del MoMa 

di New York, che non faceva in tempo a tradurre la valanga di parole 

dell’architetto intento ad insegnare l’essenza dell’oggetto utilizzandolo, 

indossandolo, attraverso suoni e gesti, davanti ad un pubblico 

letteralmente in delirio. 

Le lampade “Arco” o 

“Ipotenusa”, l’interruttore 

“Rompitratta”, il piatto 

“Bavero”… sono tutti oggetti 

dalle forme intramontabili. 

Sì, sono oggetti che non sono 

databili. Sembrano realizzati oggi, 

invece, spesso si tratta di progetti di 

quarant’anni fa. Lo stesso Castiglioni ha spiegato più volte il motivo di 

questa modernità, dovuta al fatto che alla base del progetto c’é sempre 

stata l’utilità. Il lato estetico non è mai stato anteposto a quello funzionale. 

Basti pensare al cucchiaio per la Kraft, progettato insieme al fratello Pier 

Giacomo come omaggio che la ditta dava ai consumatori della loro 

maionese. Il cucchiaio di plastica ha la sagoma dell’interno del barattolo, 

perché anche ogni piccolo residuo potesse essere raschiato via. 

Castiglioni ha fatto anche molti lavori, addirittura ready-made alla 

Duchamp. Utilizzava oggetti della vita quotidiana spostandoli in contesti 

completamente diversi. Uno degli esempi più famosi è lo sgabello 

“Mezzadro”, anche questo ideato nel ’54 insieme a Pier Giacomo, ma 

messo in commercio nel ’71. Altro non è che la seduta del trattore 

ricollocata in una dimensione domestica. con la sola aggiunta di due 

barre, una di ferro e l’altra di legno è diventato un oggetto casalingo di 

grande modernità. 

Immagini: 

1. Mezzadro – foto Yosuke Taki 

Sgabello “Mezzadro” ideato da Achille e Pier Giacomo Castiglioni nel ’54 e in commercio nel ’71 

Photo Yosuke Taki 

55 


2. studio Castiglioni – foto Yosuke Taki 

Uno scorcio dello Studio Museo Achille Castiglioni a Milano 

Photo Yosuke Taki 

3. Roma, Yosuke Taki (foto Manuela De Leonardis) 

Yosuke Taki 


4. disegni oggetti di Castiglioni (foto Manuela De Leonardis) 

Yosuke Taki mostra alcuni progetti dei Fratelli Castiglioni 


1. Mario scrive: 


L’intervista é interessante e stimolante. 

Meriterebbe sicuramente un approfondimento, anche nei confronti 

della figura di Achille Castiglioni e del suo studio a Milano. 

Grazie. 

56 


CAROL RAMA: UNA PASIONARIA AL CASTELLO DI 

LEGNANO | DI BARBARA MARTUSCIELLO 




1.115 lettori 

La mostra di Carol Rama 

Self-portrait al Castello di 

Legnano è uno spettacolo per gli 

occhi e per la mente. Ideata da 

Flavio Arensi, Direttore 

dell’istituzione espositiva, e da 

Alexandra Wetzel, è un 

bell’omaggio ad una pasionaria del 

Novecento: una giovane artista di novant’anni dalla quale c’è ancora 

tanto da imparare sia come professionisti della materia che come 

persone. 

Di questa donna minuta e forte, originale e fiera, una guerrigliera del 

segno e della poetica che attraverso esso si palesa, mi sono occupata più 

volte. 

Mi adirai molto quando, di fatto, le inibirono, non troppo tempo fa, la 

libertà di essere e agire liberamente dichiarandola non più autosufficiente, 

soprattutto dal punto di vista psicologico e mentale… Ricordo, anche,di 

aver fatto un’associazione di idee affiancando Carol ad Alda Merini…Ma 

questa è un’altra storia… 

Quella più pertinente in questo contesto 

riguarda quanto scrissi della sua opera e 

del suo essere complesso e definito. 

Testimoniai, infatti,e lo ribadisco dopo 

aver goduto della bella mostra, che nelle 

sue creazioni -siano disegni, incisioni, 

tempere od olii- la Rama sperimenta con 

veemenza linguaggi artistici portandovi 

aspetti traumatici della vita, della sua vita. La sua attenzione, nello 

specifico, è rivolta ad approfondire i rapporti tra corpo, sessualità e 

identità femminile. 

Negli anni Trenta e Quaranta, quando Carolina ha esordisce e mostra la 

sua creatività al mondo, le sue particolari figurazioni sono malviste perché 

considerate indiscutibilmente ambito di trattazioni tabù, anche se lei le 

rende attraverso quei suoi originali toni grotteschi e, soprattutto, con una 

tale naturalezza da trasfigurarle… Nonostante ciò, incappa nelle maglie di 

un’ottusa censura che, nel 1945, porta le istituzioni a farle chiudere la sua 

prima personale e a sequestrarle i quadri, di fatto trasformandola, agli 

occhi della collettività torinese, in un personaggio scandaloso, pertanto 

molto scomodo. 

Questo non la ferma. 

Dopo una breve esperienza astratta 

nel MAC-Movimento Arte Concreta 

torinese, riafferma ed anzi marca il 

proprio linguaggio visivo fatto di 

immagini visionarie e inquietanti: 

parti di corpi femminili, mani, piedi, 

dentiere, volti, donne interrotte, 

smembramenti, scarpe, letti, sedie 

57 


a rotelle, animali e tanti, tantissimi 

organi sessuali prendono vita 

senza falsi pudori, affiancandosi 

l’uno all’altro e quasi rincorrendosi 

sulla superficie pittorica, ripetendosi negli anni in un furioso ed insieme 

elegante turbinio, per quanto sempre perturbante: in bilico costante tra 

angoscia e ironia, cruda realtà e fiaba. Un pò come è stata ed è la sua 

lunga, intensa, complicata e avventurosa vita. 

La mostra è corredata da un catalogo con testi introduttivi di Giacinto Di 

Pietrantonio (Direttore della Gamec di Bergamo) e di Flavio Arensi; è in 

edizione bilingue italiano/inglese ed è edito da Umberto Allemandi & C. 

Legnano, Castello di Legnano, Via Toselli. 

la mostra è in corso sino al primo febbraio 2009. 

Ufficio Stampa: Elisabetta Benetti, tel. 0331.471244, 

comunicazioni@legnano.org. 

1. 

alina maccanico scrive: 


La adoro! Grazie mille per il bellissimo testo. 

2. Renato M. scrive: 


Ciao barbara martusciello, 

concordo con quello che ci dicemmo tempo fa all’inaugurazione della mostra della Rama: lei e la poetessa 

Merini sono un bel binomio possibile. Mi complimento anche per questo bell’approfondimento. 

3. alex gk scrive: 


come é andata a finire la querelle sull’infermià mentale dell’artista nella quale l’hanno inchiodata a 

Torino?! 

4. aniase renzo scrive: 


La signora straordinaria, Carola Rama, non sta bene di testa, dicono i più.. e la fermano, la 

controllano, la interdicono..: la sua liberà, per la quale ha lottato una vita, ora é praticamente “vigilata”. 

Perché? A che titolo? Chi gestisce la cosa? E’ davvero per il suo esclusivo bene? Ci si augura davvero che 

in questa decisione ci sia solo amore.. 

5. Andrea Emiliano scrive: 


queste erano e son donne, altro che tette-e-culi da Grande Fratello, veline e diavoline! Donne, 

riprendetevi la vostra vita, recuperate amor proprio e fatevi (ri)sentire! (E lo dice un maschietto a cui 

piacciono le femmine, ma Donne, mica bambolotte noiosette viziatelle calcolatrici mortalmente asfittiche e 

monoriferite!!!!!). Grande applauso alla grande artista Carolina! 

6. Giuseppina scrive: 


Che felicità leggere i commenti di Andrea Emiliano, di Renzo e di Renato. Vorrei sentire spesso 

opinioni e pensieri di questo genere da uomini. Da donna vi ringrazio e, ringrazio Carol Rama di esistere. 

7. candido scrive: 


Straordinario esempio di libertà; purissima essenza di vita – arte ed eterno baluardo alle 

“malelingue”. 

Grazie di essere Te:CAROLRAMA 

58 


CAROLA SPADONI: THE SUDDEN OUTPOST | DI LAURA 

CHERUBINI 



inserito in approfondimenti, cinema 

445 lettori 

La riflessione sul cinema attraversa tutto il lavoro di Carola Spadoni. In 

una prima fase come filmmaker realizza video e film come Al confine tra il 

Missouri e la Garbatella (1997) e Giravolte (2001), con le installazioni Dio 

è morto (2003), Live Trough This (2006), Ossi d’eco (2007) si afferma 

un’idea di mise en espace del cinema. The Sudden Outpost, la mostra 

presentata nella galleria di Cesare Manzo a Roma, segna una nuova fase 

nel percorso di lavoro di Carola Spadoni. Attraverso banners, coperte e 

stoffe ricamate, assemblaggi, foto, light box, super 8 e video l’artista ci 

porta sulla pista di un percorso nella cultura popolare italiana, americana 

e indiana. Si tratta di un unico grande assemblaggio narrativo, un lavoro 

basato sull’idea, tipicamente americana, di patchwork. Il riferimento è il 

contesto romano e newyorkese da cui proviene, i viaggi, le passioni 

culturali e il vissuto. Le adiacenze e le contraddizioni che questo percorso 

apre. 

La carta da pacchi è da sfondo a questo avamposto improvviso dove i 

banners riprendono slogan, frasi emblematiche o banali, di recente 

memoria ed attuali, sempre dissacranti e pungenti. I veloci paesaggi 

americani delle light box sono stampe da fotogrammi Super 8 

Kodakrome, un tipo di pellicola che la Kodak non fabbrica più: come molti 

artisti oggi Spadoni sente il fascino di tecnologie obsolete, provenienti da 

un passato prossimo. Un mandala fatto di stoffe (seta, shantung, cotone, 

tulle) e stampe da foto è montato a parete (al MART di Rovereto per la 

mostra Eurasia la stessa formazione concentrica, più grande e dai colori 

variegati era posata a terra): alcune delle foto sono state scattate nella 

capitale del Rajasthan, Jajpur, e presentano immagini di strumenti per la 

misurazione del tempo altre sono state scattate nel deserto del Thar. Una 

delle strategie di lavoro di Carola Spadoni consiste nel rimettere in 

contesto parti di lavoro già fatto, ne sono esempio le foto tratte da Dio è 

morto, un anti-western con una silenziosa ed incessante protagonista 

femminile. Cosi’ come l’intreccio di materiali commerciali, conservati e 

trovati. 

Una chiave di lettura di questa ricca e complessa installazione 

multimediale è in Stay gold, foto scattata in Arizona che l’artista tiene con 

sé da quindici anni. Inquadra una sorta di backstage, il retro di un 

cartellone pubblicitario situato in un luogo marginale, un angolo periferico 

dallo squallido e fascinoso aspetto. Si tratta di uno dei tipici luoghi 

borderline scelti dall’artista, siti reali e mentali al tempo stesso. Stay gold 

è una frase idiomatica americana, un monito a non inaridirsi e a 

mantenere un’integrità, che si allarga dal singolare al plurale, 

dall’individuo alla collettività: “Resta così!”. 

Carola Spadoni è nata a Roma il 16 Febbraio 1969. 

Filmmaker ed artista visiva formatasi a New York dove ha vissuto negli 

anni novanta, ha scritto e diretto un lungometraggio, documentari, music 

videos e cortometraggi selezionati in film festival e rassegne 

internazionali, tra cui la 52a Berlinale, il Chicago Int’l FF, il Torino FF. 

Dagli anni duemila la ricerca nel linguaggio cinematografico l’ha portata a 

realizzare installazioni film e video esposti in gallerie e musei. Nel 2003 è 

tra i vincitori del Premio Giovane Arte Italiana, espone alla 50a Biennale 

59 


d’Arte di Venezia l’opera Dio è Morto che entra a far parte della collezione 

permanente del museo MaXXI di Roma. 

Tra le ultime mostre si ricorda la personale echo’s bones/ossi d’eco per il 

ciclo Artist’s Corner, Auditorium Parco della Musica, Roma 2007. Le 

collettive Collateral: Quando l’Arte guarda il Cinema, Hangar Bicocca 

2007 e Collateral: Quando l’Arte olha o Cinema, Sao Paulo 2008, 

Eurasia, dissolvenze geografiche dell’arte, con il site specific Local & 

Craft, Museo Mart di Trento e Rovereto 2008. Tra le rassegne la 

monografia ‘Carola Spadoni: un artista totale’, a cura della Cineteca 

Nazionale, Sala Trevi Roma 2007. 

Carola Spadoni è in mostra dalla Galleria Cesare Manzo,Roma: 

inaugurazione venerdì 30 gennaio 2009 h 18,30. Fino a sabato 14 marzo 

2009. Sarà edito un catalogo con un testo della curatrice, Laura 

Cherubini, che verrà presentato in occasione del finissage della mostra. 

galleria cesare manzo 

vicolo del governo vecchio 8 – 00186 roma 

t +390693933992 

roma@galleriamanzo.it 

www.galleriamanzo.it 

Orari: dal martedì al venerdì 16-20; sabato 15,30-19 

1. 

2. 

alex gk scrive: 


finalmente Manzo riprende attività interessanti, a Roma, era ora! 

aniase renzo scrive: 


Brava la Spadoni, ci complimentiamo per la scelta di una galleria ultimamente un pò appannata… 



Molto, molto contenti per la curatela della Laura Cherubini, donna e professionista di tutto rispetto, 

acuta osservatrice e penna di talento, che ci auguriamo di vedere un pò più spesso a Roma, e qui su 

questo schermo… 

4. a. s. scrive: 


Inaugura il 30, grande Spadoni, una donna alla conquista (forse) di un sistema maschile e 

prepotente! In bocca al lupo! 

60 


ALDO ROSSI TRA IDENTITÀ ITALIANA LOMBARDA E 

APERTURA INTERNAZIONALE | DI PAOLO DI PASQUALE 


di Paolo Di Pasquale 


846 lettori 

Allo Spazio mostre del Campus 

Bovisa del Politecnico di Milano 

si inaugura, lunedì 26 gennaio 

2009, la mostra Aldo Rossi. 

Identità lombarda e vocazione 

internazionale. Disegni e modelli 

di opere e progetti dell’archivio 

personale di Aldo Rossi dalle 

collezioni PARC – MAXXI, a cura 

di Francesco Moschini. Dopo la mostradell’Accademia nazionale di 

San Luca a Roma (Rossi ne fu eletto accademico dal 1979) una nuova 

iniziativa confronta il segno italiano lombardo e milanese della poetica di 

Aldo Rossi con la sua vocazione internazionale, presentando disegni e 

modelli di architettura elaborati tra il 1964 e il 1997. 

La sede della mostra è strettamente legata ad Aldo Rossi: al Politecnico, 

infatti, egli ha insegnato lasciandovi una eredità profondamente 

significativa della quale, più globalmente, la cultura e l’architettura devono 

essere grati, comunque la si pensi:dal progetto per l’Hotel Duca a Milano 

a quello del complesso alberghiero di Fukuoka in Giappone, dal 

Bonnenfantenmuseum di Maastricht in Olanda agli allestimenti per la 

Triennale al Deutsches Historisches Museum di Berlino, i suoi interventi 

hanno segnato la storia dell’estetica e della funzionalità non solo italiane. 

Lo evidenzia bene questa esposizione attraverso i materiali autografi 

selezionati dalle Collezioni PARC-MAXXI, palesando una vera e propria 

ossessione di Aldo Rossi per gli oggetti, per l’essenzializzazione fino 

all’elementarismo, per un peculiare uso della “variazione scalare che 

modifica le proprietà delle forme e dello spazio”, per l’idea di una città 

costruita per frammenti. 

E’ anche possibile rendersi conto della differenza e delle similitudini 

progettuali traopere pensate e realizzate per il nord Italia (tra i qualil’Unità 

d’abitazione al quartiere Gallaratese del 1969-72, il Cimitero di San 

Cataldo a Modena del 1971-76, la Scuola di Fagnano Olona a Varese del 

1972, il Teatro del Mondo per la Biennale di Venezia del 1979, il Palazzo 

dei Congressi di Milano del 1982-89, l’Aeroporto internazionale di Linate 

del 1991-92),architetture museali anche più contenute (Vassivière e 

Maastricht del 1990) e progetti internazionali come l’Unità residenziale a 

Set‚àö‚à´bal in Portogallo, la Torre di Buenos Aires (1984), il Campus di 

Miami (1986), il Complesso Residenziale e di Uffici di Schlachthuis 

all’Aiae le Case unifamiliari a Monte Pocono (Pennsylvania), entrambi 

del1988; e ancora: i progetti per la Walt Disney di Parigi (pure del 1988) e 

di Orlando (1991). Particolare attenzione è riservata ai progetti e alle 

realizzazioni “tedesche” di Aldo Rossi: il Concorso per la Leipzigerplazt 

(1990), il complesso residenziale in Sch√ºtzenstrasse (1992) e il 

Deutsches Historisches Museum (1988-1989), tra gli altri. 

Aldo Rossi, tra i più importanti architetti e teorici dell’architettura, nasce 

nel 1931 a Milano dove cresce e dove si laurea brillantemente nel 1959. 

Professionalmente, si forma nello studio di Ignazio Gardella e Marco 

Zanuso, collaborando alla rivista”CASABELLA-CONTINUITA’” e ai 

61 


periodici”Il Contemporaneo” e “Società”. 

Dal 1963 è ad Arezzo alla Scuola di Urbanistica, assistente di Ludovico 

Quaroni e poi è a Venezia, all’Istituto di Architettura, assistente di Carlo 

Aymonino. Insegna poi, abbiamo detto, al Politecnico di Milano,a quello di 

Zurigo, all’Istituto universitario di Architettura veneziano e in molte 

università americane. nel 1973 è Direttore della Sezione internazionale di 

Architettura alla Triennale di Milano e dieci anni dopo ha l’incarico di 

Direttore della Sezione Architettura della Biennale di Venezia. Cura 

importanti mostre realizzando, negli anni, come abbiamo indicato, progetti 

in tutto il mondo, dall’Italia alla Germania e in Europa con progetti in 

Giappone e negli Stati Uniti. 

Redige, inoltre, due libri divenuti celebri: quel testo del 1966, 

L’architettura della città e l’Autobiografiascientifica del 1981risultati 

fondamentali pubblicazioni per approfondire la storia dell’architettura del 

secondo ’900. 

Tra i riconoscimenti ricevuti, oltre a mostre sulla sua opera ed omaggi 

internazionali, si annoverano il Pritzker Prize (1990), il Premio onorario 

dell’Aia del 1991, iljeffersn Memorial Award (1992), l’elezione 

newyorkesea Membro onorario dell’American Academy of Arts & Letters 

(1996), il Premio speciale della Presidenza del Consiglio dei Ministri per 

la Cultura, settore “Architettura e Design” (1997). Lo stesso anno di 

questa prestigiosa nomina scompare, lasciandoci opere e un nome che il 

mondo ricorderà con rispetto. 

ALDO ROSSI. Identità Lombarda e Vocazione Internazionale. Disegni e 

modelli di opere e progetti dell’archivio personale di Aldo Rossi dalle 

collezioni PARC – MAXXI. A cura di Francesco Moschini, coordinamento 

di Valentina Ricciuti. 

Inaugurazione: 26 gennaio 2009 – ore 16.30; dal 26 gennaio al 6 

febbraio 2009. 

Spazio mostre del Politecnico di Milano – Campus Bovisa, Via Durando 

10, 20159 Milano. 

Per informazioni: DPA – tel. 02.23995640, dpa.comunicazione@polimi.it 



la foto che avete scelto per aprire questo articolo non é tra le più rappresentative della produzione 

del grande ALDOROSSI ma l’articolo é molto ben scritto, grazie della veloce ma puntuale segnalazione. 



ora sì che ci piace la scelta fotografica! E anche il fatto che ci sia una VERA collaborazione e 

interazione tra i lettori partecipativi… Buon lavoro a tutti e grazie, davvero una gradevole sorpresa! 

3. 

m.s. scrive: 


Ciao Prof, sempre un piacere leggerti! Quando inizia il tuo Corso allo IED? 

62 


IL LAUREATO A TEATRO | RECENSIONE DI FABIOLA 

CINQUE 



inserito in approfondimenti, teatro danza 

1.151 lettori 

Sono andata a vedere al QUIRINO 

a Roma “Il laureato”. A chi ha 

amato il libro, ed ancor più il film 

che uscì circa quarant’anni fa e fu 

una delle più scandalose pellicole 

dell’America perbenista degli anni 

Sessanta e che è diventato ben 

presto un cult, consiglio vivamente 

questo spettacolo. 

La conturbante e tormentata signora Robinson (Anne Bancroft nel film), 

con la celeberrima canzone di Simon & Garfunkel, è interpretata qui da 

una bravissima, bellissima ed in gran forma (presente anche con qualche 

scena di nudo!) Giuliana De Sio. 

Il giovane Benjamin Braddock, che fu impersonato sul grande schermo 

da Dustin Hoffman, è Giulio Forges Davanzati, un bravo giovane attore 

alla sua prima esperienza significativa. 

Per chi poi, come me, è un’appassionata della Moda, sono da segnalare 

gli abiti della la costumista Teresa Acone. 

Il taglio della rappresentazione è molto cinematografico, con numerosi 

cambi di scena. Dulcis in fondo, per deliziare oltre che la vista anche 

l’udito, la colonna sonora è chiaramente ripresa dai brani originali di Paul 

Simon e Art Garfunkel. 

Non era facile rendere un film cult come questo, ma l’esperimento è 

riuscito, lo consiglio vivamente, ai nostalgici e non, a chi l’ha “vissuto” 

tempo fa e alle nuove generazioni che lo troveranno attualissimo 

comunque! 

a cura di Fabiola Cinque 

1. 

2. 

3. 

Andrea Emiliano scrive: 


addddorooooo la rossa accattivante e tosta De Sio! Condivido il giudizio di cui sopra. 

crewRef1 scrive: 


LA MIA PROFESSORESSA!!!! 

r. g. c. e. & t. scrive: 


Ciao professoressa, che bello trovarti qui. Lo spettacolo a noi é piaciuto un sacco! 

63 


REPORTAGE | NELLA NEBBIA DI MILANO È ANCORA 

POSSIBILE EMOZIONARSI TRA I PERSONAGGI E LE STORIE 

DEL CORRIERE DEI PICCOLI | DI RAFFAELLA LOSAPIO 



inserito in photogallery 

1.077 lettori 

XXX 

XXX 

XXX 

XXX 

64 


XXX 

XXX 

XXX 

65 


REPORTAGE | ALFREDO JAAR | CONVEGNO E 

ANTOLOGICA HANGAR BICOCCA, MILANO | DI 

RAFFAELLA LOSAPIO 



inserito in photogallery 

836 lettori 

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67 


1. 

Andrea Emiliano scrive: 


le prime due foto, quelle dei poster d’arte di JAAR sono pazzescamente azzeccate! E’ un grande! 

68 


IL GIALLO E IL ROSA. SHOÀ E HOMOCAUST NEL GIORNO 

DELLA MEMORIA 2009 | DI ISABELLA MORONI 




428 lettori 

Lunedì 26 gennaio sarà il Giorno 

della Memoria 2009. 

E per il terzo anno consecutivo il 

progetto “La Memoria degli altri” 

ideato da Vittorio Pavoncello, poserà 

lo sguardo sullo sterminio dei 

“diversi”. 

“Il Giallo e ilrosa – Shoà e 

Homocaust due genetiche epr uno sterminio” è infatti il titolo dell’evento di 

quest’anno dedicato ad Ebrei ed omosessuali che segue quellidegli anni 

precedenti dedicati ad “Ebrei e Rom” (Auditorium Ara Pacis, 2006) ed 

“Ebrei e Disabili” (Auditorium Parco della Musica, 2007). 

Nella cornice multipiano della Discoteca Qube, lunedì 26 gennaio, dalle 

11 alle 24, la Shoà sarà così ricordata attraverso testimonianze parlate, 

discusse, filmate, raffigurate e interpretate che oltre a tracciare la storia 

passata, cercheranno di disegnare più civili modi di comprensione, analisi 

e dialogo per le persone e gruppi che da sempre hanno costituito fonte e 

stimolo per l’identità europea. 

Tra gli argomenti affrontati negli incontri-dibattito Gianfranco Goretti 

tratterà delle politiche discriminatorie nei confronti degli omosessuali 

durante la seconda guerra mondiale. Si parlerà anche di Genetica e 

Sessualità, a partire dalle riflessioni di Magnus Hirschfeld, una delle figure 

dominanti nell’ambito della difesa dei diritti politici degli omosessuali 

(1868-1935): ebreo, omosessuale e social-democratico, Hirschfeld si 

occupò di studi di sessuologia, espresse il concetto di terzo sesso e 

fondò il “Comitato scientifico-umanitario” e l’”Istituto di Scienze Sessuali”. 

Tra i relatori si segnalano le presenze di Luigi Attenasio, Imma Battaglia, 

Anna Foa, Pupa Garribba, Franco Grillini, Enrico Oliari, Angelo Pezzana, 

Rossana Praitano, Marcello Pezzetti, Marco Reglia e Franco Siddi. 

Il teatro sarà presente con un triplice appuntamento: I sogni e le pietre, 

suggestiva creazione di teatro-danza di Marco Mattolini liberamente 

ispirata alle opere di Primo Levi, Daniela Padoan, Martin Shermann e 

Bertolt Brecht, con Francesco Magali, Raffaella Mattioli, Gloria Pomardi, 

Leonardo Sbragia e Giuseppe Grisafi, coreografie di Gloria Pomardi; Al di 

qua del bene e del male di Marco Belocchi, spettacolo itinerante 

elaborato su testi da Primo Levi, Wiesel, Kertesz, Frank, Bruck e Bassani, 

con un cast di attori formato da Daniela Di Bitonto, Maurizio Palladino, 

Eleonora Pariante, Alessandro Waldergan, Paola Surace, Valter 

Venturelli, Valentina Maselli e Marco Belocchi; La scelta di Turing di 

Vittorio Pavoncello, uno spettacolo su Alan Turing, il noto matematico che 

permise di decifrare i codici crittografati dei nazisti (ENIGMA) 

permettendo così agli alleati di vincere la guerra e in seguito, a guerra 

finita, portato al suicidio perché omosessuale. Protagonisti Bruno 

Maccallini, Toni Garrani, Arianna Lazzaro e Cristina Aubry, musiche di 

Enzo De Rosa, scene e costumi di Toni Saracino. 

Le performance musicali, ispirate alle tragedie dei campi di 

concentramento, saranno espresse da molteplici contesti sonori: il duo 

Neoklassic formato da Enzo De Rosa e Kyung Mi Lee interpreteranno al 

69 


pianoforte e violoncello la composizione Il giallo e il rosa; il soprano 

Monica Benvenuti eseguirà l’opera Nudo di Sylvano Bussotti su testo di 

Aldo Braibanti; Francesco Lotoro e l’Ensemble Musica Judaica 

proporranno un’antologia di musiche “concentrazionarie” scritte dal 1933 

al 1945 dal titolo Musica dell’Uomo di domani; il violinista Marco 

Valabrega e il Trio Dreidel con la cantante Ruth Ejzen in brani tratti dal 

loro ultimo lavoro Eyn, tsvey…Dreidel. 

Il cinema testimonierà il passato “giallo-rosa” tramite una duplice 

proiezione: Grune Rose di Dario Picciau, un film-racconto omaggio a 

Richard Gr√ºne, artista e testimone dello sterminio degli omosessuali 

sotto il nazismo, prodotto da Visions e Arcigay Firenze “Il Giglio Rosa” su 

soggetto e sceneggiatura di Roberto Malini; Paragraf 175, l’opera diretta 

da Rob Epstein e Jeffrey Friedman su testo di Sharon Wood, narrata 

nella versione originale da Rupert Everett: uno straordinario documento 

tragico e commovente che ritrae 6 sopravissuti alla persecuzione nazista 

contro gli omosessuali. 

Le mostre Homocausto, a cura del Circolo Mario Mieli e di Arcigay 

proporranno un buon livello di approfondimento del quadro storico 

sull’approccio del fascismo all’omosessualità e sulla persecuzione delle 

donne lesbiche, con particolare attenzione anche alle discriminazioni 

effettuate nei regimi totalitari (fornito è l’elenco dei paesi che prevedono 

norme contro l’omosessualità). 

L’esposizione sarà affiancata dall’omaggio pittorico Arte e Shoà di 20 

artisti sul tema della Shoà e dell’Homocaust, tra i quali si segnalano 

Eclario Barone, Franca Bernardi, Paola Casalino, Fiorella Corsi, Giorgio 

Fiume, Stefano Frasca, Vardi Kahana, Menashè Kadishman, Lughia, Rita 

Mele, Teresa Pollidori, Eliana Prosperi, Rosella Restante, Giovanni 

Liberatore, Teresa Mancini, Birgitt Shola Starp. 

Per informazioni: ECAD 

Ebraismo Culture Arti Drammatiche 

Via del Portico d’Ottavia 13 – Roma 

Tel. 366 454565 Fax 1786029584 

www.ecad.name – ecad@live.it 

nell’immagine “prospettiva della Memoria” di Birgitt Shola Starp 

70 


PREMIO FURLA: AL VICENTINO ALBERTO TADIELLO, 26 

ANNI, L’AMBITO RICONOSCIMENTO | DI LUCA 

BARBERINI BOFFI 



inserito in approfondimenti, concorsi bandi & premi 

547 lettori 

E’ vicentino, classe 1983, l’artista che ha vinto la 7a ediz. di questo 

Premio Furla, evento tra i più attesi della bolognese Artefiera, 

tutt’ora in corso. 

Stiamo parlando di Alberto Tadiello che, risultato finalista accanto ai 

colleghi Giorgio Andreotta Calò (Venezia, 1979), Meris Angioletti 

(Bergamo, 1977), Giulia Piscitelli (Napoli, 1965), e Ian Tweedy 

(Hahn-D, 1982) li ha sbaragliati sul fil di lana. 

Segnaliamo che il format quest’anno era effettivamente, come 

comunicato, “rinnovato”: un premio italiano di eccellenza a sostegno della 

giovane creatività artistica che ha confermato quanto la sua identità sia 

rintracciabile essenzialmente “nella capacità di crescere ed evolversi con 

un continuo aggiornamento, inteso quale strumento di indagine critica e 

discussione della ricerca artistica contemporanea”. 

L’ambito riconoscimento, ancora più atteso, quest’anno, è andato, 

dunque, a questo già coccolato (dal sistema dell’Arte) ragazzo di 26 anni 

scelto all’unanimità dalla giuria internazionale (Marina Abramovic, 

madrina del Furla 2009; Roberto Daolio, indipendent curator, Alessio 

Antoniolli, direttore Gasworks di Londra; Zdenka Badovinac, direttrice 

Moderna Galerija e del Museum of Modern Art di Lubiana; Hans Ulrich 

Obrist, codirettore della Serpentine Gallery di Londra), che ha incoronato 

TADIELLO dopo il convegno, promosso dallo stesso Premio Furla, 

titolato, non a caso, “Progettare per un artista” e animato dai citati 

componenti della Giuria accanto a Laura Barreca, Chiara Bertola, Daniel 

Birnbaum, Caroline Corbetta, Giacinto Di Pierantonio, Walter Guadagnini, 

Francesco Manacorda, Gianfranco Maraniello, Alessandro Rabottini, 

Pierluigi Sacco, Andrea Viliani. 

Ai cinque artisti finalisti quest’anno era stata chiesta la progettazione di 

una nuova opera e una riflessione ampia sul tema del progettare, 

“cogliendo un punto di criticità particolarmente sentito nel sistema italiano 

dell’arte. L’idea di offrire agli artisti italiani uno spazio concreto per ideare 

nuove produzioni da realizzare e destinare alla fruizione pubblica in un 

contesto museale rappresenta una straordinaria scommessa sul futuro 

che punta sulle ricerche artistiche più decisive nella contemporaneità. 

Questa formula rappresenta inoltre una sfida affascinante anche per 

l’artista, chiamato a mettersi alla prova affrontando un percorso creativo 

finalizzato ad una specifica destinazione”. 

Le motivazioni della scelta di TADIELLO sono molte, ovviamente: “la 

valenza puramente funzionale e allo stesso tempo strutturale dell’opera” 

e “la capacità del suo progetto di far sentire la presenza fisica e 

immateriale del suono provocando una tensione vitale”, e la resa 

“poeticamente manifesta” ai sensi “dell’energia nascosta del reale, la sua 

dimensione di artista inventore che lascia immaginare un futuro ricco di 

nuove idee creative, la facoltà di assorbire e rilanciare l’energia parassita 

del sistema dell’arte”. Scusate se è poco 

Il Premio Furla, ideato da Chiara Bertola è promosso da Fondazione 

Furla, Fondazione Querini Stampalia, MAMbo – Museo d’Arte Moderna di 

Bologna e UniCredit Group con la collaborazione di Viafarini e Arte Fiera. 

71 


Catalogo: Charta, Milano 

Fondazione Furla 

Carolina Profilo, tel. +39 0276075146, carolina.profilo@furla.it; www.furla.com; 

Fondazione Querini Stampalia Onlus | Anna Fantelli, tel. +39 0412711411/2711432, 

artecontemporanea@querinistampalia.org; www.querinistampalia.org. 

MAMbo-Museo d’Arte Moderna di Bologna | Lara Facco, tel. +0516496654, www.mambo-bologna.org, 

lara.facco@comune.bologna.it. 

Ufficio stampa: Studio Pesci, Bologna, tel. +39 051269267, info@studiopesci.it, silvia.tonelli@studiopesci.it, 

www.studiopesci.it. 

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ASPETTANDO LE CELEBRAZIONI DEL CENTENARIO DEL 

FUTURISMO: IL VENDITORE DI FUMO | DI FERNANDA 

MONETA 


di Fernanda Moneta 

inserito in approfondimenti, art fair biennali e festival, arti visive, libri letteratura e 

poesia 

788 lettori 

“Io, vedete, sono un disoccupato 

furbo.”, fa dire Gian Gaspare 

Napolitano ad un personaggio della 

sua commedia in quattro quadri “Il 

venditore di fumo” messa in scena 

la prima volta nel 1929 presso il 

Teatro degli Indipendenti di Roma e 

da poco in libreria (o in rete) a cura 

delle Edizioni Sabinae. 

Anche il libretto è “furbo”, con la quarta di copertina illustrata da uno 

schizzo di Carlo Ludovico Bragaglia che nel 1930 ci restituisce il 

boccascena del Teatro degli Indipendenti, a quei tempi fucina di 

sperimentazione. 

L’introduzione al testo teatrale è invece la ristampa di un articolo di 

Napolitano uscito su “Settimo Giorno” nel 1960. 

Concludono la compilazione alcune foto d’epoca, una delle quali (a 

pag.14) ha più valore affettivo che documentario, data la scarsa qualità, 

che forse, operando meglio in photoshop si sarebbe potuta migliorare, 

Il testo è inframmezzato da alcune interessanti incisioni di Carboni, tutte 

del 1929. 

Conclude il tutto altro materiale iconografico: locandine, ritratti di 

Napolitano realizzati a carboncino (uno) e a china (gli altri), a firma di di 

autori vari (Anselmo Bucci, Bernardo Leporini, F. Ciarletta). 

Una volta Claudio Meldolesi, uno degli storici del Teatro Italiano più lucidi 

e scomodi (vedi l’illuminante “Fondamenti del tratro italiano. La 

generazione dei registi”, edito da Sansoni nel 1984 e subito dimenticato 

dal mercato editoriale), mi disse che il teatro non può essere 

rappresentato se non dal teatro stesso. Per questo, non c’era da 

preoccuparsi troppo di registrare l’evento con fotografie e video: tanto il 

teatro è induplicabile. 

Provai un senso di vuoto perchè appartenevo alla generazione televisiva. 

Erano gli anni 80 e i libri sul teatro in lingua italiana erano pochi e senza 

illustrazioni, fatta eccezione per l’Enciclopedia dello Spettacolo edita dalla 

Siae. 

I testi inerenti il teatro futurista o in genere italiano degli anni 30 e 40, 

erano ancora meno. Vigeva una sorta di superfiltro censorio, non proprio 

palese, ma reale, che impediva di parlare in termini anche solo scientifici 

della cultura di quel periodo. Lo stesso Carmelo Bene si era picchiato in 

un bar d’Ivrea per difendere il suo diritto a portare in scena poeti futuristi 

non-sovietici. Ancora nel 1987, lo spettacolo di atti unici teatrali futuristi 

messo in scena dalla Koinè di Carpi non richiamò grandi folle, che invece 

seguivano la stessa compagnia quando metteva in scena testi ispirati a 

Ubu. 

Erano altri tempi: all’epoca avrei amato un libro come questo. Oggi, 

nonostante l’overdose di informazioni sulle misure del seno di partecipanti 

al Grande Fratello, la generazione di internet, probabilmente sarà 

73 


sorpresa di scoprire che oltre Filippo T. Marinetti, in Italia, c’erano altri che 

facevano sperimentazione in ambito teatrale. 

1. adrea lissi scrive: 


finalmente libero il futurismo da anni viaggia confermando la sua forza e premonizione non solo nel 

campo della cultura. Attendiamo le Celebrazioni per scoprire, rivedere, approfondire, confrontarci su uno 

dei movimenti più importanti che l’arte del Novecento e del Duemila abbia prodotto! 

2. 

asdrubali scrive: 


bel testo bel libro grazie dell’informazione e dell’approfondimento. Utile. 



lo so che non c’entra col suo pezzo, ma lei cosa ne pensa di questa serie di stupri di gruppo? Anni 

fa ricordo che pubblicò un pezzo contro gli stupratori su Paese Sera definendoli “impotenti”. La pensa 

ancora così? Lucia. 

4. u-mix scrive: 


il futurismo fu un bel movimento, si, come altri di quell’epoca. Ma fu paradossalmente statico e 

chiuso su se stesso, Probabilmente l’uso che ne fece il fascismo lo penalizzò molto. 



Il fascismo non usò il futurismo più di quanto non usò tutto il resto. Il fascismo, ai tempi del 

fascismo, era un’ideologia condivisa dalla maggioranza assoluta del paese, compresi tanti che poi si sono 

lavati la faccia e le mani dicendo che in realtà non erano daccordo. 

Ancora con queste interpretazioni da guerra fredda? Andiamo oltre, approfondiamo l’analisi storica. 

Abbiamo perso la guerra, u-mix, l’Italia perse la II guerra mondiale. Fattene una ragione, invece di 

nasconderti dietro la favoletta che noi in realtà eravamo tutti comunisti e democristiamìni senonché c’era un 

cattivone che ci dominava. Nessuno prende e resta al potere da se stesso: ha bisogno del consenso. E il 

fascismo, ai tempi del fascismo era l’Italia. 

6. u-mix scrive: 


Lucia, dal momento che la sua interpretazione e risposta al mio commento é chiaramente di parte 

e faziosa, con alcuni passi molto discutibili, tralascio e dico: l’arte se viene calvalcata da una ideologia ne 

assume le sue sembianze e limiti. Punto e basta. Il resto sono chiacchiere. Come d’altronde la sua risposta 

al mio precedente commento. 



Ma quale parte e quale fazione. Qui si tratta di togliersi il prosciutto dalle orecchie, caro mio. Non 

andremo mai oltre se continuiamo a trattare la storia come un teatrino da psicoanalisti. Se non sa 

affrontare la sconfitta, peggio per noi: se cominciassimo a fare come la germania, che sa di aver perso, 

forse riusciremmo a rimetterci in piedi prima. 

8. Fernanda Moneta scrive: 


Lucia, non c’é nulla che mi saventi di più che l’essere privata della mia libertà personale. Immagina 

cosa penso degli stupratori. All’epoca però, l’immigrazione era fatto raro e limitato. Incideva poco nel 

sociale. Oggi non é così. Non c’é preparazione da parte di etnie diverse, culture diverse, ad accettare la 

donna come essere alla pari. Per tante culture, la donna é una bestia da domare. Per altre, se la donna 

non si veste o comporta in certo modo standard, é come se chiamasse la violenza. Poi c’é l’abuso d’alcol e 

di certe droghe che fa venir fuori il peggio delle persone. Mai andare in giro con persone ubriache o che si 

sa che si ubriacheranno. Meglio soli. I sobri sono tanti: cercateli. Possibilmente fuori dai bar. 

Io credo che ognuno dovrebbe avere il diritto di andare in giro come gli pare, a qualsiasi ora del giorno e 

della notte senza essere in pericolo. Però credo anche che non sia possibile, quando si vive in una nazione 

aperta così com’era Roma nel dopoguerra. Il mio consiglio é: fare come se si fosse in guerra e capire che 

per l’altro, il nemico, siamo prede. Difendiamo la nostra vita. Proteggiamoci. 

9. annamaria scrive: 


Siamo così abituati a pensare in termini di destra o sinistra che se incontriamo una persona 

indipendente (e questa lo é) non la riconosciamo e polemizziamo. Il vecchio detto “o con me o contro di 

me” é sempre valido, in Italia, vedo. Ho fatto bene ad andarmene negli USA. 

74 


ACQUARIO CIVICO DI MILANO – MINIERE DEL SULCIS: 

FOTOGRAFIE DI UN VISSUTO INTERROTTO OSPITATE IN 

UN MUSEO VIVENTE | DI RAFFAELLA LOSAPIO 




508 lettori 

Il museo vivente dell’Acquario Civico di Milano ospita la mostra “Sulcis 

la miniera interrotta“, 

il più recente lavoro del fotografo Fausto Foddai. 

L’esposizione, a cura di Erminio Travaglia, con il patrocinio della 

Regione Autonoma della Sardegna, mette in evidenza un viaggio 

attraverso un vissuto ormai interrotto che racconta la dimensione umana 

della miniera, con i suoi cunicoli, i macchinari, gli spazi istituzionali: 

luoghi particolari che, attraverso l’esperienza quotidiana, la difficoltà, 

l’energia e il sudore di chi l’ha fatta vivere, hanno lasciato un segno 

indelebile nella compagine sociale e persino politica della Sardegna. Le 

immagini, realizzate nella regione del Sulcis-Iglesiente, a sud-ovest 

della Sardegna, interagiscono con i frammenti scritti di Caterina 

Carzedda in un percorso emozionale capace di parlare al visitatore in 

maniera forte e forse contraddittoria. Contraddittoria lo è, del resto, anche 

la realtà di un territorio dove la fatica e il dramma di un lavoro duro e 

pericoloso, malsano e malpagato, si affianca ad una sorta di orgoglio 

incarnato nei lavoratori oggi in pensione e nelle famiglie che hanno 

condiviso questa storia mineraria; loro ma anche la terra di Sardegna, 

devastata da questa storia di sfruttamento in ogni senso, appartengono a 

questo passato che rivendicano e in qualche modo cullano per evirarne 

l’oblio rendendolo, agli occhi del presente, dell’oggi, qualcosa di epico: 

terribile, luminoso ed eroico come ogni epica che si rispetti deve fare. 

L’Acquario Civico e Stazione 

Idrobiologica di Milano, 

progettato dall’architetto 

Sebastiano Locati, fu realizzato in 

stile liberty nel 1906, in occasione 

dell’Esposizione Internazionale di 

Milano per festeggiare l’apertura 

del Traforo del Sempione. 

L’Istituto, cui nel 1908 fu associata 

una Stazione di Idrobiologia, fu 

danneggiato nel 1943 dai 

bombardamenti che colpirono 

Milano e, dopo un ventennio di 

abbandono, fu restaurato e riaperto 

al pubblico nel 1963. 

L’attuale ristrutturazione, durata tre anni, si è conclusa con la riapertura 

nell’aprile del 2006, in occasione del centenario, sotto la direzione 

scientifica del Dott. Mauro Mariani. 

Nelle sue vasche completamente rinnovate l’Acquario racconta la storia 

dell’acqua, dalla sua caduta sulla terra fino al mare. A tal proposito sono 

stati ricostruiti i principali ambienti di acqua dolce e marina che la stessa 

acqua forma nel suo ciclo. Gli ambienti sono prevalentemente italiani ad 

eccezione di una scogliera madreporica del Mar Rosso. 

Le Collezioni scientifiche ricche di reperti, la Biblioteca specialistica con 

75 


oltre 13.000 monografie sull’acqua e circa 1000 periodici e, infine 

l’Archivio fotografico con migliaia di immagini, sono la base indispensabile 

per la ricerca scientifica che si rivolge sia alle acque dolci italiane sia a 

quelle marine nostrane e tropicali. 

In qualità di editore l’Istituto pubblica poi la rivista scientifica “Quaderni 

della Civica Stazione Idrobiologica di Milano” oltre ad una collana dal 

titolo “Cose d’Acqua”. 

La vera grande innovazione è quella di richiedere al visitatore di non 

considerare più l’Acquario come “la casa dei pesci” ma piuttosto il luogo 

dove studiare e conoscere l’elemento che li contiene: l’acqua. Tutto il 

percorso espositivo si svolge, infatti, seguendo l’acqua: dal suo nascere 

come ruscello montano fino al suo riversarsi nel mare. 

Cenni storici sulle miniere di 

Sardegna 

La storia delle miniere di Sardegna 

è storia antica. 

Già nel Neolitico, i primi abitanti 

dell’isola trovarono nell’ossidiana la 

materia con la quale produrre i loro 

arnesi. Sarà invece la cività 

nuragica che per prima scoprirà 

l’impiego del metallo, specialmente 

il rame e lo stagno, dalla cui 

elaborazione nasceranno gli 

essenziali bronzetti. 

Tale prototipo di attività mineraria si 

inserisce in un contesto di 

utilizzazione del territorio 

circoscritta alle necessità 

contingenti. 

Con la dominazione romana ebbe, 

invece, spazio un concetto definito 

di sfruttamento della materia indotto 

dalle nuove tecniche di estrazione e 

da un’ottica di uso del minerale 

estratto al di fuori dei confini del 

luogo di estrazione. 

L’attività mineraria alternò in 

Sardegna periodi di fulgore a lunghi 

secoli di stasi. Le dominazioni che 

si susseguirono considerarono 

anche i bacini minerari come 

territorio da conquistare e 

consumare, catalizzando la totale attività delle genti che abitavano le 

zone interessate così da renderle completamente dipendenti dall’esterno 

per qualunque altra loro esigenza. 

Quando, sotto i Piemontesi, i giacimenti isolani conobbero nuovo impulso 

in virtù della ripresa economica europea, la manodopera impiegata nei 

pozzi aumentò, inglobando al suo interno migliaia di contadini e pastori, 

spinti dalla grande crisi delle campagne a cercare occupazione 

nell’industria estrattiva. Le maestranze minerarie isolane erano in realtà 

sottoproletariato rurale impegnato in mansioni generiche, mentre la 

specializzazione dei ruoli fu affidata a lavoratori provenienti dal 

continente. 

76 


L’incremento produttivo delle miniere (soprattutto quelle ubicate nel 

Sulcis-Iglesiente) andava di pari passo con il sensibile peggioramento 

delle condizioni lavorative dei minatori. Turni di lavoro massacranti, senza 

riposo settimanale e diritto alle ferie, remunerazioni pagate ad arbitrio del 

concessionario, malattie e infortuni costanti, indussero i lavoratori ad 

azioni di lotta spesso spontanee e non organizzate e, non di rado, 

represse con la forza. Il 4 settembre 1904, a Buggerru, intervenne 

l’esercito a sedare uno sciopero che durava oramai da cinque giorni: tre 

operai rimasero uccisi, più di dieci feriti. 

Dal 1930 inizia la lunga crisi del comparto minerario sardo: chiudono i 

primi giacimenti e vengono progressivamente ridotte le maestranze. 

Al finire della seconda guerra mondiale, le miniere poterono continuare a 

produrre grazie alla richiesta di materia prima legata alla ricostruzione del 

paese. 

Tuttavia, già dalla fine degli anni ’50, a causa di una congiuntura 

internazionale sfavorevole, molte miniere dovettero decretare la loro 

chiusura. 

Nel 1968, fu fondato l’Ente Minerario Sardo, sotto il controllo della 

Regione, allo scopo di interrompere il processo di declino dei giacimenti 

sardi. Nonostante l’intervento del capitale pubblico, però, la situazione 

continuò a peggiorare e la crisi investì anche le miniere di carbone. 

Nei primi anni ’80, il comparto minerario fu rilevato dall’ENI ma, oramai, la 

condizione produttiva era irrimediabilmente compromessa. 

Nel 1995 chiuse definitivamente anche l’ultima miniera. 

Nel 1997 l’UNESCO decreta l’area mineraria del Sulcis-Iglesiente 

patrimonio dell’umanità. 

Ancora oggi, però, il primo Parco Geominerario Storico e Ambientale del 

mondo, attende, incompiuto, una piena realizzazione. 

Ciò che rimane, invece, è un territorio depredato e i fantasmi di quanti, 

ancora, vagano nelle buie gallerie abbandonate. 

Dal 28 gennaio al 29 marzo 2009 ore 18:00-21:00 

Mostra fotografica: “Sulcis la miniera interrotta“. 

Fotografie di Fausto Foddai e frammenti di di Caterina Carzedda 

Acquario e Civica Stazione Idrobiologica Milano 

Viale Gadio 2 MM2 Lanza – tel 0288465750 

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FUTURISMO: CENTENARIO | ROMA FESTEGGIA E 

CELEBRA COSÌ | DI LUCA BARBERINI BOFFI 



inserito in approfondimenti, art fair biennali e festival, news 

871 lettori 

26 febbraio – 16 maggio 2009: FUTUROMA FUTURISTA, 100 anni di 

Futurismo.1909 – 2009. 

Sono moltissime leiniziative in procinto di inaugurare, o già in 

corso,organizzate per ricordare, omaggiare ed approfondire uno dei 

massimi movimenti dell’arte al quale tanto, tantissimodi quello che venne 

dopo guardò, si ispirò, che citò o la cui lezione, spesso profetica mise in 

pratica o percorse. Molto di quanto abbiamo visto e vediamo della ricerca 

contemporanea, in ogni campo delle arti e del sapere,deve qualcosa al 

Futurismo, ormai sdoganato, riconsiderato e consegnato alla storia come 

una tra le ricercheartistiche più importantia livello internazionale.Non è un 

caso che un numero notevole di musei e istrituzioni estere abbiano, nelle 

loro Collezioni,opere dei protagonisti di questa viatlissima, luminosa 

avanguardia. 

In Italia e un pò ovunque negli altri Paesi, se ne celebra il Centenario 

della nascita conmostre, convegni, spettacoli, libri, eventi di vario genere 

(vedilink qui pubblicati). Roma non poteva non essere tra le città 

impegnate in questa lunga kermesse celebrativa con ben 46 progetti. Tra 

questi si preanninciano 7 spettacoli teatrali, 6 presentazioni di libri, 5 

mostre, 5 convegni multimediali, 4 mise en éspace, 2 progetti di 

intelligenza artificiale, 2 seminari di studio, 2 happening urbani… 

Naturalmente, anche un collegamento con “Le Figaro” a Parigi; e 

ancora:un’opera video-sonora, un progetto di spettacolazione urbana, un 

concerto, un’opera-balletto,un progetto performing-media, una mostra di 

libri antiquari, un happening giovanile, una rassegna jazz, una pellicola 

capolavoro restaurata, una performance artistica, un documentario 

storico, un film su Marinetti e una rassegna cinematografica. 

Sulla carta, possiamoessere soddisfatti dell’attenzione che la 

Capitaleriserva al “nostro” Futurismo che qualche mese fa i francesi 

hanno tentato di rivendicare come loro… 

Da quel lontano 20 febbraio 1909 sono passati cento anni e Roma, in 

concomitanza con altre capitali europee e altre città italiane, si prepara a 

celebrare il primo secolo di vita del movimento con”FUTUROMA 

FUTURISTA” che,appunto,dal 20 febbraio 2009 enei mesi 

successivi,coinvolgerà l’intero territorioproiettandolo“nel dinamismo, nella 

velocità e nella fantasia creativa di uno dei più straordinari movimenti 

artistici del ventesimo secolo” rilanciando gli elementi di attualità e 

modernità che lo caratterizzano e valorizzando il suo messaggio artistico. 

Dobbiamo ricordare la sua storia e la sua parabola? 

Il 20 febbraio 1909 lo 

scrittore Filippo Tommaso 

Marinetti pubblicava sul 

prestigioso quotidiano 

parigino “Le Figaro” il 

Manifesto del Futurismo, 

proclama fondante di un 

movimento innovativo e 

rivoluzionario che avrebbe sovvertito i parametri di gran parte della 

78 


poetica del primo Novecento; un movimento destinato a permeare ogni 

forma artistica con teorie e suggestioni che percorreranno la vita 

intellettuale dell’intero secolo. “Nasceva così la più fertile avanguardia 

italiana, caratterizzata da un radicale rifiuto del passato e della tradizione, 

ambiziosa di conferire alla propria azione di rinnovamento una 

dimensione totale, travalicando ogni confine tra i generi artistici 

(letteratura, teatro, pittura, scultura, musica, danza) per immergersi in 

ogni ambito moderno della vita sociale e del costume (cinema, design, 

pubblicità, arredamento, gastronomia, fotografia, architettura, moda). 

Nell’èra della rivoluzione tecnologica, del trionfo della macchina, del 

vapore e dell’elettricità, della grande industria e del progresso, il 

Futurismo coltiva il mito della velocità e del dinamismo, affermando la 

visione di un uomo nuovo fortemente proiettato nel futuro, in un futuro 

inteso come conquista, come traguardo di un agonismo esistenziale che 

si realizza nell’elaborazione di forme espressive radicali e non 

conformiste”. 

Non lo scopriamo oggi, ma ribadiamo come quella futurista sia stata una 

vera e globalerivoluzione culturale che, come hanno sottolineato 

inconferenza stampa gli organizzatori della kermesse: “interesserà l’intero 

spettro delle moderne forme espressive. Si può affermare che con il 

Futurismo nasca il concetto odierno di pubblicità e di comunicazione 

globali. Marinetti utilizzerà strumenti promozionali sino ad allora 

sconosciuti nonché le più rivoluzionarie tecniche della diffusione 

editoriale. Si pensi, in tal senso, alla stessa dirompenza dell’atto fondativo 

del movimento: un manifesto pubblicato su uno dei principali quotidiani 

della città più cosmopolita d’Europa; e all’impiego che dei manifesti in 

generale – veri e propri strumenti di elaborazione pubblica delle molte 

rivoluzioni del gruppo – verrà fatto nel tempo. Lo stile innovativo – la 

nuovissima forma del proclama - che impiega un linguaggio e una 

sintassi spesso sovvertiti, la facile riproducibilità e la distribuzione 

capillare per la strada o addirittura porta a porta – secondo l’idea futurista 

di portare l’arte nella vita quotidiana – fanno del manifesto uno strumento 

unico, assolutamente innovativo e di forte impatto mediatico”. 

Segnaliamo di seguito i principali eventi promossi 

dall’amministrazione comunale che si svolgeranno in 

data 20 febbraio 2009. 

Aprirà al pubblico, eccezionalmente fino all’una del 

mattino, la mostra di Didier Ottinger FUTURISMO. 

AVANGUARDIA-AVANGUARDIE in programma fino al 

24 maggio alle Scuderie del Quirinale, realizzata in 

collaborazione con il Musée National d’Art 

Moderne/Centre Georges Pompidou di Parigi e la Tate Modern di 

Londra. 

Si inaugurerà alle ore 18.00 al Macro Future la mostra FUTURISMO 

MANIFESTO 100X100 a cura di Achille Bonito Oliva e interamente 

dedicata al linguaggio e allo stile dei Manifesti Futuristi. 

Alle ore 18.30 a Piazza Orazio Giustiniani c’è DA MACRO A MICRO: 

ROMA CHIAMA PARIGI, a cura dell’Associazione Culturale Micro, 

dove sarà allestito un collegamento con la redazione de “Le Figaro” 

per festeggiare insieme il centenario. 

In collaborazione con la Fondazione Memmo in Palazzo Ruspoli, su 

Via del Corso, sarà aperta al pubblico PRESENTISM, TIME AND SPACE 

IN THE LONG NOW, un’istallazione del grande artista Brian Eno 

appositamente creata per Roma futurista, con la quale l’artista britannico 

79 


proporrà una sorta di gemellaggio poetico con le idee e le visioni futuriste. 

Alle ore 19.30 in Piazza Colonna è prevista la spettacolare e irripetibile 

performance PITTURA ESTREMA del pittore Giuliano del Sorbo che, 

con l’ausilio di tecniche alpinistiche, dipingerà una grande tela posta sulla 

facciata di Palazzo Wedekind, sede del quotidiano “il Tempo”, a parecchi 

metri di altezza e sotto gli occhi del pubblico, accompagnato dalla 

esecuzione dell’op. 30 “Inno alla vita” del compositore futurista Francesco 

Pratella realizzata dal Duo Diaghilev. 

Dalle 21.15 fino all’alba Piazza Venezia e Piazza del Popolo saranno 

collegate dalla luce grazie al progetto NUOVE IRIDESCENZE del regista 

Giancarlo Cauteruccio. Piazza Venezia si trasformerà in un Laboratorio 

per l’addestramento della luce, la cui colonna sonora sarà costituita dai 

suoni e dai rumori effettivi della piazza, mentre con Onde di luce 

1909-2009 a Piazza del Popolo sarà inscenata una suggestiva danza di 

luci che fungerà da asse portante della drammaturgia curata da Gioia 

Costa. 

A Piazza San Lorenzo in Lucina alle ore 21.15 e alle ore 23.00 sarà di 

scena VISIONI SIMULTANEE, per la regia di Alessandra Vanzi e Marco 

Solari, uno spettacolo basato sull’energia, sulla simultaneità e sulla 

sorpresa, con la performance di un nutrito gruppo di artisti di teatro, 

danza, musica, video, arti visive. 

Il 20 febbraio ore 22.00 e 23.30 ed il 21 febbraio ore 21.00 e 22.15, si 

svolgerà presso la Galleria Alberto Sordi, DONNE VELOCIT‚àö√Ñ 

PERICOLO, di Francesco Sala, Viola Porcaro, Edoardo Sylos Labini, 

uno spettacolo teatrale dichiaratamente neo-futurista ispirato a tre 

romanzi meno noti di Marinetti e supportato dall’enorme lavoro di ricerca 

di Luce Marinetti, che ha messo a disposizione documenti originali ed 

inediti, schizzi e fotografie appartenuti al padre. Ambientato su una 

locomotiva nei primi del ’900, propone un ritratto dell’uomo futurista 

italiano – spavaldo ed umorista seduttore – tra declamazioni di bizzarre 

parole, sensazioni tricolori e impeti furoreggianti. 

Dal 20 febbraio prenderanno il via in 10 spazi della Capitale due progetti 

che si avvalgono delle più moderne tecnologie. Il primo è MARINETTI4 

(MARINETTI ALLA QUARTA), un progetto tecnico V-Minds ideato, 

sceneggiato e diretto da Lorenzo Pizzanelli. Si tratta di una incredibile 

performance-installazione-video-interattiva, che consentirà al pubblico di 

dialogare in tempo reale con un modello di Filippo Tommaso Martinetti 

dotato di intelligenza artificiale. 

Il secondo è FUTURTAL, di Andrea Paoloni e Giordano Bruno Guerri, 

che consentirà di ricevere informazioni audio-video sul futurismo presso 

vari “totem” dotati di apposito software e opportunamente stimolati da 

interrogazioni vocali, in virtù di un sistema di sintesi della voce e di un 

avatar che risponderà alle domande. 

L’antico Tempio di Adriano, in Piazza di Pietra, si trasformerà nel 

PERFORMING MEDIA.POINT, un ambiente interattivo, a cura di Carlo 

Infante/performingmedia.org in collaborazione con Promoroma 

(Azienda Speciale della Camera di Commercio di Roma), dove navigare 

nel geoblog (www.geoblog.it/futur) attraverso le mappature dei luoghi 

della memoria futurista a Roma e degli eventi in progress, in architetture 

digitali ed esperienze immersive nel virtuale, per tracciare una relazione 

tra l’esperienza storica del Futurismo e quella del futuro digitale. 

Il Museo del Louvre presenta IL PUGNO DI BOCCIONI, una libera 

serata futurista dalle ore 20 in poi tra Vicolo della Reginella e piazza 

Mattei. Sulla strada, in piazza ed in quattro negozi sarà ricreata una 

80 


scenografia futurista e un ambiente antipassatista con installazioni, 

cucina, teatro, sartoria, musica, proiezione di film. 

La Libreria Arion e la Libreria Antiquaria Philobiblon realizzeranno 

AEREALIBRARIA presso la Libreria Montecitorio, mostra antiquaria di 

volumi futuristi, che resterà aperta al pubblico fino all’11 aprile. 

Una piccola, importante vigilia sarà offerta il 19 febbraio dalla 

Compagnia teatrale Il Gruppo diretta da Edoardo Torricella, che, nel 

quartiere delle Torri, presenterà a partire dalle 18.30 fino alla 

mezzanotte SCAGLIAMO UNA VOLTA ANCORA LA NOSTRA SFIDA 

ALLE STELLE!, un happening di futurismo in periferia con letture dei 

manifesti, proiezioni video, teatro e musica futurista, che si svolgerà 

anche il 20 febbraio. 

Dopo il 20 febbraio continueranno 

a Roma le celebrazioni per il 

centenario del primo Manifesto 

Futurista con numerose altre 

iniziative. 

Quattro notti di jazz ispirate alla 

musica e alla cultura futuriste si 

svolgeranno dal 24 al 28 febbraio 

presso lo storico AlexanderPlatz JazzClub nell’ambito del progetto 

BALLA CON DEPERO! con diverse band musicali coordinate dal 

maestro Marcello Rosa. 

I musei di Villa Torlonia presentano al Casino dei Principi la mostra 

L’ARTE DELLA PUBBLICIT‚àö√Ñ. IL MANIFESTO ITALIANO E LE 

AVANGUARDIE 1920-1940, che dal 25 febbraio illustrerà l’evoluzione 

dell’arte della pubblicità attraverso manifesti e sculture delle avanguardie 

artistiche tra il 1920 ed il 1940. 

Nella Sala Cinema del Palazzo delle Esposizioni saranno proiettati due 

filmati in anteprima. Il 21 febbraio il documentario inedito SULLE 

TRACCE DEL FUTURISMO, recuperato e restaurato dall’Archivio 

Carlo Erba di Roma a cura di Marco Rossi Lecce e di Francesca 

Franco, e il 6 marzo il film THAIS di Anton Giulio Bragaglia, presentato 

dall’Associazione Culturale ROUTE 66, con musiche dal vivo del 

Maestro Sylvano Bussotti. 

Dall’1 al 3 aprile il Nuovo Cinema Aquila presenta la rassegna di 

cinema futurista AL CENTRO DI UN QUADRO. 

Il 5 aprile inaugura la mostra IL FUTURISMO IN AMERICA LATINA a 

cura dell’Istituto Italo-Latino Americano con opere di Enzo Benedetto 

e di Emilio Pettoruti. 

Dal 9 aprile al 31 maggio nello Spazio Arte dell’Auditorium Parco 

della Musica si svolgerà la mostra a cura di Claudia Salaris 

PENTAGRAMMA ELETTRICO Suoni, rumori e parole in libertà, che 

ripercorre la storia del futurismo dal punto di vista musicale, attraverso 

l’esposizione di materiali e documenti originali, e l’ascolto di registrazioni 

di musica e canzoni futuriste. 

La Casa delle Letterature e Arcipelago Italia propongono incontri 

tematici sul Futurismo nell’ambito dell’iniziativa IL FUTURISMO E IL 

MONDO NUOVO a cura di Arnaldo Colasanti, Massimo Cinque e 

Maria Ida Gaeta, presso il Teatro Studio dell’Auditorium Parco della 

Musica nelle date del 26 gennaio, 24 febbraio, 30 marzo e 14 aprile. 

Il 18 e 19 aprile alle ore 21 il Teatro Brancaccio propone Il poeta 

Straniero ovvero STRANIERO UGO,di Maurizio Costanzo e Enrico 

Vaime con Roberto Herlitzka, Nancy Brilli e la RIMBAMBAND, per la 

81 


egia di Marco Mattolini. Una celebrazione della poesia e del teatro 

futuristi, attraverso la storia totalmente inedita di un poeta futurista, Ugo 

Straniero, che non ebbe grandi riscontri in vita e morì, poco più che 

sessantenne, facendo il bibliotecario. 

Dal 7 al 10 maggio il Teatro 

dell’Opera di Roma propone lo 

spettacolo FUTURISMO THE BAD 

BOYS OF PIANO con musiche di 

Savinio, Lourié, Casella, Mortari, 

Mix, Casavola, Giuntini, Antheil. 

L’esecuzione pianistica di Daniele 

Lombardi si fonde con i colori, le 

luci, la danza e i filmati, ricreando un clima di nuova spettacolarità in 

sintonia con quanto Marinetti ebbe modo di teorizzare nei suoi manifesti 

futuristi. Con Ileana Citaristi, Tadashi Endo, Carla Fracci, Maximilian 

Nisi, il soprano Susanna Rigacci e il corpo di ballo del Teatro dell’Opera. 

Anche la nona edizione della nota rassegna di musica elettronica e arte 

digitale DISSONANZE, che si svolgerà l’8 e il 9 maggio presso il Palazzo 

dei Congressi e l’Ara Pacis, rivolgerà quest’anno particolare attenzione 

alla poetica futurista. 

Sempre nel mese di maggio, l’amore segreto e le lettere fra Umberto 

Boccioni e Vittoria Colonna saranno narrate dallo spettacolo UNA 

PARENTESI LUMINOSA, a cura di Giancarlo Cauteruccio e Gioia 

Costa. 

L’Associazione Culturale Diritto e Rovescio presenterà invece 

CONCERTO A 2 VOCI con Roberto Herlitzka, uno spettacolo di 

straordinaria suggestione ispirato a testi di Marinetti, Settimelli, Corrà, 

Boccioni, Balla e Cangiullo. 

L’ATDC offrirà inoltre una SERATA FUTURISTA, rievocazione delle 

mitiche serate futuriste, sempre in bilico fra il gioco e la rissa, fra la 

battaglia di idee e la beffa, con Giuseppe Pambieri e Sabrina Negri, per 

la regia di Giovanni Antonucci. 

Music Theatre International propone, poi, LA DIVINA MARCHESA 

CASATI, progetto dedicato a una delle muse ispiratrici del Futurismo, la 

Marchesa Luisa Casati. 

Punto di riferimento dell’estetica futurista, l’aeroplano rappresenta per 

Marinetti il simbolo della velocità che permette di realizzare il sogno 

dell’uomo di liberarsi dalla schiavitù della gravità, forza passatista. Così, 

nell’ambito delle celebrazioni per il centenario, ben si inseriscono tre 

iniziative dell’Aeronautica Militare. Il 30 marzo a Centocelle la mostra 

“1909-2009 centenario del primo volo in Italia”, nel mese di maggio la 

mostra “100 anni del volo”, a giugno presso il Palazzo Aeronautica 

una mostra in collaborazione con l’Università di Valle Giulia su 

“Aeromoda Futurista”. 

Una serie di libri futuristi saranno infine presentati al pubblico nel corso 

delle celebrazioni romane per il centenario della nascita del movimento: 

FUTURISTE ITALIANE NELLE ARTI VISIVE di Mirella Bentivoglio e 

Franca Zoccoli (De Luca Editori d’Arte); MARINETTI di Giordano 

Bruno Guerri (Mondadori), CACCIATORE DI IMMAGINI di Mario 

Verdone (Memori Editore), FUTURISTE. LETTERATURA-ARTE-VITA a 

cura di Giancarlo Carpi (Castelvecchi); BOCCIONI DA VICINO di Gino 

Agnese (Liguori Editore); I FUTURISTI E LA QUADRIENNALE Autori 

Vari (Electa Editrice). 

FUTUROMA è un progetto realizzato dal Comune di Roma, Assessorato 

82 


alle Politiche Culturali e della Comunicazione, con il coordinamento 

organizzativo di Zètema Progetto Cultura, in collaborazione con il 

Ministero per i Beni e le Attività Culturali e con il Ministero degli Affari 

Esteri, in base a quanto previsto dal memorandum del luglio 2007 che 

prevede la circuitazione degli eventi organizzati dal Comune di Roma 

all’interno degli Istituti Italiani di Cultura all’estero. 

Informazioni su FUTUROMA, contact center del Comune di Roma 

060608, tutti i giorni dalle ore 9.00 alle ore 22.30, oppure navigare sul sito 

web. Ufficio Stampa Zètema Progetto 

Cultura,p.morici@zetema.it,g.alessio@zetema.it; www.zetema.it. 

1. 

a. s. scrive: 


Una meraviglia! Grazie Roma. 



vi ricordate, voi che avete studiato Storiadell’Arte solo sull’ARGAN, testo unico per noi studenti di 

anni fa, le pochissime righe sul Futurismo? Che indecenza, che miopia!!!! 

3. asdrubali scrive: 


…e pensare che in anni lontani -ma non della pietra- se ne parlava sussurrando, vietato 

considerarlo un movimento tra i puiù importanti della cultura, in Italia! Che ridicoli imbecilli! Finalmente ora 

un’approfondimento a tutto campo per celebrare, sì, ma anche per ricordare, capire, sapere più e meglio. 

Questo é il modo per crescere intellettualmente come Paese, e per dare ai cittadini informazione, cultura, 

amore per le arti! 

4. 

5. 

Ida Gerosa scrive: 


Fnalmente anche Roma si sveglia e comincia a far parte del mondo copntemporaneo… 

u-mix scrive: 


é deprimente l’attenzione al Futurismo solo perché é il centenario della sua nascita. 

83 


FOCUS ON VITERBO 1. ARTE CONTEMPORANEA VS LA 

CITTÀ | DI ERICA MARINOZZI 




614 lettori 

Occhi puntati su Viterbo, con la 

prima parte di questa panoramica 

che ha lo scopo di far conoscere le 

modalità attraverso le quali l’arte 

contemporanea sta cercando di 

definire il suo spazio anche nella 

Tuscia grazie al lavoro di ancora 

pochi operatori che con coraggio e 

passione si mettono in gioco misurandosi con una realtà difficile, se non 

impossibile. Si perché parlare di un’arte diversa da quella medievale o 

moderna e tentare un approccio allo sperimentale fino a qualche anno fa 

era quasi come compiere un sacrilegio. Valga come esempio quello che 

accadde undici anni fa in occasione della mostra “Adieu” organizzata 

dalla Galleria Ugo Ferranti di Roma presso l’ex chiesa cinquecentesca 

di S. Giovanni Battista degli Almadiani trasformata nel corso degli anni in 

sede espositiva peraltro non particolarmente funzionale. Le installazioni 

permanenti degli artisti Daniel Buren, Sol Le Witt e Jannis Kounellis 

destarono talmente tanto scalpore che il consiglio comunale di allora optò 

per la cancellazione, nel vero senso della parola¬¨œÄ. Perdita immensa 

non solo per il loro valore ma anche per lo splendido esempio di “dialogo” 

tra antico e contemporaneo attualmente tanto in voga all’interno delle 

città. Ma erano altri tempi. 

In effetti sembrano passati secoli se si pensa che oggi sono in gran parte 

le istituzioni viterbesi a valutare, selezionare e finanziare i progetti relativi 

all’Arte e alla cultura contemporanea. Principalmente l’Assessorato alla 

cultura della Provincia con il bando di concorso per i contributi per 

la cultura (scadenza febbraio 2009) e l’altrettanto importante bando 

della Fondazione Carivit che persegue tra i propri fini istituzionali anche 

un particolare intervento nell’ambito dell’arte, delle attività artistiche e dei 

beni culturali. Fondi che, secondo l’opinione diffusa e quanto sostengono 

le associazioni che hanno preso parte ai bandi 2008, nella maggior parte 

dei casi coprono solo in parte le spese sostenute per la realizzazione e 

che quindi “limitano” l’evento in mancanza di una forma di finanziamento 

privata o sponsorizzazione. 

Parlando di Associazioni, c’è da menzionare l’Associazione 

Universitaria Spatrimonio, nata all’interno della Facoltà di 

Conservazione dei Beni Culturali di Viterbo dell’Università degli 

Studi della Tuscia, riesce solo in minima parte a far fronte alla 

mancanza di una seria rete universitaria creatrice e promotrice di azioni 

ed eventi culturali e d’arte. Opera nella tutela e valorizzazione e tra le 

varie attività organizza convegni, dibattiti ed eventi culturali e artistici. Ne 

è un esempio il progetto Cantieri d’Arte. La manifestazione, che 

quest’anno festeggia il suo quinto compleanno utilizza l’arte 

contemporanea per indagare la tematica del rapporto arte-città operando 

in luoghi non istituzionali: dal quartiere medioevale della prima edizione 

all’intero centro urbano di “Ridisegnare i Luoghi Comuni“ con interventi 

site specific degli artisti e architetti 0100101110101101.ORG, 

Abbominevole, Com.plot S.Y.S.tem, Ozmo, Franco Menicagli, Alex 

84 


Pinna, Stalker e Paul Wiedmer che hanno creato notevole scalpore a 

livello nazionale e locale. 

Con “La città dei biSogni” titolo 

della terza edizione curata da Isabella 

Aquilanti, Paolo Martore, Marco 

Trulli e Claudio Zecchi, alla quale 

hanno preso parte gli artisti Elena 

Arzuffi, Davide Bertocchi, Botto & 

Bruno, Santiago Cirugeda, Paolo 

Chiasera, Sarah Ciracì, Com.plot 

S.Y.S.tem, Paola Di Bello, E’xtra 

paysage, Exyzt, Thorsten Kirchhoff, 

Eva Marisaldi, Stefano 

Mandracchia, ON/Stalker, Nicoletta 

Sandrine, Franco Scognamiglio, 

Sabrina Torelli , S.O.S. Workshop, 

Luca Trevisani e Dubravka Vidovic, 

Cantieri d’Arte comincia ad essere impostata con una serie di quattro 

programmazioni durante tutto l’anno associate a conferenze, dibattiti, 

proiezioni video e interventi artistici non più esclusivamente site specific. 

E infine l’edizione 2008 “Visioni Urbane Contemporanee” a cura di 

Marco Trulli e Claudio Zecchi, ancora una volta articolata in diversi 

eventi con gli artisti Elena Arzuffi, Flavio Favelli, Andrea Mastrovito, 

Laboratorio Saccardi, Andrea Salvino che hanno offerto una lettura 

della città legata ad approccio più visivo-percettivo, una città 

contemporanea e pop che si nutre di suggestioni di tipo utopico e 

visionarie. Inoltre per la prima volta è stato associato alla manifestazione 

un concorso per giovani artisti per lo special project “Spazi Manifesti” 

vinto dall’artista romano Sebastian Comelli. Per il 2009 Cantieri d’Arte 

realizzerà “s(PIAZZA)menti” l’ultima parte di Visioni Urbane 

Contemporanee in collaborazione con il Comune di Viterbo: 

un’installazione permanente del gruppo A12, una rievocazione 

emozionale attraverso un sistema sonoro che riproduce il suono delle 

acque del fiume Urcionio nel sottosuolo. E poichè cinque anni sono tanti 

ed è tempo di bilanci, è in preparazione un video-dossier con interviste 

agli artisti. Ma si pensa anche al futuro con un ambizioso progetto: la 

realizzazione di un network di scambio e relazioni con altri progetti d’arte 

contemporanea nello spazio pubblico del Lazio. 

Nel capoluogo della Tuscia c’è 

un’altra realtà che sta crescendo e 

lascia ben sperare e della quale 

abbiamo già parlato poiché è da poco 

terminata la seconda edizione. Si 

tratta di AMBIENTARTI evento d’arte 

per l’educazione ambientale 

organizzata dall’Assessorato 

all’ambiente della Provincia di Viterbo 

in collaborazione con gli Assessorati 

provinciali al Turismo e alla Cultura 

e curata da Cristina Antonini e 

Davide Sarchioni. Come si deduce dal titolo stesso, la tematica è 

principalmente rivolta all’ambiente, indagato attraverso opere di giovani 

artisti contemporanei. La prima edizione, dedicata ai cambiamenti 

climatici, si è svolta in due appuntamenti, rispettivamente in estate 

85 


all’Orto Botanico dell’Università della Tuscia e in autunno nella pittoresca 

cornice del Palazzo Doria Pamphilj a San Martino nel Cimino in provincia 

di Viterbo. Quattro le mostre (“AmbientArti” di arte contemporanea, “Ad 

Ogni Latitudine: storia e paesaggi per immagini” di fotografia, “La 

Voce Del Fiume: gli insetti raccontano la qualità delle acque” di 

didattica e infine “La Casa Ecologica” offerta dalla Regione Toscana) e 

la partecipazione dei seguenti artisti, la maggior parte dei quali gravitano 

nell’ambiente viterbese: Paul Wiedmer, Corrado Nucci, Igor Imhoff, 

Patrick Alò, Lapo Simeoni, Cristina Antonini, Davide Sarchioni, 

Maurizio Aprea, Nemanja Nikolic, Margherita Levo Rosemberg, 

Francesco Varesano, Gianni De Paoli, Stefano Di Maulo, Manuela 

Feliziani, Marco Minotti, Andrea Sterpa, Federico Pacini, Federica 

Chimenti, Mauro Sergio Neri Da Silva. 

La seconda edizione da poco terminata, ha affrontato come tematica una 

riflessione sull’arte che si inserisce nell’ambiente e comporta una rilettura 

e un approccio diverso sia che si tratti dell’esterno (“Ambiente-Outside” 

a maggio presso l’Orto Botanico di Viterbo) sia negli interni (Habitat – 

Ambiente 1 a Palazzo Gentili sede della Provincia di Viterbo, 

Landscapes / Inscapes under construction-Ambiente II a Palazzo dei 

Priori, sede del Comune di Viterbo e infine Project Room Ambiente III 

presso l’ex Tribunale con relativa Chiesa tutti all’interno del centro storico 

della città). Lo stile della manifestazione è piaciuto talmente tanto che, 

per questo 2009, qualcosa del genere sembra verrà realizzato anche a 

Siena, fortemente voluto, pare, dal Comune di Siena con la 

collaborazione di SMS Contemporanea (per chi non lo sapesse è il nuovo 

nome del Centro Arte Contemporanea di Palazzo delle Papesse), ma 

ancora è tutto ufficioso e non ufficiale. 

Non mancherà ovviamente l’edizione viterbese che ormai punta a 

diventare un must e questa volta come ci dice Davide Sarchioni uno dei 

curatori, sceglierà come sfondo le bellissime piazze viterbesi e un tema 

molto attinente alla luce. Questo per quanto riguarda l’estate…: per 

l’inverno ci sarà tempo! 

1 – Ne parla Marcello Carriero nel catalogo “Iperluogo e Altri Luoghi”, 

Border Image, Collana di Cultura Visiva Contemporanea, Ed. King, 

Viterbo 2007 

Risorse Online: 

Sito della provincia di Viterbo www.provincia.vt.it 

Sito della Fondazione Carivit www.fondazionecarivit.it 

Link per l’Associazione culturale Spatrimonio www.unitus.it/beni/index.php/studenti/associazioni 

/spatrimonio 

Cantieri d’arte www.cantieridarte.org 

Ambientarti www.ambientarti.eu 



ma che buffo, pensavamo che Viterbo fosse del tutto morta, invece qualche segno di vitalità 

culturale c’é… Stando nell’hinterland, queste notizie ci rallegrano. Grazie. 

2. 

Erica Marinozzi scrive: 


Qualche spiraglio di luce ogni tanto si intravede… 

3. angelo scrive: 


soffiamo , soffiamo tutti insieme in modo che le nebbie della ‘gnuranza si dissolvano facendo 

passare sempre più raggi di luce, 

tifo per voi viterbesi. 

4. 

daw scrive: 


non siete messi per niente male 

86 


IL DIO TEMPO A YAZILIKAYA | DI CARLO FORIN 




575 lettori 

di Carlo Forin | Ho chiesto alla redazione di “art a part of culture” di 

partecipare alla rivista con l’illustrazione del corteo divino dei Massi Incisi 

di Yazilikaya. Ne ho ricevuto il consenso di cui la ringrazio. 

Sono stato attratto, come onomasiologo -studioso dei nomi-, dal nome 

“art a part of culture” perché io, come archeologo del linguaggio, mi sento 

parte altra dell’unica cultura a cui apparteniamo. 

E’ oggetto principale della mia attenzione un fenomeno artistico privo di 

nomi nella sua configurazione originale su pietra (da qui l’apertura del 

dialogo con voi), ma che con i nomi che gli studiosi hanno sovrapposto 

nel tempo è pronto finalmente alla ’comprensione’ di tutti (come la intende 

Hans Georg Gadamer in Verità e metodo [Bompiani 2004]). 

L’Arte in questione è questo oggetto del 1250 a.C.: 

http://www.atamanhotel.com/whc/hattusa-yazilikaya-relief.html 

Qui sopra, potete osservare un corteo di figure divine antiche incise sulla 

roccia alle quali dei nostri contemporanei hanno sovrapposto, 

nell’immagine Internet, dei numeri che a parte decodificano con i nomi 

degli dèi corrispondenti, ma con spiegazioni molto parziali. 

Con una eidologia, neologia, che uso come ’prima immagine del tutto’ 

osservato, chiamo il fenomeno da spiegare adeguatamente ’corteo del 

dio del tempo’ (Il concetto di tempo di Martin Heidegger si allarga in 

questo modo al passato, dal futuro). 

Il tempo della presente analisi si colloca tra l’evento accaduto il 5 aprile 

2008 a Vittorio Veneto – convegno nazionale “Antares, alle origini perdute 

della cultura occidentale” del quale sono in stesura gli Atti, che potete 

prenotare a questa e-mail- ed il Global Rock Art – IFRAO International 

Congress of Rock Art National Park, Serra da Capivara – Piau‚àö‚â†, 

BRAZIL – June 29 – July 3, 2009. 

Antares è il nome di una stella ed il nome di un dio, esaminato in 137 

articoli su www.siagrio.it dal dicembre 2001 al febbraio 2009. 

Ho chiamato teonomasiologia la rubrica, come ’studio comparato dei 

nomi degli dèi’. 

In sette anni è emersa, in questo studio, l’archeologia del linguaggio, sulla 

base della constatazione del tempo diverso di durata di una parola 

comune rispetto a quello del nome di un dio: il tempo di una parola 

normale è inframillenario, quello di un teonimo è ultramillenario. 

Così, come un reperto archeologico materiale stacca dagli altri detriti, il 

nome di un dio stacca dalle altre parole storiche. 

Il nome Antares ha 4279 anni. 

Radica nella cultura sumero-accadica come AN TAR ISH e TAR AN ISH, 

ha riscontro ad Ebla come AN TAR ESH, nei Veda come ANTARIKSHA, 

nell’impero ittita come EZEN AN.TAH-SUM, tra I Celti come Taranis. Un 

documento dell’archivio storico della Biblioteca Civica di Vittorio Veneto lo 

fa risalire al 1435 per identificare il colle al centro della Città: il monte 

Altare. 

Massi incisi per 

legittimare il potere 

Noi lo osserviamo in 

questo link nei Massi 

incisi di Yazilikaya, nel 

87 


Nord-Est dell’Anatolia, 

a 200 chilometri ad 

oriente di Ankara, in 

periferia dell’antica 

capitale ittita di 

Hattusa, odierna 

Bogdazoy. 

E’ opera nel 1250 a.C. 

di Puduhepa, vedova di 

Hattusilis III, madre di 

Tudhalya, che fu IV e 

regnò dal 1250 al 1225. 

Questo re non era 

titolato al regno, che 

non spettava nemmeno 

al padre, ma ad Uri Teshup, figlio di suo fratello Muwatallis che combattè 

a Qadesh contro Ramses II. 

La costituzione ittita riservava la corona al secondogenito -Muwatallis- e 

alla sua discendenza -Teshup-, mentre il primogenito -Hattusilis IIIdoveva 

essere destinato agli dei come sacerdote. 

Hattusilis, devoto ad Ishtar, frequentò un tempio di Ishtar, incontrò la figlia 

del gran sacerdote Puduhepa, ierodula -puttana sacra- la fece sua moglie 

e generarono Tudhalya. 

Il tempo dell’illeggitimità è totale fin dal loro sedere al trono. 

La figura 44 del corteo sopra istoriato è lo scopo di tutta l’opera. 

Mentre gli Usa hanno riconosciuto legittimo il loro 44a presidente, gli Ittiti 

tendevano a non riconoscere legittimo possessore dell’imperium, cioè del 

diritto di vita e di morte su ogni suddito, il figlio di Puduhepa -rimasta 

vedova di Hattusilis III- perché non titolato. La regina aveva gli Hurriti, 

popolo bellicosissimo, a sostenerla, ma sapeva bene che la legge non 

era dalla sua. 

Dunque, ha esposto la sua ideologia religiosa per giustificare un potere 

che non spettava né a lei, né al marito né al figlio. La Storia ci dice che il 

figlio regnò in seguito per 25 anni. 

Dunque, la rappresentazione, unita alle armi in mano agli Hurriti, fu 

efficace. 

-Per amore e per forza- come si canta ancora al Palio di Siena. 

Eidologia-Ideologia del tempo 

Il dio del tempo del corteo ha il numero 42 col nome di TE SHUP, mentre 

la n. 43 che gli sta di fronte è HE PATU. Il 44 è SHARRUMA. 

Costui è undicesimo di una sequenza che comincia dal n. 34. 

Chiamiamo la sequenza 34-43: AN TAR ISH, che si legge ’unione e 

separazione (TAR) del Cielo (AN) e della vita sulla Terra (ISH)’. 

Chiamiamo eidologia (ciò che appare) il sistema divino così configurato, 

ideologia, invece, Puduhepa al n. 43, Hattusilis III al n. 42, Tudhalya al n. 

44. 

Ovvero: l’autrice invita gli osservatori a riconoscere lei stessa nel destino 

di entrare nel n. 43, il marito morto nel n. 42, il figlio nel n. 44 post 

mortem. 

Quest’ultimo punto viene meglio spiegato dal figlio con l’immagine che lo 

rappresenta sotto braccio a Sharruma istoriata sul suo sarcofago. 

Lustro 

La jerogamia, il matrimonio sacro, è il tema più generale qui sviluppato. 

88 


Il lustro, il tempo di cinque anni-sessanta mesi, ci è chiaro ora dopo la 

provocazione introdotta al congresso Antares di Vittorio Veneto 

dall’archeoastronomo Adriano Gaspani, che pronunciò circa queste 

parole: 

-Io, come archeoastronomo, ho prove della conoscenza europea, letta 

nell’ordine del cielo, del tempo di cinque anni necessario all’anno lunare, 

di 11 giorni più corto di quello solare, per pareggiare circa il ciclo del sole. 

Voi, che sostenete la tesi di Giovanni Semerano, alla cui memoria questo 

convegno è dedicato, dimostratemi che questa misura del lustro era 

notoria in Oriente ed avremo la base per discutere serenamente il tema 

su cui siamo convenuti- 

(Re.: “Antares, alle origini perdute della cultura occidentale”). 

BIL KI LIB BA, “Il doppio circolo del Cielo (LIB) e della Terra (KI)” è il tema 

sumero sviluppato nei due circoli 34-38 e 39-43. BA, l’anima, è il 

connettivo dei due circa, KIR KA, in etrusco = anima (KA) che fa andare 

IR la Terra KI 

e replica BI la vita (bis) di IL, il dio del Cielo e dell’Aria En Lil. 

Il Sole n. 34 sposa la Luna n. 35 ed ISH TAR, SHAUSHGA in hurrita, n. 

38 li unisce e separa con le sue attendenti Ninattu e Kulitta, 36 e 37. 

N. 39 è Ea, ID EA, il dio Ea, fratello gemello di IL, En Lil. 

AE DI, Aedi, il tempio in ablativo, è il seme A della casa E del dio DI. 

Ideale, latina ideale connette gli dei gemelli EA ed EL col ribaltamento di 

LE. 

Lustro ‚Äö√ú√ lustro ‚Äö√ú√ LUS TUR = SUL TUR, dove il giro Sole 

(Sol) Luna (lus) sono due circoli circa sovrapposti. Il lustro come 

cerimonia di purificazione, lustrale, è ampiamente documentato nella vita 

latina con i cortei lustrali che partivano dal campo Martio. 

Lustra sex jam peregit è un inno di Venanzio Fortunato alla passione di 

Cristo che aveva compiuto ormai sei volte i cinque lustri prima di caricarsi 

tutti i peccati del mondo per purificarlo con la Croce. 

Suggerisco il link 

http://www.agoramagazine.it/agora/spip.php?article3213 

per ripercorrere il tema dei cortei dei penitenti e dei flagellanti cominciato 

qui il 5 giugno 2008 per proseguire su Yazilikaya e concludere con La 

scure nel fascio. 

Chi scrive è perfettamente consapevole della rivoluzione culturale 

sollevata dalla comprensione di quest’opera d’arte. 

Ho il piacere di aver potuto esporre il ’libro’ Lingua fu dingua in 

www.agoramagazine.it dal 29 novembre al 31 dicembre 2008. 

Vi ringrazio dell’ospitalità, 

dr Carlo Forin 

carlo.forin1@virgilio.it 

gradisco il dialogo. 

Ometto la bibliografia per via della commistione cartaceo web che 

indurrebbe in omissioni certe. 

1. erminia scrive: 


accidenti, che bel testo, originale, forbito, interessantissimo. grazie della scelta. 

erminia s. 

2. paola scrive: 


Stupendo! Anche per chi, come me, non é proprio dentro ‘alle segrete cose’ dell’arte e 

dell’archeologia. 

Se ne dovrebbe parlare di più. 

Complimenti. 

3. 

Carlo scrive: 

89 


4. 


Grazie ad Erminia e a Paola. 

Ne parlerò di più, qui! Vi ringrazio, soprattutto, di aver preso l’iniziativa del commento. 

Ti confesso, Paola, che io ho dall’arte solo le poche nozioni datemi a scuola, al liceo scientifico poi, negli 

anni sessanta. La comprensione mi viene dall’archeologia del linguaggio. 

Ho scritto più di 400 articoli in vari siti Internet, perché il mondo del cartaceo é preda di circoli riservati. 

Pensate che ho dovuto raccogliere 10 euro ciascuno da 100 cittadini per stampare il mio libretto Antares, 

dagli déi di Babele alle lingue d’Europa! Che vi posso mandare. 

Ho scritto 137 articoli su http://www.siagrio.it /Antares. 

Comunque sia, visto che ho trovato, e finalmente, la sensibilità acuta di due come voi, Erminia e Paola, 

sarà una gioia parlarne di più, qui in art a part of culture! 

lello v scrive: 


Articolo particolarissimo, pieno di input per approfondimenti futuri… grazie ragazze/i! 

90 


GLI SCHELETRI DI VIA DUOMO. IL GIALLO DI STEFANIA 

NARDINI FRA PRESAGI E MEMORIE | DI ISABELLA 

MORONI 



inserito in approfondimenti, libri letteratura e poesia 

459 lettori 

Gli Scheletri di Via Duomo è una 

chiave. 

Una chiave conservata con 

prudenza e delizia per proteggere 

quel che si nasconde dietro quella 

porta. 

Una chiave per accedere agli anni 

’70 ed in particolare alla Napoli 

degli anni ’70, un mondo a parte che l’autrice costruisce come un origami. 

Poche mandate e la porta si apre. 

Stefania Nardini ci guida in questo mondo riemerso, fatto di transistor e 

contrabbando, di portierati potenti, cartomanti e scugnizzi. Gli stessi 

destinati a diventare uomini e capi dei clan attuali, senza più memoria di 

quella malavita romantica e guascone alla quale ancora ci si inchinava 

poco più di 30 anni fa. 

Una guida scaltra e provocatoria che, nel profondo del cuore patteggia 

per la città, anche se è sporca e ferita, mariuola ed affamata. 

La scrittura di Stefania Nardini non edifica, svela. 

Come nel migliore giornalismo d’inchiesta, prende possesso dell’occhio 

del lettore e ne ravviva la curiosità ed i sentimenti costruendo pagina 

dopo pagina, con repentini cambi di inquadratura, tagli e primissimi piani, 

una storia stupefacente e prodigiosa, densa di particolari e di scoperte. 

Così si penetra in quel “ventre di Napoli” di confine che è Forcella, un 

quartiere a cavallo fra l’anima levantina della Marina e quella tradizionale 

del Duomo; si ricordano o si scoprono personaggi, vicende, amori e 

segreti, si rievocano oggetti perduti (un mangianastri, un transistor, una 

macchina per scrivere) canzoni passate, poteri e strategie dimenticate, 

mentre Radio Camorra trasmette crittografie, codici segreti, pizzini 

Di questo libro così speciale ne parliamo con l’autrice. 

1.Stefania Nardini, dunque: dove nasce la passione per questa 

storia un po’ noir? 

La storia si ispira a un fatto di cronaca realmente accaduto. Di quelli che 

catturano l’attenzione dell’intera città. Avendo lavorato dieci anni a Il 

Mattino ne avevo sentito parlare in particolare dal mio compagno. Perché 

in effetti fu lui a seguirla come cronista. E mi spiaceva che andasse 

dimenticata come tante altre. L’ho recuperata, l’ho infarcita di personaggi, 

mi sono lasciata trascinare. E’ stato un lavoro di grande aiuto. Ero stata 

appena operata di cancro, avevo un tubo di drenaggio e dolore. Ho 

sperimentato cosi’ che la scrittura è meglio di una medicina. 

2.Gli anni 70 a Napoli hanno un gusto quasi casereccio: la camorra 

di allora era ancora davvero solo contrabbando, oppure già si 

preparava la nuova organizzazione? 

Era una camorra diversa. In realtà, anche se puo’ sembrare paradossale, 

la lotta contro il contrabbando delle sigarette ha rapidizzato lo spaccio 

dell’eroina. La Forcella che racconto nel libro è un quartiere che vive 

ancora dell’epopea degli anni della guerra. Forcella era l’illegalità intesa 

91 


come ragione di sopravvivenza. Poi le cose cambiarono con gli scontri tra 

le famiglie che si contendevano il mercato della droga. E tutto si ando’ 

esasperando. Stava cambiando anche il “codice” della camorra sempre 

più spietata sempre più “azienda”. Basti pensare ad Annalisa, la ragazza 

che venne uccisa per sbaglio durante un regolamento di conti proprio a 

Forcella. Ai Giugliano , al loro impero, alla cocaina che travolse anche 

Maradona. La camorra degli anni ’70 era ancora quella di uomini e donne 

d’”onore”. Oggi assolda i ragazzini li equipaggia di motorini, 

rigorosamente senza casco per evitare che li scambino per killer, per fare 

i corrieri, i pali. “Mio figlio ora si puo’ sposare” mi racconto’ una persona 

“guadagna col “mezzo” e porta a casa 500 euro a settimana. Tanto era 

disoccupato” 

3.Napoli, ancor più del cronista che ci racconta l’evento, sembra 

essere la vera protagonista del tuo libro. Cosa è rimasto oggi della 

città di cui narri ? 

Al di là dei luoghi comuni è rimasto molto. Napoli è una città straordinaria 

nel bene e nel male. Quale quella città dove, se hai problemi a 

parcheggiare perché l’abusivo è andato a prendere un caffè, ti ritrovi un 

tizio che si improvvisa volontario per darti una mano? Anche il dialetto, 

che poi è una lingua, è ricco di una poesia meravigliosa. Ma ripeto è 

estrema nel bene e nel male. Cos’è rimasto della Napoli che racconto? 

La generosità e la “fetenzia”. E poi questa cultura del favore, della 

clientela, che è nel dna della città. E’ una cultura che resiste e resisterà 

perché Napoli non crede di avere dei diritti ma delle “cortesie”. E’ un 

circolo vizioso. Ho conosciuto la Napoli di tangentopoli che reagi’ da vera 

città plebea, pronta a sputare in faccia al potente che aveva riverito fino al 

giorno prima. La Napoli che di fronte al dramma dei rifiuti, che non è mai 

stato una novità, tranne manifestazioni spontanee, talvolta anche 

impulsive, in realtà non si è ribellata di fronte a chi aveva delle 

responsabilità. Napoli è una città combattente, capace di dare il massimo, 

quando deve cacciare lo straniero. Ma se il nemico è in casa non riesce 

ad essere aggressiva ad imporsi strategicamente. Al massimo, come 

spesso è accaduto ieri e oggi, sputa in faccia al potente sconfitto. Napoli, 

secondo me, a parte la letteratura più classica, è ben emblematizzata in 

due opere: don Raffaé di De André, e “Cosi’ parlo’ Bellavista” 

Ma Napoli è, come è sempre stata, una grande madre. E non mi 

dicessero che è razzista. Puo’ esserlo nei discorsi di fantapolitica da bar. 

Ma alla fine il piatto di minestra ci scappa anche per il senegalese 

clandestino. 

4.Tutti i personaggi di questa storia, compresi gli scheletri, hanno 

una personalità unica ed originale; ognuno è una storia nella storia. 

Da quali ricordi e da quale immaginario provengono? 

Dal mio amore per la città. Un amore antico, anche perché io sono 

romana. Ci sono personaggi che ho conosciuto nella mia infanzia. O che 

mi sono stati raccontati da mia madre, figlia di un napoletano e in più 

attrice di teatro, e il teatro ha sempre avuto un grande riconoscimento a 

Napoli. Poi facendo la giornalista di soggetti interessanti ne ho incontrati 

tanti. Ma sai non è una questione di professione, ma del saper cogliere 

l’occasione che il grande palcoscenico della città ti offre. Di comari 

“Schiattamuorti” o di portiere come Maria ce ne sono un’infinità. Basta 

fermarsi, osservare, chiacchierare. 

5.La tua scrittura sembra scaturire spontanea dal cuore della città: 

qual è il legame fra te e questa Napoli “miracolosa”? 

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Un legame fortissimo. A parte avi napoletani, quel “miracolo” l’ho sempre 

respirato, anche scelto. Non a caso ho sposato un napoletano. Ma c’è di 

più. Quando rimasi incinta abitavo a Roma. Ma scelsi di partorire a 

Napoli. Fu un omaggio a mio figlio che oggi vive questo aspetto 

anagrafico con un forte senso di identità pur essendo cresciuto altrove. 

Che dire? Io resto incantata quando Antonio Ghirelli mi racconta le sue 

storie napoletane. C’è una poesia, un relax, un’atmosfera straordinaria. E 

poi la musica. Fin da piccola ascoltavo le canzoni di mio padre, pure lui 

romano, ma un fan di Sergio Bruni, Mario Abbate. E quelle canzoni sono 

state la colonna sonora della mia infanzia. Mi hanno trasmesso un senso 

di creatività, di leggerezza. Anche nei momenti dolorosi. Poi le ho anche 

contestate per dovere generazionale, ma mai fino in fondo. Poi per 

temperamento non amo le città piatte. Non a caso ho vissuto quattro anni 

a Marsiglia. Che pero’ essendo francese è molto più “ordinata”. Napoli è 

l’eccellenza nel miracolo. Perché il miracolo è quotidiano. Anche se poi 

ha la sua invivibilità, disagi che sono inimmaginabili altrove. Ma è cosi’. 

Sarà sempre cosi’ perché è questa la sua eternità. 

Stefania Nardini giornalista e scrittrice, è una romana innamorata delle 

due città dove ha vissuto: Napoli e Marsiglia. Vive tra l’Umbria e la 

Francia. Ha pubblicato Roma nascosta (Newton Compton, 1984) e 

Matrioska (Pironti, 2001). Ha fondato con Giulio Mozzi Vibrisselibri, è 

redattrice del multiblog La poesia e lo spirito. Cura la pagina libri Scritture 

& pensieri per il quotidiano dell’Italia centrale Corriere Nazionale. 

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